Aujourd’hui j’inaugure un nouveau type d’article, qui pourrait devenir récurrent si l’idée vous plait.

Mais quelle est cette idée?

Le concept est tout simple, je vous présente une photo et je vous explique par le détail sa réalisation de A — l’idée, à Z — quand l’image est prête à être ”publiée”, pour que vous puissiez ainsi vous faire une idée précise de la marche à suivre.

Et pour commencer cette nouvelle ”rubrique”, je vous présente cette basket Nike que vous avez découverte en illustration.

L’idée:

L’idée de base n’est pas de moi, en réalité c’est ma sœur Cindy qui s’est offerte cette paire de Nike et qui voulait la montrer à ses amis sur Facebook.

J’ai pris sa demande comme une commande de client, en lui posant des questions pour savoir ce qu’elle avait en tête.

Après une petite discussion, j’ai compris qu’elle voulait une présentation sobre, mais classe genre ”pub” avec pour mission de faire ressortir le côté multicolore de cette chaussure noire.

La réflexion:

C’est une partie de la création de la photo qu’on n’a pas toujours le temps de prendre.…croit-on! Mais qui est en réalité indispensable!

C’est elle qui nous permet de ne pas improviser, de savoir exactement ce que l’on veut. Même si c’est en quelques secondes, il faut toujours prendre le temps de la réflexion avant de photographier!

Ici j’avais le temps d’imaginer, j’ai donc mis plus que quelques secondes pour réfléchir au meilleur moyen de satisfaire la demande de ma sœur.

Je voulais jouer sur la lumière pour mettre en avant les éléments en couleur de la chaussure.

Pour y parvenir, le meilleur moyen que j’ai imaginé c’est de présenter la chaussure sur fond noir, ainsi les couleurs prennent beaucoup de valeurs, et comme la chaussure est aussi noire que le fond, j’ai décidé de jouer avec plu­sieurs sources d’éclairages pour la faire ressortir au mieux et ainsi éviter qu’elle ne se fonde trop dans le décor.

La préparation:

Une fois que je savais ce que je voulais, je devais préparer le tout.

La préparation en studio peut prendre du temps, pour bien penser et imaginer.

Sur le terrain, elle s’emboite avec la réflexion, mais c’est une étape importante qu’il ne faut pas oublier!

Pour cette séance, j’avais le temps, et je l’ai pris.

La première chose fut de faire un plan d’éclairage pour savoir en gros comment j’allais placer chaque source de lumière.

Pour rester dans l’esprit accessible du site, j’ai mis de côté les flashs studio pour me contenter de flash tout ce qu’il y a de plus classique, ainsi, ceux qui voudraient essayer de reproduire cette photo auront plus de facilité.

Comme je savais déjà que j’allais faire cette prise de vue devant les portes-fenêtre de mon salon et ainsi profiter d’un bel éclairage principal, il me suffisait de placer mes flashs de façon à sculpter la chaussure avec la lumière et mettre en avant les éléments importants.

Un flash sur la gauche et un sur la droite pour modeler la chaussure. Un légèrement sur le dessus pour faire ressortir les œillets et leurs couleurs.

Il est donc temps de s’occuper de la déco!

Pour faire le support et le fond, j’ai choisi la facilité!… Rien de plus simple, une sacoche d’ordinateur et un simple t-shirt noir.

Prise de vue et réglages:

La première chose à faire est de mettre en place la chaussure sur son ”décor”, puis de placer les flashs.

Pour maintenir le tout, on ne se complique pas la vie, vive les chaises!

Il faut prendre son temps pour cette mise en place, car plus on est appliqué, moins on aura de correction à apporter.

Comme on a déjà bien réfléchi à ce qu’on voulait, il est simple de placer la chaussure dans une position idéale, mais quand on n’a pas l’habitude, placer les flashs est quelque chose de plus délicat.

Mais pas de souci, on les place au mieux, puis on prend une première série d’images pour faire nos réglages.

Cette série va nous permettre d’apporter les corrections sur le placement des flashs, leur puissance, leur orientation…etc.

Cela va aussi nous servir à choisir nos réglages boitiers.

Si vous avez vraiment de la peine pour le réglage des flashs, l’astuce est de ne pas hésiter à n’en faire fonctionner qu’un à la fois pour voir son impact et réagir en fonction de ce que l’on voit.

Une fois tous nos réglages choisis, on peut prendre les photos le cœur léger et se concentrer uniquement sur le cadrage.

Ici, et au vu de notre réflexion et du placement des flashs, l’amplitude de mouvement est limitée, mais il faut en pro­fiter pour choi­sir avec soin son cadrage.

De toute façon, le choix était décidé à l’avance, ce n’est donc que du détail, des mouvements de quelques millimètres pour obtenir le meilleur.

J’ai donc fait quelques essais pour ensuite choisir la photo finale sur l’écran de mon ordinateur.

Post-Traitement:

Une fois le choix final de la photo fait sur écran, il est temps de la passer par un programme de retouche (ou de développement) pour en tirer le meilleur.

Plus on apporte de soin lors de la prise de vue, moins on aura à faire de post-traitement.

Ici, on voit que l’image de base, comparée à la photo finale,  manque un peu de peps et que le fond est un peu trop visible.

Nous allons donc arranger ces petites choses grâce à Photoshop, mais d’autres programmes peuvent être utilisés:

[ Conseil: Visionnez en plein écran. Si vous avez des problèmes de lecture, cliquez ICI ]
(Vidéo : Regardez cette vidéo sur la page des articles)

Comme vous pouvez le constater, la retouche est d’une simplicité enfantine et vraiment à la portée de tous.

Conclusion:

Avec un peu d’attention et de préparation, on peut tout à fait obtenir des images travaillées de façon aisée.

Pas besoin de matériel de studio ou d’un savoir-faire énorme.

Un peu de réflexion, une bonne préparation, et vous pourriez presque présenter vos œuvres à une agence de pub!

Nous voilà arrivés au bout de cet article, qui, je l’espère, vous aura fait plaisir.

Pour savoir si je dois réitérer l’expérience, je vous invite à répondre à ce petit sondage:

Merci d’avoir participé, et n’hésitez pas à me donner vos avis dans les commentaires.

Bon courage et bonnes photos!

Merci tout d’abord à Darth de me laisser vous narrer mes débuts concernant la photo Infrarouge (IR pour la suite) sur son blog. Je vous invite à relire l’interview faite par Darth car tout a commencé pour moi en lisant cet article.

