L’article du jour sera un peu spécial, car, comme je le fais parfois, je vais céder ma plume à un photographe qui a beaucoup d’importance à mes yeux.

Je vous en ai déjà parlé plusieurs fois, et c’est donc un honneur pour moi que d’offrir une tribune à Shoube, un grand spécialiste de la photo macro, mon mentor dans ce domaine!

Aujourd’hui il va nous parler d’un objectif tout à fait spécial, puisqu’il s’agit du très réputé et très exclusif Canon MP-E 65mm f/2,8 1-5x, qui est à l’heure ou j’écris ces lignes le meilleure objectif macro en production, et ceci toute marque confondue!

Mais assez de bla bla, je cède avec plaisir la place à Shoube pour ce test terrain sous forme d’un retour d’expérience, à lire sans modération!

Présentation

Le canon 65mm macro f/2.8 MP-E, un objectif unique en son genre, Darth m’en a demandé un test puisque je le possède.

Ça fait 1 an maintenant que je l’ai acquis et il n’a quasi pas quitté mon boîtier depuis son arrivée.

Caractéristiques techniques:

• Angle de champ (horizontal, verticale et diagonale): 15°40’, 10°35’, 18°40’
• Construction optique (lentilles/groupes): 10/8
• Nombres de lamelles du diaphragme: 6
• Ouverture minimal: 16
• Disteance de mise au point mini (m): 0,24
• Grandissement maximum (x): 5
• Moteur AF: non
• Diamètre filtre (mm): 58
• Diamètre maxi x longeur (mm): 81 x 98
• Poids (g): 710g
• Grandissement avec tubes allonge EF 12: inconnu
• Grandissement avec tube allonge EF 25: inconnu
• Parasoleil: inconnu
• Étui rigide: non
• Étuis souple: LP1216 (option)
• Porte gela III (para III*): (o)
• Porte gela IV (para IV*): (o)

Alors après cette petite fiche technique on peut se poser la question du pourquoi cet objectif, puisqu’il faut savoir, si ce n’est déjà fait, que le MP-E (on l’appellera comme ça, c’est plus simple) ne permet pas de faire autre chose que de la macro, canon l’a pensé et conçu pour cela, donc exit le paysage, le portrait et même la proxy ou toute autre pratique photographique autre que la macro pure et dure (Darth a déjà expliqué cela, mais je le rappelle, la macro commence au rapport 1:1).

Donc l’achat d’un MP-E ne se fait pas à la légère, d’une part pour ce que je viens de nommer juste avant, mais aussi pour son tarif, car payer aussi cher pour un objectif qui ne permet pas de faire autre chose que de la macro, on peu penser que c’est excessif et je suis d’accord avec cela. Mais j’avoue aussi que le prix en vaut la chandelle.

Bien sûr il faut aimer la macro, et là j’entends déjà des voix s’élever et dire “oui, mais pourquoi pas un 100mm macro?” ou quelque chose du genre comme on m’a déjà souvent posé la question.

À ceci je réponds que cela dépend de sa pratique de la macro et de ces besoins.

Personnellement, j’ai commencé la macro avec des bonnettes montées sur mon 18-55mm ou mon 55-250mm puis pour faire encore mieux je me suis tourné vers les tubes (ou bagues) allonges couplées à des objectifs M42 (monture à vis) avantage tarif/qualité selon les objectifs. Avec ces derniers j’obtenais en qualité l’équivalent d’un 100mm macro, seule la polyvalence manquait à l’appel.

Fort de ce constat, étayé par mon désir d’aller encore plus loin, et ayant déjà craqué pour le MP-E, mon choix fut vite fait, mais longuement réfléchi tout de même.

Prise en main:

Son arrivée se fit en hivers, pas la meilleurs saison pour la macro, ni pour tester un engin comme celui-ci qui demande beaucoup de lumière, mais ça je ne le savais qu’en théorie, en pratique ce fut pire que je ne le pensais.

Mais avant ça et avant de le monter sur mon boîtier c’est le poids qui m’a surpris, pour un si petit objectif, il pesait autant que mon boîtier.

D’ailleurs une fois monté dessus on se dit “aie ça ne va pas être de la tarte” car le premier réflexe qu’on a une fois la bête montée, c’est de tourner la bague dite “de MAP” (qui en fait n’en ai pas vraiment une) pour découvrir le rapport 2:1, 3:1 etc… et là un déséquilibre se fait sentir d’où le collier de pied sur l’objectif.

Certains me diront que tout ceci n’est rien comparé à un 300mm ou plus, mais en macro, et surtout au rapport atteint par le MP-E ça devient important ce facteur poids et déséquilibre.

Cela dit on sent de suite que ce n’est pas du plastoc, il m’a fait pensé sous certain point à mes vieux objectifs M42 en tout métal.

Je le monte alors sur le boîtier (canon eos 50d) il est temps de faire un test, je me trouve un petit sujet tout bête, je me mets en mode AV (priorité ouverture) et hop je shoote, et rien tout pourri.

Je me mets à essayer différentes combinaisons d’ouverture et iso, toujours en mode AV et les résultats sont plus que décevants.

