Avant de commencer cet article, je vous invite à lire les deux premières parties si ce n’est pas déjà fait.

• Le Flash partie I
• Le Flash partie II

Maintenant, que les bases du flash ne doivent plus vous poser de problèmes, nous pouvons donc entrer dans le vif du sujet.

Nous allons faire un petit tour dans le monde du flash Fill-in, un mode de fonctionnement qui n’aura plus de secrets pour vous et dont vous allez être fan!

Nous allons en premier lieu répondre à la question de base:

Qu’est-ce que le flash Fill-in ?

La version simple serait de dire, le Fill-in est le fait d’utiliser son flash en plein jour. Cette affirmation n’est pas tout à fait juste, la définition de Wikipedia me semble pas mal:

Le Fill-in est une technique photographique qui consiste à utiliser la lumière d’un flash en appoint à la lumière naturelle ambiante, pour éclaircir les parties d’une image qui serait autrement sous-exposée. Fill-in est un terme anglais qui signifie « appoint ».

Pourquoi utiliser le flash en plein jour ?

Quand je donne mes cours et que j’annonce à mes élèves que l’on va utiliser le flash en plein jour, ils me regardent tous avec de drôles de yeux. Les plus courageux me demandent pourquoi se servir du flash alors qu’il y a bien assez de lumière?

On peut dire que cette question n’est pas si dénuée de sens. En effet, nous avons tous l’habitude d’utiliser le flash pour compenser un manque de lumière, le faire alors qu’il y en a bien assez peut sembler saugrenue.

Pourtant, trop de lumière peut tuer la lumière. Je dirais même, une lumière trop dure peut être inesthétique, donner des ombres marquées et des zones cramées.

Pour vous faire cet article, je me suis donné mission de faire une balade en famille afin de vous montrer des images en situation réelle.

Vous pardonnerez donc l’esthétisme de ces photos qui est discutable (mais ce sont de très bons souvenirs).

Dans tous les cas, elles n’ont subi aucune retouche ni correction d’expo ou autre, elles sont brutes juste redimensionnées pour passer sur le blog.

Le flash en fill-in peut être utilisé dans toutes les situations, mais beaucoup vont vous expliquer que l’on utilise surtout cette technique pour se défaire des contre-jour.

Il est vrai que dans ce cas, c’est une arme redoutable.

Comme on peut le voir sur la photo ci-dessus, le premier plan est en partie dans l’ombre, alors que l’arrière-plan est très éclairé.

Ici, sans flash soit le sujet principal était sombre et l’arrière-plan bien exposé, soit l’arrière-plan trop clair (cramé) et le premier plan bien exposé.

Je vais vous présenter deux photos qui ont toutes les deux été réglées pour exposer correctement le ciel.

Une fois sans le flash:

Une fois avec le flash:

Je ne vous ai pas mis la version avec le ciel cramé pour deux raisons, la première, la petite puce n’a pas vraiment gardé la pose, et la seconde, c’est que le sujet principal bien exposé et le ciel cramé on connait tous.

Il y a aussi d’autres raisons d’utiliser le flash en plein jour, l’une d’elles est pour déboucher les ombres trop marquées.

Ici, mon angle de prise de vue m’a permis de complètement effacer les ombres sur le visage. Ce n’est pas toujours possible malheureusement.

Je vais vous montrer que même lorsque les ombres ne sont pas effacées, le débouchage peut sauver votre photo.

Sans flash

Avec flash

Ici, on voit clairement l’effet qu’a pu avoir le flash sur l’image. Les ombres sont débouchées, certaines effacées, d’autres encore présentes, mais on retrouve tous les détails du visage.

On comprend donc l’utilité du coup de flash.

Pour ce qui est des situations où l’on peut utiliser le flash en plein jour, le dernier grand intérêt est dans le cas ou la lumière est très égale, très plate (temps gris) pour donner un peu de pepse à l’image.

Dans ce cas, pas de contre-jour, pas d’ombres à déboucher, mais une lumière plate que l’on ravive avec un petit coup de flash.

Bon, vous allez me dire, c’est bien joli tout ça, mais non on veut savoir comment faire !

Comment mettre en œuvre le fill-in ?

Question technique il faut savoir qu’il y a plusieurs façons de procéder, et que dans tous les cas vous devrez en passer par des réglages plus ou moins fins.

Comme vous avez pu vous en rendre compte, il y a vraiment beaucoup de possibilités, et je pourrais dire qu’à chaque scène il convient d’avoir un réglage précis.

Il n’y a pas de formule toute faite qui pourrait parer à toutes les situations.

Mais allons-y étape par étape.

Première étape: la lumière de votre flash

Pour cet article, je n’ai absolument pas diffusé la lumière de mon flash, braqué sur mes sujets, rien n’était là pour adoucir sa lumière.

Pourtant, habituellement je mets un diffuseur sur mon flash pour soigner un peu cette lumière brutale.

Je vous conseille donc de le faire, dans la mesure où un simple mouchoir est efficace, autant en profiter.

Deuxième étape: intensité de la lumière de votre flash

On va voir deux notions essentielles lors de cette étape. La première c’est la synchro haute vitesse (HP).

Comme on est en plein jour, et souvent au soleil, la vitesse d’obturation sera certainement plus rapide que les possibilités de votre boitier d’être synchronisé avec le flash.

Pour comprendre la synchro au flash, je vais vous montrer une petite illustration :

(illustration empruntée sur le blog de Michael ICI)

Explication:

1. Le premier rideau est complètement fermé et empêche la lumière d’imprimer le capteur.
2. Le second rideau est ouvert.
3. Lorsqu’on appuie sur le déclencheur, le premier rideau s’ouvre.
4. Une fois le premier rideau complètement ouvert, le capteur est exposé en totalité.
5. Une fois le temps d’exposition voulu atteint (en prenant en compte  l’exposition partielle qui a eu lieu pendant la descente du premier et  du second rideau …), le second rideau commence à descendre.
6. Le second rideau est totalement fermé, l’exposition est terminée.
7. Les deux rideaux remontent ensemble pour être prêts pour un nouveau cycle.

C’est durant cette durée que le flash doit agir quand il est en ”synchro X” ce petit laps de temps où il doit envoyer l’éclaire.

Selon le boitier, cette synchro va de 1/100s pour les boitiers entrés de gamme à 1/300 de seconde pour les boitiers les plus performants.