Evidemment il faut un filtre infrarouge avant de pouvoir se lancer, à moins d’avoir un boîtier modifié ou spécialisé pour ne faire que de l’infrarouge. J’ai donc commencé par acheter mon filtre, j’ai choisi un Cokin A007, j’avais le porte-filtre à disposition qui pouvait se visser sur mon 50mm f1.8 II. Les filtres Hoya R72 sont aussi une très bonne option mais je n’en ai pas essayé. Dès la réception de mon filtre, ce fut parti… vers les échecs. Je n’ai dans un premier temps rien obtenu d’exploitable. Je m’excuse d’avance pour le roman mais il y a tant à dire pour vous éviter les mêmes mésaventures…

l’infrarouge est une onde électromagnétique de fréquence inférieure à celle de la lumière rouge (et donc de longueur d’onde supérieure à celle du rouge qui va de 500 à 780 nm). La longueur d’onde de l’infrarouge est comprise entre 780 nm et 1 000 000 nm (ou encore entre 0,78 μm à 1 000 μm

Les capteurs des APN sont sensibles au proche infrarouge qui va jusqu’à 1400nm environ, au-delà il faut du matériel spécifique. Le proche infrarouge révèle, entre autre, l’activité chlorophyllienne qui ”transforme” l’été en hiver sur les clichés. Il ne permet par contre pas de capturer des images ”thermiques”.

Le filtre le plus populaire, le Hoya R72 a une coupure connue à 720nm. Les filtres Cokin et B+W semblent plus tolérants et auraient donc une coupure plutôt vers 695nm. Concrètement, le capteur de notre appareil va recevoir une partie du rouge VISIBLE entre 720nm (ou 695nm) et 780nm en plus de l’infrarouge.

Point clef: le matériel
Avant de vous lancer dans l’aventure, vérifier que vous avez le matériel adéquat, un bon filtre ne suffit absolument pas! Méfiez-vous des appareils ”récents”. Pour preuve, mon fidèle 50D est inapte à l’IR avec les filtres cités précédemment, ou alors il me faudra le faire modifier. J’ai pu emprunter le 350D que j’avais avant et qui est resté dans la famille. Pour que tout cela ne soit pas que des mots, rien de tel que la preuve par l’image:
 

A gauche une photo prise le même jour avec mon 50D, à droite avec le 350D. Les réglages étaient identiques à l’exception de l’ISO, le 50D ayant un meilleur filtre anti-IR devant son capteur, il était à 400 iso contre 200 pour le 350D. Malgré cela, on voit que la végétation reste très foncée, ceci alors que le 350D est en balance des blancs automatique. Ceci est dû au fait que le 50D a un bien meilleur filtre anti-IR, aussi l’exposition est majoritairement dû au rouge visible et la végétation reste donc foncée.

Tous mes premiers échecs étaient simplement dus à un mauvais couple boîtier/filtre. Cela m’a rassuré un peu, je n’étais après tout pas si nulle que ça, je n’avais pas tout à fait le bon matériel. Pour les boîtiers récents et l’IR, j’en parlerai un peu plus loin avec le filtre à 850nm.

Pour vous aider à savoir si votre appareil vous permet de faire de l’IR sans modification, c’est-à-dire sans ôter le filtre du capteur bloquant les infrarouges, j’ai trouvé ce site qui recense un certain nombre d’appareils et leur sensibilité à l’IR. On constate que le 350D est plutôt bien placé dans leur tableau. C’est ce tableau qui m’a redonné espoir et fait comprendre mes échecs avec le 50D.

Mais le boîtier ne fait pas tout! Ce même site a recensé aussi l’aptitude à l’infrarouge de plusieurs objectifs. En effet, les constructeurs optimisent leurs objectifs pour le spectre visible à l’oeil, pas l’infrarouge. Le 50mm f1.8 II est adapté, chance pour moi.

Maintenant que vous êtes en mesure de vérifier que vous avez le matériel adapté, vous pourrez acheter votre filtre plus confiant. Ensuite, il faut entrer dans le vif du sujet, faire des photos, avec votre trépied obligatoirement si votre boîtier n’est pas modifié.

Photos !
J’ai trouvé que cette partie n’était pas la plus difficile. Les indications de Roland (dans l’interview de Darth) sont tout à fait justes. Si vous-même ne voyez quasiment rien avec le filtre vissé, votre appareil, lui, est capable de faire la mise au point. C’est pratique, on ne s’ennuie pas et on fait confiance à son appareil. Pour ma part, ce fut un peu dur avec le 350D, je me suis bien habitué au mode ”live view” du 50D, qui est très pratique pour cadrer dans ce genre de situation. Il m’a donc fallu procéder à l’ancienne, enlever le filtre, cadrer et choisir le collimateur pour la mise au point, mettre le filtre.

Pour les réglages… manuel pour ma part, la priorité ouverture du 350D ne voulait pas franchir la barre des secondes. Je pense qu’il faut tâtonner un peu en prenant plusieurs photos, le temps d’acquérir un peu d’expérience avec votre appareil. Si l’histogramme de luminance vous donnera une indication, l’idéal reste l’histogramme RGB mais pas moyen pour moi de l’afficher sur le 350D, j’ai donc dû faire sans sur le moment et être vigilante. (snif avec mon 50D je n’ai pas ces soucis)

Faire la balance des blancs (BdB) sur de l’herbe est l’idéal, cela vous épargne du travail supplémentaire sur la retouche. Pour le faire, je vous renvoie au manuel de votre appareil. Dans le doute sur votre BdB, travailler en RAW, ce que je recommande fortement à ceux qui débutent.

Traitement
Vous avez eu un aperçu plus haut de ce qui sort du capteur, vous imaginez facilement qu’il y a du travail après la prise de vue. On est loin d’un simple réglage du contraste ou de la saturation, photoshop (ou gimp) sera votre allié… ou pas dans mon cas, je ne le connais pas bien. Vous pouvez faire une inversion via le mixage des canaux du Rouge et du Bleu, comme le propose la plupart des tutoriels de traitement d’une photo IR. Pour ma part, j’ai préféré un autre réglage, toujours via le mixage des canaux, qui remplace une couleur (vert par exemple) par 50% de ses consoeurs (rouge et bleu pour le vert), et ainsi de suite pour chaque couleur.

Ceci constitue le traitement de base, mais après il faut faire quelques ajustements de couleurs pour les plus doués avec photoshop, et bien sûr vos réglages habituels puisqu’il s’agit tout de même d’une photo, elle a le droit à son développement comme les autres. C’est à cette étape que je lâche photoshop car je ne m’en sors pas bien avec.