Vous comprendrez donc que si nos vitesses sont au-dessus de ces valeurs (au-delà de la synchro X théorique de votre boitier) le flash ne peut plus fonctionner.

Pour contourner ce problème, les fabricants d’appareils ont inventé la synchronisation haute vitesse. Votre flash au lieu d’émettre un éclair vif et rapide, va fonctionner comme un stroboscope et émettre des milliers de petits coups de flash afin d’agir sur toute la durée de l’expo.

Par contre, le flash dans cette configuration devient bien moins puissant.

Maintenant qu’on sait pourquoi on va se mettre en flash HP, on va passer à la seconde étape, qui est celle de régler l’intensité du flash.

Le flash va délivrer une quantité de lumière précise calculée grâce aux automatismes TTL.

Cette quantité de lumière peut être modifiée de la même façon que l’on va corriger l’expo d’une photo en braktant. Pour savoir comment faire, je suis malheureusement obligé de vous renvoyer au mode d’emploi, puisque la méthode est différente pour chaque marque.

Pour savoir s’il faut diminuer ou augmenter la puissance de votre flash, pas de recette, il vous faudra malheureusement faire une photo test.

Mais en règle général, on diminue plus souvent que l’on augmente.

Troisième étape: Le réglage de votre boitier.

C’est ici que la plus grande partie du rendu de votre photo va se jouer.

En effet, la vitesse d’obturation va directement influencer le rendu de votre arrière-plan, alors que le flash lui exposera toujours de façon parfaite votre sujet (sauf si votre vitesse d’obturation induit une surexposition général).

Je vais vous livrer ici ma méthode, mais il en existe d’autres, je pense juste que celle-ci permet de garder un contrôle optimal de son image.

Si après lecture vous ne vous sentez pas à l’aise pour agir comme je vais le décrire, se mettre en priorité ouverture est aussi une bonne solution, moins précise, mais viable.

La première étape va être de faire une première mesure de lumière sur l’ensemble de la scène (sans se soucier du sujet principal). Pour ça, mettez-vous en priorité ouverture,  choisissez l’ouverture qui vous convient, faite une mesure (avec la mesure multizone) notez les paramètres, passez en mode M, et reporter les réglages.

Maintenant, prenez en photo votre sujet.

Nous allons à présent faire varier la vitesse d’obturation, et magie .… Je vous laisse constater:

Cliquez sur une des images pour la faire apparaitre en grand

Comme vous pouvez le voir, le changement de vitesse n’influe pas sur l’exposition même du sujet (ou très peu) mais à une réelle incidence sur l’arrière-plan.

Ce qui va vous permettre de donner un style tout à fait particulier à vos images. Que ce soit naturel ou encore avec un effet un peu surnaturel (et sans HDR).

Je pense que l’on arrive au bout de cet épisode où j’espère avoir été complet.

Bon courage et bonne photo.

Voici un article pour Ben qui avait gagné un Mais Qu’est-ce et qui m’a demandé de parler de ce sujet.

Le problème du portrait, c’est qu’il y a beaucoup de configurations différentes. Pour vous faire une idée, petite liste non exhaustive:

• Portrait spontané.
• Portrait extérieur.
• Portrait intérieur.
• Portrait studio.
• Portrait avec plusieurs personnes.
• …etc.

Le plus amusant c’est qu’on peut en plus cumuler les points, par exemple: Portrait spontané avec plusieurs personnes en extérieur.

On peut aussi cumuler les techniques: avec flash, sans flash, avec flash studio, avec réflecteur, en lumière naturelle, high key, low key, naturel …etc.

On peut tout autant varier les cadrages et poses: portrait serré, buste, plein pied, debout, couché, assis, au pied!…heu…je m’égare!

Vous comprendrez donc qu’il m’est impossible de vous donner toutes les techniques en un seul article.

C’est pourquoi aujourd’hui nous allons surtout nous pencher sur les points principaux, sur les choses à faire et celles à ne pas faire.

Les experts qui vont lire cet article vont certainement connaitre tout ça, alors, on va les mettre à contribution en les invitants à nous donner leurs ”trucs” dans les commentaires … et pourquoi pas à combler certains manques.

Le regard:

La chose la plus importante dans un portrait, quelle que soit la technique, c’est le regard !

C’est le regard qui va tout exprimer, c’est surtout lui sur lequel on va directement se focaliser et que l’on va suivre. Nos yeux vont tout simplement se poser sur le regard, puis se diriger là où regarde le sujet.

Autant dire que pour être certain que votre spectateur ne s’égare pas en dehors de la photo, la méthode la plus sûre est de s’arranger pour que le regard de votre modèle se dirige droit sur votre objectif.

Et comment faire pour diriger ?

C’est là que la première difficulté de votre prise de vue va commencer, diriger le modèle.

Tout est plus simple quand on fait un portrait spontané, car on prend justement des moments de vie sans diriger personne, mais tout se complique au moment où l’on veut faire un portrait plus soigné. Il va falloir diriger la personne, lui transmettre de façon claire ce que vous attendez, et surtout faire en sorte que votre modèle soit à l’aise.

Pour ça, il faut savoir ce que vous voulez, mais surtout, il faut être vous-même à l’aise. Si vous ne communiquez pas, si vous êtes gêné, cela va vraiment se ressentir sur vos images.

À vous de vous détendre, puis communiquer un maximum avec votre modèle.

Le plus simple pour ”briser la glace” c’est de choisir ensemble avant la séance les poses que vous allez faire. Vous pouvez vous inspirer de photos que vous trouverez sur le net. Attention, je dit bien s’inspirer, et non pas essayer de reproduire point par point la photo.

Le portrait que vous allez faire doit rester votre création !

Je pense qu’après cette recherche en duo, et après que vous ayez choisi ensemble ce qui vous convient, tout deviendra plus facile.

Le cadrage:

Il va vous falloir choisir un cadrage. La question va être: ”je fais un portrait serré (juste la tête), je fais un buste (comme son nom l’indique) je fais un plein pied (la personne en entier).”

Pour vous faire une idée, la petite illustration ci-dessus vous permettra de visualiser les trois différents cadrages.

Un portrait se prête toujours mieux au cadrage vertical (type portrait, qui porte bien son nom), bien que certaines situations puissent exiger un cadrage type paysage.

Le tout est de le choisir en connaissance de cause le meilleur des deux cadrages pour avoir l’image la plus esthétique possible.

Réfléchissez à la dynamique de l’image, le sens de lecture.

Un cadrage que je vous déconseille plus que vivement, c’est le cadrage dit ”dynamique” en gros, cadrer de travers.

Le cadrage carré peut aussi être un très bon choix.

La composition:

Ici, va se jouer toute l’esthétique de la photo.

Plutôt que vous donner des règles, je vais surtout vous expliquer ce qu’il ne faut pas faire.

Vous devez déjà avoir pensé votre scène, décors, éclairages …etc.

Si vous arrivez à vous dénicher un assistant, celui-ci pourra vous faciliter la vie (mettre en place les décors, tenir les réflecteurs…etc.) et si vous trouvez la perle rare (comme le mien) vous pourrez même lui confier la prise de vue …

Il faut toujours vérifier l’arrière-plan pour qu’il soit le plus neutre possible. Quand on fait un portrait, on veut mettre le modèle en avant, il ne faut donc pas que notre regard soit attiré par ce qui se passe derrière la personne qui pose pour vous.

Il ne faut jamais centrer le visage de la personne. Si on centre son visage, on va se retrouver avec beaucoup d’espace vide au-dessus de sa tête, et ce n’est pas très joli.

On évitera de scalper son modèle. Pourtant, si vous prenez la décision de le faire, il faudra le faire franchement. On n’enlève pas juste un petit morceau du crâne.

Il ne faut jamais couper un membre au niveau des jointures, coude, poignet, genoux, cheville.

On ne coupe pas un œil à moitié, soit on voit l’œil au complet, soit on ne le voit pas, mais pas de demi-mesure.

Les réglages:

Le côté technique de la chose n’est pas compliqué. Basiquement on va chercher à mettre en valeur notre sujet.

Il faut donc toujours utiliser une focale supérieure ou égale à 50mm. En dessous, l’effet caricatural des grands-angles ressort (grosse tête petit corps).

Toujours faire le point sur l’œil le plus proche de l’objectif.

On va régler le diaph pour que la PDC englobe au moins les yeux la bouche et le nez. Pour le reste, à vous de laisser aller votre créativité et gérer la PDC comme il vous plait, mais les yeux et le nez doivent impérativement être net!

Le reste peut être baigné dans un flou esthétique:

Quant à la lumière, ce sera selon le style que vous voulez donner à votre photo.

Je vous conseille quand même de lire mes articles sur le flash, et de bien potasser sur les différentes situations que l’on peut trouver.

Très prochainement je ferais un article sur le fill-in, technique très utile quand on fait du portrait en extérieur.

Conclusion:

Il faut savoir transgresser les règles !

Sur la photo ci-dessus, j’ai transgressé pas mal des conseils que je vous ai donnés. J’ai laissé de l’espace au dessus de la tête de Cindy, elle ne regarde pas vers moi …etc.

Si transgresser les règles vous permet de réussir une photo, il ne faut jamais hésiter à le faire.

Ici par exemple, j’ai décadré volontairement pour laisser de la place au regard qui part vers le haut.

La photo c’est aussi la liberté de faire ce qui nous plait.

Les conseils qui sont réunis dans cet article sont là comme une structure, une aide pour composer, mais ne sont pas des socles rigides sur lesquels vous devez impérativement construire votre image.

Servez-vous-en pour obtenir le meilleur, mais n’en restez pas prisonnier.

Bon courage et bonne photo.

Il y a quelque temps de cela, je me baladais sur la toile quand ma route a croisé celle de Michael à travers son blog spécialisé dans le flash.

Le flash, ce petit objet si pratique et qui souvent fait peur, le flash qui à tant de secrets, le flash que l’on aimerait tous maitriser, mais qui nous torture parfois.

En arrivant sur le blog de Michael, j’ai découvert le Graal, LE site qu’il faut connaitre si l’on veut comprendre les tenants et les aboutissants de la photo au flash.

J’ai découvert le Maître ES flash, qui en plus d’avoir une connaissance impressionnante sur le sujet, c’est nous expliquer tout ça avec beaucoup de simplicité et de façon limpide, on comprend tout ce qu’il nous explique !

Je me suis donc dit que ce serait une très bonne idée de vous faire découvrir Michael à travers une petite interview:

Darth: En premiers lieux merci d’avoir accepté cette interview.

Michael: Merci à toi de m’offrir cette belle occasion de parler de la passion qui m’anime !

Darth: Avant tout, pour les lecteurs qui ne te connaitraient pas, pourrais-tu nous faire une petite présentation ?

Michael: Et bien je me prénomme Michael, ou Mycael pour la signature photo (un pseudo qui vient tout simplement de mon pseudo flickr, « Michael » étant forcément déjà pris !). Je suis de Nancy dans le nord-est de la France. J’ai 25 ans et je termine des études dans l’électronique et la compression vidéo.

Darth: La question classique, comment es-tu venu à la photo?

Michael: La photo, ou plutôt l’image en général me passionne depuis mes 10 ans. J’ai d’ailleurs commencé la photo à cette époque et en argentique. Je m’intéressais à l’astronomie et j’avais un petit télescope jusqu’au jour où m’est venue l’idée de partager avec d’autres ce que je voyais. Étant donné que peu de gens aiment rester des heures dehors par de froides nuits d’hiver, j’ai décidé de passer à la photo pour montrer ce que je voyais. C’est seulement après avoir couru des mois après une bague adaptatrice (une bague T, si mes souvenirs sont bons …) que j’ai pu commencer à tirer quelques clichés. À ce propos, j’ai fait je ne sais plus combien de boutiques photo (aujourd’hui, avec internet, j’aurais nettement moi de mal à mettre la main sur ce genre de chose !) … jusqu’à ce que je rentre dans une boutique miteuse tenue par ce qui ressemblait plus à une sorcière qu’à un être humain et sans trop y croire, elle m’a dégoté cette fameuse bague T de derrière les fagots ! Vu l’ambiance de la boutique photo, je me demande si la bague n’est pas enchantée … je devrais peut-être l’essayer pour voir si je deviens invisible … Hum, désolé, je m’égare !!

Ensuite, avec les études, j’ai plus ou moins abandonné le domaine tout en restant attiré par la photo. Je n’en prenais plus, mais je me suis mis à acheter de temps en temps les Chasseurs d’images et autres Réponses photo. Et puis en 2007, premier compact numérique qui disposait des mêmes modes qu’on trouve sur un reflex (j’avais même droit aux images en RAW grâce à une extension du firmware, le CHDK pour les Canon …). Je me suis amusé un temps et je suis passé au reflex en décembre 2008. Début 2009, un club photo ouvre sur Nancy et je décide de le rejoindre. La suite est dans la question suivante ! ;-)

Darth: Qu’est-ce qui t’a poussé à te spécialiser dans la photo au flash?