Pour vous donner une idée des étapes, de gauche à droite, brut en BdB automatique, BdB modifiée, rendu en fausses couleurs 50% des ”complémentaires”, N&B:

Pour le fun, la version sans filtre IR et un faux IR à partir de la version couleur:

Essais avec un filtre 850nm
Pour ceux qui ont un boîtier un peu récent ou ceux qui veulent aller plus loin, il existe des filtres qui ne laissent passer que les rayons IR. Leur valeur est au-delà de 780nm, j’ai pour ma part essayé un filtre à 850nm.
L’utilisation est vraiment plus difficile; plus d’autofocus, même pas de live view avec le 50D. Par contre, même les appareils récents peuvent capturer des images IR. Comme la plupart des objectifs récents n’ont pas de repères sur la mise au point en infrarouge (voire aucun repère du tout), il est quasi impossible de la trouver soi-même à l’infini… ou si vous avez encore moins de chance, vous avez comme moi un objectif qui A le repère (85mm f1.8) MAIS qui présente un disgracieux ”hotspot”. Du coup, le plus ”facile” est de ne pas faire la map à l’infini avec ces filtres mais avoir un premier plan, faire la map sans filtre un peu en avant du point focal désiré, ouvrir assez grand pour que la map soit bonne à l’endroit souhaité. Si jamais quelqu’un a une astuce pour trouver la map à l’infini en IR d’un objectif sans aucun repère, je suis preneuse!

Le traitement sera en revanche plus simple car uniquement en N&B, le rendu en fausses couleurs nécessite la capture d’une partie du rouge visible. Plus la valeur de coupure du filtre est élevée, moins il laisse passer de lumière et plus vous augmentez les temps d’exposition. Le grain sur les images devient plus important, mais le feuillage est plus blanc et le ciel plus noir.

Pour vous donner une idée, la version en balance des blancs automatique et en N&B:
 

Sur ces photos, on peut remarquer la végétation plus blanche et un léger ”hotspot” au centre, constituée par la tâche plus claire. On peut remarquer que la photo en balance des blancs automatique est bien plus violacée en comparaison du filtre cokin. Par contre, quand vous effectuez la balance des blancs correctement, vous obtenez quasiment une photo N&B comme celle de droite.

Remarques sur le filtre cokin
Cette partie n’intéressera peut-être pas grand monde mais elle me paraît nécessaire. J’ai fait le choix d’un filtre cokin sur porte-filtre, la solution a ses avantages: un seul filtre à acheter et plusieurs bagues pour les différents diamètres des objectifs. Elle a un inconvénient majeur: l’espace entre le filtre et le porte-filtre! J’ai eu quelques désagréments provoquant un flare très disgracieux, même à l’ombre. Ma solution fut dans un premier temps de poser un gilet noir autour de mon objectif. J’ai depuis trouvé mieux, une mitaine longue!

 
Le jour vu de près et mon ”bricolage”.

Mon ressenti
Je dois avouer que le jour où j’ai fait mes clichés avec le 350D, j’étais très heureuse, j’avais enfin des clichés comparables à ce que je voyais partout. Quand je lisais les autres parler de leur expérience cela paraissait si simple alors que moi je n’arrivais à rien avec le 50D. J’ai été très frustrée au départ par mes échecs mais la persévérance a payé. Vous avez vu dans cet article mes premiers clichés ”exploitables” de ma première virée IR avec le matériel adapté.

Ce que je retiens de cette spécialité de la photographie, c’est le temps qu’il faut consacrer à l’IR.

Premièrement, avec un appareil non modifié les temps de pose nécessitent un trépied. Le trépied implique qu’on ne peut envisager de se livrer à ces photos avec d’autres personnes que s’ils ont la contrainte d’un trépied ou qu’ils supporteront de rester 10 minutes au même endroit (photo macro peut-être). Avec les réglages en tous genres dudit trépied pour le cadrage et des réglages manuels de l’appareil pour l’IR, on est très loin de la souplesse habituelle de la prise d’un paysage par temps ensoleillé.

Deuxièmement, il faut faire un traitement sur chacune de vos photos. Si le traitement de base (inversion du Rouge et du Bleu par exemple) se fait en presque 3 clics, car Photoshop et Gimp vous permettront d’enregistrer le mixage de canaux qui va bien, il peut y avoir un peu plus de traitement suivant la qualité de la balance des blancs. Je dirais qu’on double voire qu’on triple facilement le temps de post-traitement, tout dépend de votre exigence sur le résultat. Et même si vous optez pour le N&B, vous allez tout de même y passer un peu de temps.

Néanmoins, je trouve que le résultat récompense bien les efforts à fournir quand on aime ce genre de photographie. Ce côté magique de paysage hivernal me laisse rêveuse et je ne regrette pas le temps que j’y ai consacré. D’ailleurs, il suffit de voir le paysage en couleur habituelles de mon exemple pour réaliser combien une scène aussi banale que de l’herbe et des arbres est transformée par l’IR. Les portraits sont aussi intéressants à faire, mais sans boîtier modifié les temps de poses sont vite un peu ”longs” pour garder un modèle bien net. La peau est comme lissée ou laiteuse et l’effet est très particulier. Je ne vous présente pas d’exemple car je n’en ai pas de réussi.

J’espère que si vous hésitiez à vous lancer dans cette branche de la photographie, j’ai répondu à certaines de vos questions ou inquiétudes. Bien sûr, je répondrais à toute autre question dans les commentaires. Une chose est sure dans mon cas, je ferais d’autres photos en infrarouge et je modifierai très probablement un boîtier un jour. J’aime vraiment le côté hivernal des paysages et les portraits IR ont un cachet très spécifique.

]]> http://blog.darth.ch/2011/07/24/mes-premieres-photos-ir/feed/ 122 http://blog.darth.ch/2010/05/06/histogramme/ http://blog.darth.ch/2010/05/06/histogramme/#comments Thu, 06 May 2010 04:00:34 +0000 Darth http://blog.darth.ch/?p=2034

Mais qu’est-ce qu’un Histogramme ?

Si vous vous êtes déjà posé la question, cette article est fait pour vous.

Si vous savez, mais vous avez besoin de précisions ou de revoir les bases, cet article est fait pour vous.

Ce billet est là pour vous faire entrer dans le monde de l’histogramme, à la fin du voyage ce mot barbare n’aura plus aucun secret pour vous.

Il a été écrit par un grand spécialiste  en la matière, Michel Garofano, que je remercie de tout coeur d’avoir pris le temps de vulgariser cette notion, un outil dont on ne peut plus se passer quand on sait l’utiliser.

Assez parlé, je vous laisse avec son explication … bonne lecture !

HISTORIQUE :

A sa création, l’image numérique c’est appuyée sur la conception argentique. Les éditeurs d’images (Photoshop et autres) ont donc placé « Luminosité » et « Contraste » dans les menus. Luminosité correspondant au temps d’exposition et contraste au gamma du papier.

Même s’ils existent toujours, ces curseurs se sont rapidement montrés insuffisant pour fournir un travail précis. De là est né l’idée d’un nouvel outil, l’histogramme.