Michael: C’est donc en février 2009 que je me suis inscrit dans le club photo de Nancy [Collimateurs] (www.collimateurs.net). À l’époque, je me cherchais beaucoup photographiquement, je prenais un peu tout et n’importe quoi sans être réellement satisfait de ce que je faisais. C’était sans compter sur une rencontre, un ou deux mois après, avec Andy Parant (andyparant.com), un ami montagnard d’un des fondateurs du club. Quelques-uns de ses clichés ont suffi à me convaincre. Le flash permet d’obtenir des ambiances particulières, impossibles en lumière naturelle … j’aimais ces ambiances, j’allai faire du flash !!

Darth: Est-ce que tu utilises un flash pour 100% de tes photos, ou t’arrive-t-il de faire sans?

Michael: ça m’arrive de faire des photos sans… quand le sujet est hors de portée du flash (en cette période de 14 juillet, je pense naturellement à un feu d’artifice). Sinon, le minimum, c’est en flash on-camera (placé sur la griffe porte-flash de l’appareil) en mode indirect. J’ai été faire quelques images dans une serre tropicale ce dimanche : quand bien même le lieu était très lumineux, j’ai utilisé le flash, en rebond sur de grandes plantes, le sol, les murs … La flash apporte une lumière, une dimension supplémentaire (même si c’est parfois très léger) et offre un rendu différent de la lumière naturelle pure. Même en plein jour, c’est mon précieux allié !

Darth: Tu as un blog internet (voir ICI) et en plus un iBook, est-ce que tu n’envisagerais pas de publier une édition papier? Si oui, où en est ce projet?

Michael: Une édition papier n’est pas prévue pour le moment. L’ebook est fait pour ceux qui prennent le blog en cours. Dans le blog, il n’y a pas une évolution très logique dans les articles, ce qui peut dérouter le débutant et le nouvel arrivant sur le blog. L’ebook permet d’avoir les bonnes bases pour s’y retrouver ensuite sur le blog.

La seule possibilité d’édition que j’envisage pour le moment est d’en faire un livre sous Blurb (ou quelque chose du genre) et de publier le livre électronique gratuitement. Ceux qui voudraient une version papier n’auraient que les frais d’impression. Je suis pour l’échange libre, gratuit, accessible à tous. Beaucoup de ce que je raconte provient à la base de sites internet d’autres amateurs (ou professionnels). J’y ajoute simplement ma petite expérience. C’est au final de cette façon que tout le monde s’enrichit culturellement (enfin, ça frise l’utopie là !)

Darth: D’un point de vue technique, est-ce que tu utilises un matériel spécifique pour la photo au flash?

Michael: J’ai envie de dire oui et non … Oui, parce que, bien sûr, il faut un ou plusieurs flashes pour faire de la photo au flash. Et non, parce que n’importe quel appareil reflex fait l’affaire. Je pourrais même pousser encore en parlant de n’importe quel appareil photo (compact par exemple) si tant est qu’il soit équipé d’un flash interne, car ce flash peut très bien être utilisé pour en déclencher d’autres. J’ai écrit un article à ce sujet d’ailleurs. Il est tout de même évident que ceux qui veulent aller plus loin doivent investir un peu. Mais si on est à l’affut de bon plan, on peut s’en tirer pour pas trop cher. Les équipements de chez gadget infinity par exemple, très bon marché, sont très bien pour s’initier !

Darth: La photo au flash fait toujours peur aux débutants,et même souvent aux  amateurs, quelles seraient les conseils que tu pourrais donner pour les ”rassurer”?

Michael: Pourquoi la photo au flash fait peur aux débutants ? Parce que le flash intégré, le premier flash qu’on utilise dans sa vie de photographe, n’est absolument pas représentatif de ce qu’on peut obtenir avec un flash externe. Disons-le : le rendu est souvent très moche ! Sujets blafards, arrière-plans très sombres. Même s’il y a quelques méthodes pour améliorer ce rendu, ce n’est jamais la panacée !

Il y a essentiellement 3 raisons qui font que les photos au flash intégré sont mauvaises :

• Le flash est direct : le sujet prend l’éclair en pleine poire.
• Le flash est très petit : la lumière est très directionnelle et donc très dure, provoquant des ombres disgracieuses.
• Le flash est très blanc contrairement aux lumières nocturnes qui sont souvent orangées (on parle de lumière tungstène)

Difficile de donner de bons conseils en quelques lignes ! Mais je vais me risquer à résumer quelques points :

• Pour éviter le flash direct, on peut dévier le faisceau du flash pour le renvoyer sur un mur ou un plafond avec un objet plat et blanc (pour l’anecdote, lors d’un repas entre amis, je n’avais qu’un dessous de plat blanc à disposition et il m’a été bien utile, sinon une simple feuille de papier pliée en 2 ou 4 marche bien aussi). Ainsi, on obtient une lumière indirecte.
• On peut essayer de diffuser la lumière du flash, soit en dirigeant le faisceau ailleurs comme dans le point ci-dessus, soit en utilisant une feuille de calque devant le flash ou en utilisant les bouts de plastiques miracles vendus à prix d’or dans le commerce et qui n’ont pas grand-chose de miraculeux en fin de compte !
• Pour éviter d’avoir un flash trop blanc, on peut utiliser ce qu’on appelle une gélatine, de couleur orange pour réchauffer un peu la lumière et surtout la mettre en accord avec la lumière ambiante. Personnellement, j’ai imprimé ces gels sur une feuille de transparent pour rétroprojecteur … et ça marche très bien en plus d’avoir un rapport qualité/prix imbattable ! ;-)

Mais bien sûr, rien de remplacera l’utilisation d’un flash cobra. Certes un petit investissement, mais dés qu’on sait le maîtriser un peu, les résultats sont au rendez-vous !

Darth: Quels sont les précautions à prendre, les astuces à ne pas oublier, les petits trucs de l’expert?

Michael: Quelques trucs à retenir :

• Jamais de flash direct quand le flash est sur l’appareil (monté sur un pied en mode déporté, on peut se le permettre dans certaines situations).
• Toujours faire rebondir l’éclair sur un mur ou un plafond. Vous êtes en extérieur ? Un bout de tissu, un pull clair …(le flash indirect en extérieur est le sujet d’un de mes prochains articles…)
• Lors de la prise de vue, pour schématiser : Ouverture et sensibilité permettent de modifier l’expo du sujet flashé alors que le temps de pose permet de jouer sur l’exposition de l’arrière-plan. C’est vrai en mode manuel ; en mode TTL, on est un peu plus libre, l’expo du sujet étant faite pour nous par l’appareil et le flash, on se contente de jouer sur le temps de pose (n’hésite pas à renvoyer tes lecteurs sur mon blog pour quelques exemples, car dit comme ça … j’imagine que c’est flou, très flou !)

Darth: Est-ce qu’il y a des sujets qui se prêtent mieux que d’autre à ce type de photo ?

Michael: Personnellement, j’aime le portrait. Et je pense que c’est finalement le domaine par excellence du flash. Sinon, il y a également le packshot ou l’art d’éclairer des objets pour les mettre en valeur et en faire une bonne publicité ! Mais en y réfléchissant, tous les domaines s’y prêtent dès lors qu’on maîtrise un peu le flash : macro, concert, animaux … Il est par contre évident qu’on peut laisser son flash à la maison si on sort en randonnée pour faire des photos de paysage. Quoique le flash déporté offrant une grande souplesse, on peut imaginer éclairer un arbre à quelques dizaines de mètres de l’appareil … Je pense que finalement, tout est possible ! ;-)

Darth: Est-ce qu’il faut des connaissances spécifiques ? (quand on voit les formules de ton site, on se pose la question).

Michael: Je crois qu’il y a deux façons d’aborder le flash. Une façon très expérimentale : on shoote et re-shoote, on rate et re-rate …ça prend du temps, mais on fini par comprendre comment se servir d’un flash et avec l’expérience, on vient à maitriser la bête. La seconde approche est plus théorique, plus abstraite également et nécessite quelques bases mathématiques (sans toutefois aller au-delà des notions de puissance et de racine carrée…) : on cherche déjà à comprendre quelques notions de propagation de la lumière, les bases de l’exposition de l’appareil. Ensuite, on teste : si ça marche, on sait pourquoi, si ça ne marche pas, on peut également savoir pourquoi. De toute façon, il faut privilégier la technique d’apprentissage qui nous convient, j’ai choisi la mienne, mais je suis loin de dire que c’est la meilleure. C’est également celle que je propose, même si je tends de plus en plus vers des choses expérimentales (que j’aime parfois démontrer en m’appuyant sur quelques formules théoriques). Il faut quand même rassurer les allergiques aux maths, on peut tout à fait comprendre le flash en zappant les pompeuses parties calculatoires !

Darth: Est-ce obligatoire selon toi d’avoir plusieurs flashs ?

Michael: Tout dépend de nos ambitions, des images que l’on souhaite réaliser. J’ai quatre flashes à ma disposition, pourtant, majoritairement, je n’en utilise qu’un. En fait, après avoir longuement privilégié le flash déporté en tout manuel avec deux, trois voire quatre flashes, je reviens et redécouvre quelque chose de bien plus simple : du flash on-camera indirecte en TTL.

Darth: As-tu lu des livres sur le sujet, si oui, lesquels nous conseillerais-tu ?

Michael: Internet reste une grande source d’information pour moi. Mais j’ai quand même deux livres sur le sujet : Hot Shoe Diaries de Joe McNally et On-Camera Flash Techniques for Digital Wedding and Portrait Photography de Neil Van Niekerk (mes deux idoles photographiques !! ;-). Ces livres sont malheureusement en anglais, je ne crois pas qu’il en existe une traduction française. A ce jour, je ne connais pas de bons livres en français sur le flash …

Darth: Est-ce que tes images on droit à un post traitement spécifique, ou tout vient vraiment de l’éclairage ?

Michael: Bien sûr, il y a toujours un peu de posttraitement. Plus ou moins selon les cas. Ceci dit, il est vrai que c’est l’éclairage qui constitue l’essentiel de l’image. On ne rattrape jamais la prise de vue avec du posttraitement. Il faut également bien imaginer le final de la photo. Ne pas se lancer dans quelque chose sans trop savoir où aller, je pense que c’est la meilleure façon de se planter, aussi bien dans l’éclairage à la prise de vue que dans le post traitement. Pour l’instant, je n’ai rien inventé dans le post-traitement, je cherche encore mon style … Et je n’ai pas honte de dire que j’aime bien essayer d’imiter ! Par exemple, ce que font Joel Grimes et Joey Lawrence.

Darth: Est-ce que tu continues à explorer de nouvelles idées, de nouvelles techniques inédites ?

Michael: Je suis en constante évolution, je fais toujours beaucoup d’essais, parfois c’est heureux, mais souvent, ça ne l’est pas ! Je crois qu’au début (personnellement, j’en suis toujours au début, même si ça commence à venir !), il vaut mieux s’en tenir à des positionnements de flashes classiques (en s’inspirant d’ultra classiques comme présentés ici : http://www.professionalphotography101.com/portrait_lighting/index.html). Une fois qu’on maîtrise bien tout ça, avec l’expérience, j’imagine qu’on peut devenir original !

Darth: Quels sont les photographes que tu admires ?

Michael: J’aime la photographie moderne, bien éclairée, bien travaillée, bien posttraitée. En fait, j’aime la photo à vocation publicitaire, voire faite pour des affiches de cinéma. À ce titre, je suis fan des photographes anglo-saxons Joe McNally, Neil Van Niekerk, Joey Lawrence, Joel Grimes. J’allais oublier David Hobby !

Darth: Qu’elle est ta photo préférée, de ta pro­duc­tion et d’un autre photographe ?

Michael: Je n’ai pas réellement de photo préférée dans ma production personnelle. D’une part parce que je suis un insatisfait chronique dans ce domaine, et d’autre part, parce que si je les ai publiées c’est que j’y trouve tout de même un intérêt, mais différent sur chaque image. Ceci dit, les photos que j’ai fournies pour illustrer l’article sont celles qui me plaisent le plus…

Pour celle d’un autre photographe, j’aime beaucoup les productions très strobistiennes de Joe McNally, en particulier une qui s’appelle « Creepy guy in alley » qu’on retrouve dans son livre et sur son blog. Il y en a plein d’autres également qui collent avec une ambiance de film, des clichés très colorés, bien mis en scène.

Darth: Que peut-on te sou­hai­ter pour ton ave­nir photographique ?