Cette nouvelle fonction c’est développer pour se retrouver dans tout les logiciels mais aussi presque tout le matériel photo. Si en retouche il est INDISPENSABLE, il est également très utile en prise de vue.

PRINCIPE:

L’histogramme est un compteur à pixel, il met en évidence la répartition des niveaux de gris de l’image en les présentent répartis sur 2 axes :

Les X vont du noir au blanc (de 0 à 255)
Les Y , le nombre de pixels par niveaux

Pour qu’une image comporte un maximum de nuances sans pertes de détails, il faut une courbe la plus large possible sans que les extrémités ne soient coupées. Nous allons voir plus loin que de sa forme dépend le contraste et de sa position dépend la luminosité. La lecture est utile à la prise de vue pour optimiser l’exposition et en traitement pour modifier les valeurs de l’image

Certain histogramme sont en couleurs, ce qui facilite la lecture colorimétrique de l’image mais le principe reste identique. La courbe peut également varier selon le mode de calcul. Les différences n’ont aucune incidence pour l’utilisateur

LECTURE DE LA FORME :

La courbe peut prendre la forme d’une bosse ou d’un creux. Ceci en fonction du contraste de l’image…

Dans l’image ci-dessus :

• Les parties sombres (point A) sont incluses dans l’image.
• Pareil pour les parties claires (point B).
• Le sommet de la courbe est pratiquement centré, Il y a donc beaucoup de nuances de gris
• La pente est douce, en forme de cloche, la scène n’est pas très contrastée

Dans l’image ci-dessous, c’est le contraire. La courbe est en forme de cuvette. D’un coté les immeubles et de l’autre le ciel. Toute la plage utile est utilisée et même au-delà, la partie droite est tronquée. Quelques détails dans les nuages sont manquants, ils sont restitués par un aplat blanc

LECTURE DE LA POSITION :

La position horizontale définit la densité. Au moment de la prise de vue, trop à gauche et l’image risque d’être sous-exposée. Trop à droite et c’est la surexposition. Une bonne analyse doit tenir compte du sujet.

L’image ci-dessus n’est pas trop sombre, elle comporte simplement beaucoup de nuances foncées. Pareil pour l’image ci-dessous qui n’est pas trop claires. Je suis sur de ne pas me tromper parce que les courbes ne sont pas tronquées. Elles finissent en pente (en pointes) au début et à la fin.

A LA PRISE DE VUE :

L’histogramme est un outil complémentaire au système de mesure. Sa lecture permet de savoir si l’exposition est correcte. Malgré les progrès technique, les sujets et situations difficiles peuvent fausser le résultat de la mesure. Comprendre l’histogramme de son boitier corrige donc les erreurs et évite les pièges.

Voici une image « standard » et son histogramme sous l’éditeur (Photoshop)

Les valeurs sont moyennes, c’est à dire sans parties très sombres ni très claires. Si l’exposition est bonne, la courbe sera centrée et ne sera pas coupée aux extrémités. Ici c’est le cas.

Au moment de déclencher, j’ai fait un bracketing sur 3 diaphragmes :

CONSTATATIONS :

• La courbe est assez différente de celle présenté plus haut sous Photoshop. Ceci n’a pas d’importance et m’as permis d’apprécier l’expo juste.
• L’image est constituée de 2 masses que je retrouve sur le graphique par 2 sommets.
• J’ai déterminé l’expo en fonction de la répartition sur mon graphe.
• A +1 diaph, les parties les plus claires sont brulées, l’extrémité droite a disparue.
• A –1 diaph, je peux encore enregistrer tout les détails (pointe gauche présente) mais il faudra que je rééquilibre l’ensemble de l’image en l’éclaircissent avec une retouche.

J’ai ajouté un trait rouge (identique dans chaque image) pour visualiser la compression (-1) et l’extension (+1) des valeurs moyennes. Ceci est utile pour jouer sur le contraste (voir traitement).

Lorsque la scène est très contrastée, il faudra faire le choix de couper les noirs ou les blancs en fonction du sujet.

Exemple avec ce mur en contre-jour. J’ai choisi de sacrifier quelques nuances blanches (ciel sous l’arche) et ainsi de favoriser le mur.

A contrario, pour ce sujet clair sur un fond sombre, j’ai choisi de tasser les ombres pour ne pas bruler le pigeonnier.

Ci-dessous à gauche, l’histogramme de la prise de vue en mode manuel. A droite, celui obtenu en mode automatique.

On parle d’exposition à droite ou d’exposition à gauche lorsqu’on fait le choix d’aligner le pied de l’histogramme en butée mini ou maxi. Sur l’image ci-dessus, j’ai exposé à gauche et sur celle de l’ogive, j’ai exposé à droite.

Pour optimiser la puissance des processeurs, les fabricants utilisent des modes de calcul par moyenne ou par sondage. Le résultat devient très variable d’un constructeur à l’autre. Il est donc impératif de bien connaitre les limites de sont boitier. Pour ce faire, il faudra comparer son l’histogramme à celui de votre éditeur d’image. Ce dernier utilise le dernier x2/x4 cores de votre unité, il a largement le temps de faire des calculs plus précis.

EN POST PRODUCTION :

INTRODUCTION

A l’origine l’histogramme a été créé pour la retouche. C’est ici qu’il prend tout son intérêt. Nous allons pouvoir modifier la densité, le contraste et la colorimétrie simplement en déplaçant trois curseurs.

Pour plus de compréhension, j’ai photographié une charte de gris avec 3 zones, blanc, noir et un gris qui réfléchi 18% de la lumière reçu. Faite un click droit « Enregistrer l’image sous …» si nécessaire :

Pour que la couleur ne vienne pas interférer, j’ai mis la charte en noir et blanc (niveau de gris). Trois vignettes (blanc, noir, gris 50%) ont été ajoutées pour servir de référence. Elles ne varient pas d’une illustration à l’autre.

LECTURE :

Le comptage des pixels et le graphisme qui en découle semble évident.

• La 1ere barre correspond à la partie sombre. Je constate que cette zone n’est pas tout à fait noire, elle commence après le noir pur.
• La 2eme barre, c’est celle du gris. Il ne reflète que 18% et est donc un peu décalé par rapport au repère 50% (curseur gris)
• La 3eme barre n’est pas en butée. Les blancs peuvent encore gagner de l’éclat

CORRECTION DU CONTRASTE :

En réduisant la courbe en largeur, je vais augmenter le contraste. Pour se faire, je déplace les curseurs noir et blanc.

Je constate qu’en supprimant les barres extrêmes, j’obtiens du noir et du blanc dans les zones concernées.

Application :

Cette porte semble correctement exposée mais les couleurs que j’ai vus ne correspondent pas au fichier brut. La forme en cloche m’informe qu’il y a très peu de noirs, beaucoup de gris et pas du tout de blancs.