Michael: Un peu plus de temps libre pour pratiquer et partager ! Je suis souvent obligé à mon grand regret de refuser des propositions de shoot venant de modèles amateurs par manque de temps. Le travail, c’est tout de même chronophage !! ;-)

Darth: Un der­nier mot ?

Michael: J’espère avoir été intéressant, avoir donné envie à certains récalcitrants du flash de revenir sur leurs préjugés et d’aller un peu plus explorer le domaine et enfin, avoir réchauffé les débutants frileux ! Je reste bien sûr à disposition pour toute info complémentaire, au travers de la page contact de mon blog (même si visiblement, il y a beaucoup de demandes qui ne m’arrivent pas par ce biais : il faut que je remédie à ça d’ailleurs) ou d’une façon plus sûre sur Twitter (DeclicAndCo) ou Facebook (Michael Guarisco).

Darth: Encore une fois merci de m’avoir accordé un peu de temps pour cette interview.

Michael: Tout le plaisir était pour moi !

J’espère que vous avez pris autant de plaisir à lire cette interview que j’ai eu à la mener.

Et cela ne m’étonnerait qu’à moitié que vous ayez envie de faire quelques photos au flash, là, tout de suite !

Bon courage et bonne photo .… avec ou sans flash !

Nous voilà arrivés au bout de ce petit défi !

Je tiens à remercier tous ceux qui ont participé et tous ceux qui ont voté.

Je sais à quel point c’est difficile de jouer le jeu, c’est donc avec beaucoup d’émotion que j’ai vu 10 personnes en plus de moi participer et relever le défi.

Mais, n’attendons pas plus longtemps, voici le classement :

(Pour voir les images, c’est ICI)

Sur le podium

• Premier avec 60 voix, votre serviteur (photo 7) qui obtient 29% des votes.
• Deuxième avec 50 voix, qsammi (photo 10) qui obtient 24% des votes.
• Troisième avec 47 voix, zatoshi (photo09 ) qui obtient 22% des votes.

Au pied du podium

• Marc (photo 2), qui avec 15 voix obtient 7% des votes !

L’image du résultat final

Merci donc à jojoconus (photo 1), Méluzine (photo 3), Bullit (photo 5), Chopperrett (photo 8 ), snash (photo 11), mojozejojo (photo 6) et 1suisse (photo 4) d’avoir participé !

La course a été serrée, et c’est de très peu d’écart que le trio de tête s’est départagé!

Je vous invite tous à vous exprimer dans les commentaires sur les photos et le défi en lui-même, n’hésitez pas à nous dire ce qui vous à plu de ce qui vous a déplu … et si vous vous sentez d’attaque pour proposer un autre défi, surtout, n’hésitez pas !

Bon courage et bonne photo !

J’ai le plaisir de vous présenter le premier tutoriel vidéo de mon blog !

Vous allez y découvrir (si vous n’avez pas regardé la vidéo avant de lire le texte) comment rendre la peau plus nette des modèles de vos Votrait <-(je n’avais pourtant pas bu que j’ai fait la vidéo !)

Si vous voulez d’autres tutoriels vidéo sur différents sujets, n’hésitez pas à me faire vos propositions dans les commentaires.

En espérant que celui-ci vous pourra vous rendre service !

Bon courage, bonne photo et … bonne retouche.

[En cas de problème de lecture de la vidéo, cliquez ICI]
(Vidéo : Regardez cette vidéo sur la page des articles)

(N’hésitez pas à mettre la vidéo en plein écran pour une meilleure lecture)

J’ai pensé à faire cet article il y a déjà de ça un bon moment.

L’idée m’est venue de mon expérience avec divers photographes, que ce soit sur les forums, ou de visu.

La question qui se pose est la suivante:

Comment évoluer dans ma pratique de la photo ?

C’est une question plus pertinente qu’il n’y parait, et au vu des différentes visions de la chose, on peut se dire que la réponse ne semble pas si simple.

Surtout quand on atteint un certain degré dans la maitrise de l’image.

Les différentes étapes

Le débutant:

Quand on pratique notre passion, la première étape est toujours celle de l’apprentissage.

Que ce soit un lointain souvenir ou quelque chose qui vous concerne directement en ce moment, on a tous dû apprendre.

Ce passage est difficile et merveilleux en même temps.

Difficile, car on a beaucoup de choses à apprendre, merveilleux, car plus le temps passe et plus on comprend de choses.

Le but: savoir prendre une photo.

L’amateur:

Après avoir lu, pratiqué, essayé…etc. Le débutant devient un amateur.

Il y a bien sûr plusieurs niveaux, mais on peut résumer en disant qu’il a une bonne connaissance de la photo, dans le sens large du terme.

Il sait plus ou moins obtenir ce qu’il désire quand il prend une photo.

Le but: savoir mettre en œuvre ce qu’il faut pour obtenir la photo que l’on désire.

L’expert:

Comme son nom l’indique, il maitrise très bien l’image, connait la technique et les approches qu’il faut pour obtenir l’image désirée.

En un mot, c’est un expert.

Le plus souvent, même s’il touche à tous les styles de photo, il est plus ou moins spécialisé dans un domaine particulier.

Le but: .… ??? .… Bonne question, c’est justement à ce moment que la vision des choses va changer !

Les options

Pourquoi le but diffère à ce moment.

Il y a plusieurs raisons qui font que plusieurs personnes auront un avis différent.

La première chose qui va poser ”problème” c’est de se définir soi-même en temps qu’expert.

Car, certain sont des experts et se voient comme des amateurs ”éclairés ”, et d’autre sont des amateurs (pas forcément éclairé) et se voient comme des experts.

Puis au final, il y a ceux qui savent ce qu’ils sont.

Ce qui donne (de manière non exhaustive) au moins deux façons de penser, sans compter bien sûr toutes les nuances que l’on peut trouver entre ces deux visions des choses.

• La première, je n’ai plus rien à apprendre. On se contente de reproduire de différente façon, avec différent sujet les images que l’on maitrise. (ou que l’on pense maitriser)
• La deuxième, même si j’arrive à obtenir ce que je veux, j’explore de nouvelle chose, de nouvelle technique…etc.

Je sais qu’à première vue cela peut paraitre simple, et beaucoup doivent se dire:

Je choisirais la deuxième solution, sans aucun doute.

Et bien, ne croyez pas que cela soit si simple !

En effet, on a très vite tendance à entrer dans une routine photographique qui nous pousse à nous reposer sur nos acquis pour ne pas ”rater” la photo que l’on désire faire avec des réglages ou des manipulations que l’on n’a pas encore essayés.

C’est pourtant en prenant des risques qu’on avance.

Je ne veux pas me placer en donneur de leçon, car il y a bien des fois où je n’ai pas expérimenté par ”peur” de ne pas avoir la photo que je voulais.

C’est d’autant plus délicat quand c’est en lumière naturelle, sachant que cette lumière est si fugace.

Pourtant, je pense qu’il est bon de travailler sur soi et d’oser !

Je sais, c’est plus facile à dire qu’à faire.…

Bon courage et bonne photo !

Quand on fait de la photo, la plupart du temps on a une idée en tête, on a réfléchi à la photo que l’on cherche.

On sait ce qu’on veut faire et on s’arrange pour y arriver.

On essaye de se préparer au mieux pour obtenir l’image désirée, même s’il reste toujours de l’improvisation.

Il y a forcément cette part d’imprévus, même dans les séances studio les plus préparées où presque tous les détails sont réglé à l’avance.

Pourtant, ce qui est génial en photo, c’est les moments ou rien n’est prévu, où l’improvisation est totale, car la photo que l’on doit faire n’était en rien planifiée.

Le portrait qui est en illustration rentre tout à fait dans cette description de l’imprévu total.

Imaginez la scène, je suis au restaurant avec ma petite famille, un resto qui a le bon gout d’être entièrement décoré avec une peinture rouge laquée du sol au plafond.

C’est là que Viviane me demande de lui faire un ”joli ” portrait.

Ce qui sous-entend qu’elle veut pas un simple portrait, mais quelque chose de plus travaillé.

Sauf que j’ai avec moi le minimum, mon boitier, mon 24–70/2,8 et mon flash cobra. (Matériel qui ne me quitte JAMAIS)

Ce n’est pas tout à fait le fourre-tout idéal ni l’environnement pour faire un portrait de qualité.

Pour autant c’est le genre de situation que j’adore, relever un défi, faire une photo précise quand rien n’est là pour faciliter la chose.

Pas d’éclairage spécifique, pas de fond, pas de maquillage, pas le …etc.

Dans ce genre de cas, l’improvisation est totale, mais le plus important est de bien réfléchir et de savoir ce que l’on veut faire.

Avec les moyens que l’on a sur place, avant même de penser à déclencher, il faut penser la photo, imaginer ce qu’on peut tirer de ce qu’il y a à disposition.

Il ne faut pas entrer dans une ligne de pensée qui serait pleine de regret:

Ha si seulement j’avais telle ou telle chose.

Il faut prendre ces imprévues comme un défi à relever !

C’est un jeu très amusant qui pourra vous pousser à faire remonter toutes les notations photographiques que vous avez.

Un bon moyen de puiser dans votre expérience pour pallier chaque problème.

Mais attention, c’est aussi le genre de situation auquel vous pourriez facilement prendre goût !

Alors, si un jour vous devez improviser une photo et que rien n’est là pour vous faciliter la vie, prenez ça du bon côté et essayez simplement de relever le défi.

Pour ma part, une pointe d’inspiration d’un grand peintre (je ne dis pas son nom, si vous trouvez je serais flatté, si vous ne trouvez pas, je n’aurais pas l’air bête ), un miroir pour l’éclairage, quelques nappes et serviettes en guise de diffuseur et de réflecteur, une fontaine pour le fond.…et le tour était joué.

Je vous ai présenté la photo sans retouche, un petit passage pas photoshop et je pense qu’elle devrait faire la blague !

Bon courage et bonne photo…improvisée ou non !

Pourquoi cette question?

C’est l’autre jour en allant passé la soirée chez un ami que l’idée de cet article m’est apparue comme une vision, je me suis senti l’âme d’un prophète de la photo.

Je vais prêcher la parole de l’argentique!

La charmante petite fille que vous voyez sur l’image d’illustration s’amusait à prendre des photos avec son beau reflex argentique (Elle peut dire merci Papa pour ce cadeau).

Puis, le petit microbe a eu subitement une question après avoir déclenché frénétiquement pendant de longues minutes.

C’est où qu’on regarde les photos?

Elle nous demande ça les yeux fixés sur le dos de l’appareil avec un air interrogatif…il n’y a pas d’écran!

Cela m’a donné l’envie de faire ce petit sondage…

Je me suis demandé combien d’entre vous avaient déjà fait des photos avec un appareil argentique?

C’est vrai que maintenant de plus en plus de personnes commencent la photo avec du numérique.

Le temps où il fallait amener son film à développer, attendre plusieurs jours avant de voir ses photos est bien révolu.

La demande innocente de cette fillette était toute légitime, pourquoi cet appareil ne montrait-il pas les photos tout de suite !?

Si vous n’avez jamais connu l’époque de l’argentique, si vous n’avez jamais bataillé votre pellicule pour la mettre correctement en place, je vous invite à le faire.

On va s’offrir ensemble une journée en argentique!

La première étape va être de vous trouver un vieux reflex. Le plus drôle serait d’en trouver un sans AF et avec un minimum d’assistance. (Comme le contax en illustration)

La deuxième étape va être de vous trouver de la pellicule…mais ça, ce n’est pas le plus difficile.

La troisième étape, vous offrir une séance photo.

À ce moment vous allez entrer dans un monde bien sympathique, celui de la réflexion photographique, celui de l’incertitude, celui de la patience.

Plus votre appareil sera vieux, plus cela va vous sembler amusant au final. Une fois l’appréhension passée, vous allez vous amuser à régler le diaphragme directement sur l’objectif, régler la vitesse sur le barillet, réarmer pour passer à la prochaine photo…etc.

Ne voyez pas ça comme une sorte de torture, c’est réellement amusant!

Prendre le temps de faire des photos, mais quel bonheur.

Écouter le prophète de la photo (prophète d’un jour) vous ne regretterez pas l’essai !

De mon côté, la prochaine fois que je verrais le petit grumeau, j’aurais un film dans ma poche. Je me ferais alors un plaisir de lui faire découvrir la photo argentique, et toute la patience qui va avec.

Pour ceux qui ont déjà fait de la photo argentique, recommencez!

Pour ceux qui continuent à en faire…vous êtes sur le bon chemin mon fils!

Bon courage et bonne photo…et durant ses prochains jours je compte sur vous pour qu’elles soient en argentique ces photos!