Je supprime les détails sombres qui n’apportent pas réellement d’informations. Je déplace mon curseur blanc à la limite des tons les plus clairs.

J’ai gagné en contraste ! Les couleurs sont plus flatteuses et paraissent mieux répartis sur toute la gamme disponible. Je dis « paraissent » parce qu’en étirant les gris pour aller du noir au blanc, j’ai créé des trous dans mon histogramme.

Après correction, en ouvrant de nouveau mon histogramme, je constate une discontinuité des tons. On parle alors d’histogramme en peigne ou en râteau. Il y a donc des limites à la récupération d’une image.

A noter que ce phénomène est moins sensible avec des fichiers supérieurs à 8 bits / couches mais reste présent.

CORRECTION DE LA LUMINOSITE :

En déplaçant le curseur gris, la luminosité va changer. En l’occurrence ici, je transforme mon gris 18% en gris 50%. En conséquence l’image va s’éclaircir.

Application :

Ce paysage est trop lumineux. Sur l’histogramme, je peux lire qu’il n’y a aucuns noirs. Au vu de la partie droite, les zones claires de la scène sont devenues blanches sur l’image.

En déplaçant le curseur gris je récupère les tons moyens.

A noté que si les gris sont mieux restitués, je n’ai récupéré aucun détail dans les éléments surexposés. Façades et rochers resteront blancs à 100%

Je constate les mêmes limites de correction que pour le contraste. A gauche c’est comprimé, J’ai un râteau supérieur. A droite c’est dilaté, j’ai un peigne.

CORRECTION DE LA COULEUR :

La charte a été photographiée avec la balance des blancs automatique. Elle présente une légère dominante froide.

La aussi, l’histogramme va servir de guide pour rectifier le tir. L’affichage par couche montre un rouge un peu sombre et un bleu un peu clair.

L’ajustement du curseur gris dans chaque couche rééquilibrera le chromatisme.

Application avec variante :

La grange est éclairée par des néons (lumière discontinue) et il est très difficile d’obtenir un bon équilibre chromatique. La luminosité est très faible, sans ombre. Le résultat est une image terne.

Sur les histogrammes par couches, je constate un déficit de rouge. Pour obtenir une image plus punch et avoir des couleurs moins froides, je vais agir sur le contraste de chaque couche. Je déplace les curseurs blancs sur les dernières valeurs claires disponibles. Je fignole la couleur avec les curseurs gris.

Je pense que si vous lisez ces lignes, c’est que l’histogramme n’a plus de secret pour vous.

Du coup je suis sûr que vous allez faire de bonne photo, donc…

Bon courage !

PS: Encore merci à Michel pour le temps qu’il a passé à écrire cet article !

J’ai le plaisir de vous présenter le premier tutoriel vidéo de mon blog !

Vous allez y découvrir (si vous n’avez pas regardé la vidéo avant de lire le texte) comment rendre la peau plus nette des modèles de vos Votrait <-(je n’avais pourtant pas bu que j’ai fait la vidéo !)

Si vous voulez d’autres tutoriels vidéo sur différents sujets, n’hésitez pas à me faire vos propositions dans les commentaires.

En espérant que celui-ci vous pourra vous rendre service !

Bon courage, bonne photo et … bonne retouche.

[En cas de problème de lecture de la vidéo, cliquez ICI]
(Vidéo : Regardez cette vidéo sur la page des articles)

(N’hésitez pas à mettre la vidéo en plein écran pour une meilleure lecture)

…Hé oui, je l’ai passé en N&B!

Je pense que vous avez deviné de quoi va parler mon article. Si vous n’avez pas encore compris (ce serait étonnant quand même) je parle de cette fameuse loi que veut faire passer la députée UMP Valérie Boyer.

Elle veut que toute photo retouchée soit signalée ainsi: ”Photographie retouchée afin de modifier l’apparence corporelle d’une personne”

Elle espère ainsi préserver les gens d’une fausse image qu’ils se font des mannequins et autres célébrités en couverture de nos magazines:

Ces Images peuvent conduire des personnes à croire à des réalités qui, très souvent, n’existent pas.

Cette mesure, si elle passait, concernerait la publicité, mais également la photo de presse et d’art, et ceci, sur tout support que ce soit.

Partant de là, je me suis interrogé et j’ai essayé de voir la chose de façon objectif.

Voici ce qui ressort de ma pensée.

En première lecture, cela peut sembler être une bonne chose.

En effet, qui d’entre nous n’a jamais vu une photo d’un magazine en se disant:

Celle-là (la photo), elle est vraiment retouchée!

On pourrait donc se dire que le dicta de la mode qui nous rabâche des formes et des physiques parfaits serait mis à mal et qu’au final, ce ne serait pas si mauvais que ça.

On ne verrait plus de pub avec des filles qui ont des jambes aussi longues que celles des Barbies, et on ne verrait plus non plus des bourrelets présidentiels fondre miraculeusement. On ne verrait plus des peaux si lisses qu’elles en perdent toute expression, et certaines dames politiques garderaient à leurs doigts tous leurs bijoux.

Mais cette loi veut aussi toucher à la photo d’art.

Et là, j’ai commencé à réfléchir de façon plus approfondie, en essayant de comprendre ce qu’allait engendrer une telle loi.

Je peux volontiers admettre que la photographie de presse ne devrait pas avoir le droit d’être retouchée. On ne peut pas travestir l’info. Et pour moi enlever un membre de la sécurité sur une photo d’un président et du pape, c’est de la désinformation.

Par contre, si un spécialiste du portrait qui présente ses clichés retouche sa photo, on ne devrait rien avoir à redire. C’est de l’art, et l’art ne devrait pas avoir de barrières. Personne n’a crié au scandale quand de grands peintres en ont fait autant.

Il est pourtant vrai qu’en peinture notre vision des choses est différente, car même si l’artiste a triché, on ne voit pas dans la peinture une réalité. Ce qui n’est pas le cas de la photo qui nous renvoie une image que notre cerveau interprète comme une capture de la réalité.

Mais, est-ce que les gens sont vraiment dupes ?

La question est posée, qui arrive encore à croire ce qu’il voit dans les médias en ce qui concerne les images?

Sur mes propres photos, certains arrivent à me demander si elles sont reoutchées.

On peut donc douter de la crédulité du public face à ces images.

Il y a aussi un autre problème à ce texte de loi, qu’est-ce qui distingue une retouche d’un traitement? Qu’elle est la frontière entre les deux? J’en avais d’ailleurs parlé dans un article que vous pouvez trouver là: cliquer ICI

Cette frontière brumeuse entre la retouche et le traitement pose donc un réel problème. Car si on considère qu’une image est retouchée du moment qu’elle passe sur un programme tel que Photoshop, on peut dire que 100% des images publiées son retouchée!