…Hé oui, je l’ai passé en N&B!

Je pense que vous avez deviné de quoi va parler mon article. Si vous n’avez pas encore compris (ce serait étonnant quand même) je parle de cette fameuse loi que veut faire passer la députée UMP Valérie Boyer.

Elle veut que toute photo retouchée soit signalée ainsi: ”Photographie retouchée afin de modifier l’apparence corporelle d’une personne”

Elle espère ainsi préserver les gens d’une fausse image qu’ils se font des mannequins et autres célébrités en couverture de nos magazines:

Ces Images peuvent conduire des personnes à croire à des réalités qui, très souvent, n’existent pas.

Cette mesure, si elle passait, concernerait la publicité, mais également la photo de presse et d’art, et ceci, sur tout support que ce soit.

Partant de là, je me suis interrogé et j’ai essayé de voir la chose de façon objectif.

Voici ce qui ressort de ma pensée.

En première lecture, cela peut sembler être une bonne chose.

En effet, qui d’entre nous n’a jamais vu une photo d’un magazine en se disant:

Celle-là (la photo), elle est vraiment retouchée!

On pourrait donc se dire que le dicta de la mode qui nous rabâche des formes et des physiques parfaits serait mis à mal et qu’au final, ce ne serait pas si mauvais que ça.

On ne verrait plus de pub avec des filles qui ont des jambes aussi longues que celles des Barbies, et on ne verrait plus non plus des bourrelets présidentiels fondre miraculeusement. On ne verrait plus des peaux si lisses qu’elles en perdent toute expression, et certaines dames politiques garderaient à leurs doigts tous leurs bijoux.

Mais cette loi veut aussi toucher à la photo d’art.

Et là, j’ai commencé à réfléchir de façon plus approfondie, en essayant de comprendre ce qu’allait engendrer une telle loi.

Je peux volontiers admettre que la photographie de presse ne devrait pas avoir le droit d’être retouchée. On ne peut pas travestir l’info. Et pour moi enlever un membre de la sécurité sur une photo d’un président et du pape, c’est de la désinformation.

Par contre, si un spécialiste du portrait qui présente ses clichés retouche sa photo, on ne devrait rien avoir à redire. C’est de l’art, et l’art ne devrait pas avoir de barrières. Personne n’a crié au scandale quand de grands peintres en ont fait autant.

Il est pourtant vrai qu’en peinture notre vision des choses est différente, car même si l’artiste a triché, on ne voit pas dans la peinture une réalité. Ce qui n’est pas le cas de la photo qui nous renvoie une image que notre cerveau interprète comme une capture de la réalité.

Mais, est-ce que les gens sont vraiment dupes ?

La question est posée, qui arrive encore à croire ce qu’il voit dans les médias en ce qui concerne les images?

Sur mes propres photos, certains arrivent à me demander si elles sont reoutchées.

On peut donc douter de la crédulité du public face à ces images.

Il y a aussi un autre problème à ce texte de loi, qu’est-ce qui distingue une retouche d’un traitement? Qu’elle est la frontière entre les deux? J’en avais d’ailleurs parlé dans un article que vous pouvez trouver là: cliquer ICI

Cette frontière brumeuse entre la retouche et le traitement pose donc un réel problème. Car si on considère qu’une image est retouchée du moment qu’elle passe sur un programme tel que Photoshop, on peut dire que 100% des images publiées son retouchée!

Malheureusement, il existe pourtant bien un mal profond qui pousse certaines personnes à chercher la perfection de leur corps en trouvant comme modèle ces ”humains ” qui grâce à la retouche ne le sont plus vraiment.

On peut alors essayer d’extrapoler, est-ce qu’un simple avertissement va les empêcher de rêver à cet idéal?…On peut effectivement en douter.

Je ne vais pas entrer dans le domaine qui ne m’est pas familier, en vous faisant un long discours sur la psychologie. Pourtant, je pense bien que pour résoudre le problème les députés devraient plutôt privilégier cette piste.

Conclusion:

L’idée part d’une bonne intention, en effet elle a pour but de protéger les personnes les plus fragiles.

Malheureusement, elle est très mal mise en oeuvre et surtout ne cible pas le vrai problème. Elle finit par imposer des barrières liberticides qui au final feront plus de mal aux personnes non concernées qu’aux grandes publications.…Les phrases sur les paquets de cigarettes en sont la bonne preuve.

Pour les habitués de mon blog, vous connaissez ma position quant à la retouche (voir ICI et là) mais est-ce que je veux pour autant qu’une loi m’oblige à le faire? je dis NON, bien qu’en réalité cette loi ne me toucherait pas, j’habite en Suisse. Mais il ne faut pas laisser ce genre de loi liberticide avoir un avenir.

C’est donc un mauvais combat que livre cette chère Valérie Boyer.

Je vous invite à signé la pétition suivante (cliquez ICI) ainsi que de lire quelques commentaires par là (cliquez ICI)

Au final, je vous propose de jeter un oeil sur l’édito de Guy Michel Cogné dans le dernier Chasseur d’Images.

Bon courage et bonne photo…retouchée ou non

Qui n’a jamais entendu parler du célèbre Polaroïd.

A une époque, si on voulais une photo tout suite, pas de solution autre que le ”pola”…le numérique n’existait pas encore.

C’est en 1937 que l’idée génial de la photo instantanée est arrivée.

Cette marque à eu un succès incroyable durant de nombreuses années. Seule à proposer un tel service, elle était incontournable.

Malheureusement, n’ayant pas réussit à négocier le virage du numérique (ou très mal), elle fermera ses portes en 2008!

Pourtant, l’histoire ne s’arrête pas forcément là…

En effet, s’il on en crois le reportage de ”novo” (émission de la TSR), Le fameux instantané va peut-être connaitre une nouvelle jeunesse.

Deux investisseurs ont eu la bonne idée de racheter les usines et réengager le personnel.

Mais comme des images valent mieux que mille mots…:

En attendant que ça arrive, pourquoi (par nostalgie) ne pas faire un petit tour par là:

http://www.poladroid.net/

C’est grâce à ce petit programme que j’ai fait la photo d’illustration…faut avouer que l’effet est bluffant!

On retrouve la couleur et la magie des pola.

En plus, on doit secouer la photo et selon le temps et la vitesse à laquelle on faire le fameux ”geste”  l’effet diffère.

Bref, à essayer en attendant de resortir nos vieux pola pour leur mettre de vrais films

Bon courage et bon…pola