Malheureusement, il existe pourtant bien un mal profond qui pousse certaines personnes à chercher la perfection de leur corps en trouvant comme modèle ces ”humains ” qui grâce à la retouche ne le sont plus vraiment.

On peut alors essayer d’extrapoler, est-ce qu’un simple avertissement va les empêcher de rêver à cet idéal?…On peut effectivement en douter.

Je ne vais pas entrer dans le domaine qui ne m’est pas familier, en vous faisant un long discours sur la psychologie. Pourtant, je pense bien que pour résoudre le problème les députés devraient plutôt privilégier cette piste.

Conclusion:

L’idée part d’une bonne intention, en effet elle a pour but de protéger les personnes les plus fragiles.

Malheureusement, elle est très mal mise en oeuvre et surtout ne cible pas le vrai problème. Elle finit par imposer des barrières liberticides qui au final feront plus de mal aux personnes non concernées qu’aux grandes publications.…Les phrases sur les paquets de cigarettes en sont la bonne preuve.

Pour les habitués de mon blog, vous connaissez ma position quant à la retouche (voir ICI et là) mais est-ce que je veux pour autant qu’une loi m’oblige à le faire? je dis NON, bien qu’en réalité cette loi ne me toucherait pas, j’habite en Suisse. Mais il ne faut pas laisser ce genre de loi liberticide avoir un avenir.

C’est donc un mauvais combat que livre cette chère Valérie Boyer.

Je vous invite à signé la pétition suivante (cliquez ICI) ainsi que de lire quelques commentaires par là (cliquez ICI)

Au final, je vous propose de jeter un oeil sur l’édito de Guy Michel Cogné dans le dernier Chasseur d’Images.

Bon courage et bonne photo…retouchée ou non

Beacoup d’entre vous connaissent ce petit effet très sympathique et très simple à mettre en oeuvre.

Mais avant d’aller plus loin dans une explication, j’aimerais m’excuser auprès de vous. En effet, ces derniers temps quelques petits soucis d’ordre privé (rien de grave je vous rassure) m’ont beaucoup pris de temps.

Du coup, j’ai été moins présent, je n’ai pas répondu à chaque commentaire comme j’en ai l’habitude, mes articles sont devenus plus courts, et je n’ai même plus pris le temps de passer (si ce n’est en vitesse) sur le blog de mes collègues et amis photographe, alors que j’étais un lecteur très régulier.

Je vous rassure, je vois le bout du tunnel, et dès la semaine prochaine tout rentra dans l’ordre. D’ailleurs le prochain article sera une belle interview signe de mon redémarrage dans le bon sens.

Merci en tout cas à tous pour votre fidélité malgré les moments les moins agréables de ce blog.

Pour en revenir à nos moutons.…ou à nos photos, notre effet little planet.

J’ai découvert la technique sur le blog d’Athos99 et j’avoue que je n’aurais jamais pensé à faire une chose pareille.

Vous avez deveniez comment faire?

Sinon, je vous propose d’aller voir par là (cliquez ICI) Pourquoi faire le travail à double quand son explication est si claire ?!

Et c’est promis, à partir de la semaine prochaine, tout va reprendre son cours normal.

Bon courage et bonne photo à tous!

Après avoir gagné le concours de février, Steve54 a demandé un tutoriel sur le HDR. Donc, chose promise…

Avant de commencer, nous allons mieux voir ce qu’est le HDR

Petites explications ICI et LA

Nous pouvons maintenant entrer dans le vif du sujet, et voir comment produire ce genre d’image.

Qu’est-ce qu’il faut pour faire une image HDR?

• Un sujet qui se prête à ce style d’image.
• Un appareil photo.
• Un programme de retouche, ou spécialisé HDR.
• Un trépied.

Comme on peut le voir dans cette petite liste, en vert foncé les éléments indispensables, en vert clair, nécessaire, mais on peut s’en passer. Pourtant, je le conseille plus que vivement.

Par contre, on ne peut pas se passer d’un appareil photo…pas besoin de vous expliquer pourquoi. On ne peut pas plus se passer d’un programme de retouche ou d’un programme spécialisé dans le HDR. Pour la raison évidente que c’est grâce à lui que l’on va pouvoir monter son image.

Parlant de programme, il faut savoir qu’il y en a beaucoup.

Personnellement, je favorise Photomatix Pro. C’est un programme spécialisé qui laisse beaucoup de liberté et qui va très loin dans la conception d’image HDR. On peut utiliser directement des fichiers RAW, plus fort encore, on peut créer avec ce programme en quelques cliques un HDR à partir d’une seule image RAW!

Je ne peux que le conseiller.

Pour les programmes de retouche habituelle, comme photoshop, ils intègrent aussi des options HDR. Je les trouve malheureusement moins performantes. On peut aussi monter ses HDR avec ce genre de programme en utilisant les calques. Je vous donnerais le lien d’un tutoriel efficace.

Pour le tutoriel du jour, je vais utiliser photomatix, qui, comme je l’ai dit plus haut, me semble le plus performant pour la création d’HDR.

Vous trouverez le programme téléchargeable en démo ICI

Je vous rassure, je ne gagne rien à conseiller ce programme, je ne suis pas sponsorisé!…Mais si le patron de cette boite passe par là et veut m’offrir quelque chose, il est le bienvenu

Plus sérieusement, passons au dernier point, un sujet qui se prête à ce style d’image.

Pourquoi je vous parle de ça?

En fait, je vois souvent des images HDR faites avec des photos dont la dynamique d’origine n’est pas très étendue. Du coup, sans HDR l’image aurait donné parfaitement bien. Donc, à moins de chercher un rendu bien particulier, je conseille d’utiliser le HDR que pour des images qui ont une forte dynamique. C’est avec ce genre de photo qu’on obtiendra les meilleures images.

Pour l’exemple, voici une photo qui cumule les difficultés pour un appareil photo. Vous pardonnerez à cette image d’être d’un banal et d’une mocheté absolue, elle n’est pas là dans un but artistique, mais bien pour mettre en avant les difficultés techniques d’une telle prise de vue.

Comme on peut le constater, entre le ciel clair, le mur en plein soleil et la partie dans l’ombre, l’expo était très difficile.

Il est impossible pour un appareil photo normal d’encaisser de telles différences de dynamique. Les écarts entre les hautes et basses lumières sont bien trop grands.

Commence ici le travail.

La création d’une image HDR

La prise de vue:

Après avoir choisi son sujet, le lieu, le bon moment…eh oui, c’est du travail, on peut commencer.

1. Prendre son trépied, l’installer et peaufiner le cadrage (pas comme je l’ai fait moi)
2. Régler son appareil sous le format RAW. Je conseille ici le RAW, car son encodage 12 ou 14 bits va permettre au programme d’aller chercher des détails dans les hautes et basses lumières.
3. Commencer la prise de vue. Ici, on va prendre le réglage d’origine et changer la vitesse d’exposition entre chaque vue. Beaucoup d’appareils photo ont le bracketing auto qui permet de justes déclencher et l’appareil s’occupe seul de faire les changements qu’il faut. Il faut trois vues au minimum, j’en conseille sept, ce qui permet d’avoir le top en dynamique.

La conception du HDR:

De retour à la maison, on va décharger les images de son appareil. Ensuite nous allons ouvrir photomatix.

Vous allez alors cliquer sur Créer image HDR. Une boite de dialogue va s’ouvrir, cliquez sur Explorer, puis sélectionnez les images qui vont composer votre HDR. Vous pouvez directement les importer dans leur format RAW d’origine. Puis finalement, appuyez sur OK.

Une autre boite de dialogue va alors s’ouvrir:

Je vous conseille les mêmes réglages que moi. (En bleu).

Le programme va alors travailler un petit moment (selon la puissance de votre ordinateur). Puis vous ouvrir une image proprement HORRIBLE!

Ne vous faites pas de souci, c’est normal!

Enregistrez cette image, elle vous permettra de procéder à plusieurs développements possibles sans refaire à chaque fois le travail d’importation des photos.

Cliquez alors sur l’icône ”Tone Mapping”.

C’est à partir de là que le vrai travail commence.

Votre image va alors s’ouvrir, elle sera mieux que la première fois. Il va donc falloir maintenant jouer des curseurs pour arriver à un réglage optimal de notre photo.

A partir de là, le rendu ne tient qu’à vous.

Pas de recette miracle, selon ce que vous aimer, selon votre envie vous pourrez obtenir à peu près tout ce qui vous passe par la tête.

Mais je vais commencer par vous détailler la boite de dialogue bloc par bloc.

En haut nous avons ça:

Le HDR-Compresseur est une autre façon de créer son HDR, mais il offre moins de possibilités, je vais donc passer par-dessus.

Nous allons donc nous concentrer sur le HDR Révélateur.

Regardons les trois premiers curseurs :

• Intensité: Il va permettre de régler la valeur du tone mapping appliqué à l’image. En d’autres termes, plus on va le pousser loin sur la droite, plus l’effet sera fort et la dynamique étendue. Et plus on va le pousser vers la gauche, et moins l’effet sera fort.
• Saturation des couleurs: Comme son nom l’indique, ce curseur permet de plus ou moins saturer les couleurs. Je conseillerais d’utiliser ce curseur en tout dernier!
• Lissage du contraste: Il permet de doser plus ou moins fort l’effet d’intensité. Je dirais que pour régler le rendu de l’image il faut jouer de pair avec intensité et lissage des contrastes. Plus le lissage sera bas plus l’effet sera marqué. Ce qui va aussi provoquer ces forts effets de halo. Plus il sera haut, moins il sera marqué. Le contraste étant moins important, le dégrader entre chaque zone sera plus doux.
• Luminosité: Pour régler la luminosité. Je vous déconseille de le toucher, car on verra un peu plus bas, qu’un curseur permet de faire ça bien mieux.

Passons à la suite de la boite de dialogue:

Onglet Ton:

• Le curseur point blanc va donner plus ou moins de force aux tons clairs.
• Le curseur point noir va donner plus ou moins de force aux tons foncés.
• Le curseur gamma va lui jouer sur le gamma, autrement dit, sur la luminosité de l’ensemble de l’image.

Onglet Couleur:

• Le curseur température va jouer sur le rendu de l’image. Poussé sur la droite il va donner une atmosphère plus chaude. Poussez à gauche, plus froide.
• Le curseur saturation des hautes lumières va, comme son nom l’indique, plus ou moins saturer les hautes lumières.
• Le curseur saturation des ombres, va plus ou moins saturé les basses lumières.

Onglet Micro:

• Le curseur Micro-contraste va augmenter l’accentuation de l’image
• Le curseur Micro-Lissage va diminuer le bruit numérique (notamment dans les ombres)

C’est deux réglages qu’il vaut mieux effectuer sur un programme de retouche spécialisé si vous en avez un. Car leur performance ici est plutôt limitée.

Onglet O/L:

• Le curseur Lissage des hautes lumières permet de diminuer le bruit chromatique dans les hautes lumières, fait perdre aussi en contraste.
• Le curseur Lissage des ombres permet de diminuer le bruit chromatique dans les parties plus denses, fait perdre aussi en contraste.
• Le curseur Coupure des ombres permet une transition entre les basses et hautes lumières plus en douceur.

Finalement:

Je dirais qu’il n’y a pas de recette miracle. On peut obtenir un peu tout ce que l’on veut, il suffit de tester, d’essayer de bouger les curseurs et regarder ce qu’il se passe.

On peut obtenir des rendus diamétralement opposés avec les mêmes images.

Premier exemple, un rendu bien connut. Celui qui signe le HDR. Très contrasté qui ressemble à un dessin. Avec une photo qui aurait plus de couleur, l’effet serait encore plus surprenant.

A l’opposé, une image bien plus naturelle. Difficile ici de savoir sans indication qu’il s’agit d’un HDR. La dynamique est certes étendue, mais elle n’est pas choquante. Cette image reste très réaliste.

Quand on compare ces deux images à celle de base, que l’on préfère un rendu saturé ou naturel, on voit tout de suite l’avantage que peut amener le HDR dans nos prises de vue.

Dès que l’on est en présence d’une forte dynamique, le HDR est un outil redoutable!

Le HDR est une histoire de gout.

Personnellement, je suis plus fan des HDR de nuit discrets (comme l’image de lustration de ce billet) que des HDR clinquants plein de couleurs et très saturé qui sont très proches des dessins.

Attention, je parle bien de les faires, et non pas de les admirer.

Car si j’aime faire des HDR tout en douceur, j’aime beaucoup admirer les ouvres de certains photographes qui poussent très loin le rendu.

Je vous conseille de bien vous amuser, de faire un maximum d’essais. Car, comme pour toute chose, c’est l’expérience qui vous permettra d’obtenir le meilleur.

Bon courage et bonne photo.

PS: Pour faire un HDR avec différent calque sur Photoshop, cliquer ICI

Aujourd’hui’hui je vais vous parler des retouches sur les portraits.

La photo d’illustration de cet article est un portrait que j’ai fait sans la moindre retouche. Le fichier brut a été développé pour obtenir un rendu High Key, pour le reste, tout est naturel. Pas d’accentuation pour faire ressortir les yeux, pas de flou rajouté pour gommer des imperfections de la peau, pas plus que d’autres outils de photoshop.

Vous devez vous demander pourquoi je vous parle de ça? Vous devez imaginer que je suis contre toute forme de retouche? Détrompez-vous!

Je vais quand même vous donner quelques explications.

Avant toute chose, il faut savoir que je ne suis pas, en règle général, contre les retouches. J’en parle d’ailleurs dans l’article:Traitement ou retouche

Pour les portraits la chose me semble légèrement différente.

Il y a quelques jours de cela, j’ai acheté le dernier Photocoach (le N°3 janvier-février 2009) je tiens quand même à préciser que c’est un magasine que j’apprécie beaucoup.

Sur la couverture un titre accrocheur: Les secrets des retouches de mode.

Ha bon? J’ouvre le numéro, et je vais à la page 65 pour lire le fameux article, et là, on a droit à toute la panoplie du parfait petit retoucheur! Ils nous expliquent comment enlever les imperfections de la peau. Comment changer la couleur des yeux, comment blanchir les dents, comment rétrécir un nez…etc

Si vous vous demandez jusqu’où on peut aller, la vidéo ci-dessous est très parlante (je salue au passage la qualité du travail de l’opérateur!!!)

(Vidéo : Regardez cette vidéo sur la page des articles)

Il faut reconnaitre que cette retouche et celle proposée par Photocoach sont de belle réussite. Mais une question me vient à l’esprit. La personne qui a servi de modèle, qu’en pense-t-elle?

Corriger un bouton disgracieux est un geste que l’on peut comprendre, mais changer la couleur des yeux, changer la forme d’un menton, d’un nez…etc. Est-ce acceptable?

J’ai un avis tranché sur le sujet.

Je pense qu’en allant si loin dans une retouche qui touche si directement une personne, on lui enlève une partie d’elle. Ce n’est plus une correction cosmétique, c’est changer la morphologie de quelqu’un, c’est en faire une autre personne!

C’est aussi lui lancer à la tête ses complexes, lui dire: ”regarde tous les défauts que tu as!!!”

C’est aussi présenter au reste du monde une image qui n’existe pas, et là aussi provoquer beaucoup de complexes.

Si j’aime jouer avec des programmes de retouche, si je n’ai rien contre m’inventer un monde, je suis par contre réellement opposé à de telles pratiques.

Je sais que beaucoup ne seront peut-être pas d’accord avec moi, mais j’avoue que là, j’ai un avis tranché.

De plus, je suis absolument convaincu qu’avec un peu d’application à la prise de vue, PERSONNE n’a besoin de recourir à de tel procédé.

Voilà pourquoi je vous conseille de ne pas le faire!

C’était mon premier coup de gueule de l’année…certainement pas le dernier

Bon courage et bonne photo.

Imaginez une de vos photos affichées en format hyper géant dans une rue de New York!

Ça fait rêver non?

Bon, on s’en doute ce n’est qu’un rêve!…Du moins pour moi!

Mais quel photographe n’a pas rêvé un jour de voir une de ses photos publiées dans un grand journal, dans un livre, sur une affiche géante…etc.?

C’est une question d’égo?

Sûrement, l’envie de voir son travail reconnu. Le plaisir et la fierté d’avoir été publié. C’est des moments émouvants, où on se dit ”J’y suis arrivé”.

Je me souviens de ma première photo publiée. C’était dans le Matin (journal suisse). J’avais été témoin d’un accident et j’avais fait quelques photos. J’ai offert les clichés au pompier qui m’ont remercié. Ensuite je me suis dit:

Pourquoi ne pas les proposer à un journal

J’ai téléphoné au matin et un rédacteur m’a demandé de leur transmettre la photo par mail. Il m’avait promis 100CHF (70€) si elle était publiée, mais il n’était pas sûr que ce soit le cas.

Le lendemain j’ai vu que ma photo à la page cinq du journal et en prime il n’avait pas écorché mon nom.

Quelle fierté, j’ai montré la photo à tous mes amis, à ma famille. J’ai même ouvert une discussion sur un forum pour leur annoncer la nouvelle. Je fus flatté, un petit coup de baume pour mon égo.

J’étais heureux, la première fois c’est quelque chose…à tel point en fait, que j’en aie oublié l’argent. Je n’ai jamais vu la couleur des 100CHF (70€).

À l’heure actuelle, je serais plus sévère sur cette oublie. Ce n’est pas parce qu’on est publié pour la première fois, parce qu’on est amateur qu’on a pas le droit à une juste rétribution.

Je dirais qu’il ne faut pas hésiter à essayer. Si on veut être publié, si on veut cette petite reconnaissance, même si ce n’est pas dans l’espoir de faire son métier, même si c’est juste pour le plaisir, juste pour flatter son égo, il faut essayer! Pour reprendre un vieux slogan efficace :

100% des gagnants ont joué!

Certes, comme je l’ai dit, il y a cette histoire d’égo là-dessous, mais de temps à autre, c’est bien de voir notre égo flatté, c’est aussi ça qui nous construit!

Bon courage et bonne photo.

Comment la trouvez-vous cette image ?

Et bien ce n’est pas tout à fait ce que vous croyez !

Vous voulez voir l’image d’origine ?!

Je sais, après coup, on peut dire qu’on a tout de suite remarqué, que c’était une évidence… etc.

D’autant que le titre et la question pouvaient donner quelques indices. Mais en toute franchise, vous l’auriez vu dans un magazine, vous auriez pensé qu’elle était retouchée ? Je ne pense pas non plus.

Qui fait attention, dans son journal télé, si la photo qui illustre ce reportage sur les vacances a subi quelque chose ? Qui regarde en détail une image, pour voir où sont les retouches, quand on parcourt son magazine préféré ?

Très peu de monde, vous pouvez me croire. Heureusement pour les médias d’ailleurs…

Mais au fait, pourquoi vous montrer cette image?

J’ai découvert, il n’y a pas longtemps, un blog hyper intéressant qui recense les images diffusées dans les médias, retouchées de façon plutôt grossière.

Il ne faut pas croire tout ce que l’on voit ! Surtout pas ce que l’on voit dans les magazines où les retouches sont légion.

Si, moi qui n’ai pas de formation de retoucheur, j’arrive à obtenir cela en 20 minutes de travail, imaginez ce que peut faire un pro, pour autant qu’il y mette du sien !

S’il y arrive, vous allez rêver aux proportions parfaites d’une star d’Hollywood, qui n’existent malheureusement que sur papier glacé (les proportions parfaites… pas la star).

S’il rate, il finira sur ce site http://photoshopdisasters.blogspot.com/

Bon courage, bonne photo… et ouvrez l’oeil!