Alors tant pis je me lance et hop mode M, mais là aussi ce n’est pas ça, enfin en tout cas ça n’atteint pas du tout les résultats escomptés ou que j’ai pus voir par-ci par-là sur le net.

Je sors le trépied, je me dis que ça vient de moi et de ce gros gros manque de lumière et je ne parle même pas de la MAP, quel que soit le rapport, et ce en ayant pris comme précaution de mettre le retardateur et d’avoir enclenché le verrouillage du miroir.

En bref au bout d’une semaine je n’arrivais toujours à rien, j’étais dégoûté et je me demandais si j’avais bien fait de l’acheter, si je ne venais pas de jeter une grosse somme par la fenêtre pour un objectif qui en fait était une grosse catastrophe et que j’aurais peut être du m’offrir autre chose.

Le soulagement:

Je me suis acharné, ben oui une semaine ce n’est pas assez !

Il faut tout reprendre depuis le début, on est en hivers, je suis en intérieur (impossibilité de sortie cause météo), lumière limitée, sujet bof, donc il est sûr que je n’arriverais à rien de correct dans ces conditions, je vais les améliorer un peu.

Enfin à force d’acharnement, de test et aussi de chance avec un sujet vivant providentiel qui me fit voir tout le potentiel de l’engin, (voir photo d’illustration de l’article) et là, là je ne regretta pas l’investissement et je commençais à trépigner sérieusement de pouvoir enfin sortir sur le terrain.

Le bilan 1:

Premier bilan, plutôt mitigé dans l’ensemble, déçu au départ je repris du plaisir avec un vrai sujet à porté d’objectif, mais surtout je compris que la lumière est très importante avec le MP-E.

Autre point qui une fois assimilé rend les choses plus faciles à appréhender, c’est que du rapport 1:1 au rapport 3:1 tout est parfait, mais tout se complique dès que les rapports 4:1 et 5:1 sont atteints, et pas seulement pour des soucis de lumière, mais aussi de zone de netteté ultra réduite et la difficulté de retrouver le sujet dans le viseur.

Premier pas sur le terrain:

Et voila après une longue attente, enfin les premiers beaux jours arrivent et avec eu peut-être des bébêtes.

Les journées sont encore courtes, mais suffisamment longues pour me permettre de sortir un peu en fin d’après-midi, mais peu de spécimens sont là, tout juste quelque cousins (moustiques) qui feront très bien l’affaire si tant est que j’arrive à en trouver un posé et qui ne me fuit pas.

Là, je me rends compte d’un autre problème qui ne m’avait que très peu perturbé pendant mes essais en intérieur, mais qui sur le terrain m’a sauté à l’objectif , la stabilité !

Sans problème au rapport 1:1 c’est gérable, au rapport 2:1 ça va encore, au rapport 3:1 ça devient chaud et après c’est Verdun, de plus comme la zone de netteté qui pour la même ouverture se réduit au fur et à mesure que l’on monte dans les rapports, le moindre pet de mouche devient un motif de décalage de MAP, l’engin ne pardonne rien et c’est temps mieux !

Cela nous oblige à être plus appliqué qu’on pourrait l’être avec un 100mm macro, et du coup ça rend la partie encore plus sport.

Par la suite, mes sorties sur le terrain se firent dans de meilleures conditions. Les sujets plus nombreux et tous les essais faits entre deux sorties afin de m’améliorer pour gérer l’objectif ainsi que la lumière, m’ont beaucoup apporté.

À savoir:

Il faut savoir deux trois petites choses

L’objectif est dépourvu de toute aide, les contacts sont là juste pour échanger quelque info avec le boîtier, mais pas d’AF (normale vue les rapports atteints cela ne sert à rien, et en macro en général on n’utilise que très rarement l’AF), pas d’AF confirm non plus.

La bague de MAP n’en ai pas vraiment une car elle ne permet pas vraiment de faire la mise au point, mais surtout de choisir son rapport de reproduction. La mise au point se fait en déplaçant l’objectif par rapport au sujet.

Il est équipé d’un porte-filtre comme tout objectif et d’un cran au niveau de la lentille frontale pour y monter un ring flash par exemple, mais toute fois, vous ne pourrez monter les deux en même temps, allez comprendre pourquoi !?

Un ring flash s’avère judicieux, personnellement, je n’en ai pas encore et je me sers de mon flash cobra monté sur le boîtier (je pourrais le déporter, mais sur le terrain un flash déporter en macro c’est pas toujours évidant sans faire fuir la bébête pendant l’installation de tout le matos) toute fois ça reste peu pratique au rapport 5:1, ce rapport nous obligeant à incliner l’ensemble pour voir dans le viseur la zone de netteté, du coup une ombre peu apparaître dans le bas de l’image.

Voici un exemple des capacités de l’engin avec cette galerie ou l’on peut voir la petite collembole ci-dessous (que l’on distingue à peine à l’oeil nue) au rapport 1:1 — 3:1 et 5:1.

Quelques chiffres sur les distances à chaque rapport entre votre sujet et la lentille frontale:

Distance MAP lentille frontale /sujet:

• Rapport 1:1 = 10,5cm
• Rapport 2:1 = 7,3cm
• Rapport 3:1 = 6,8cm
• Rapport 4:1 = 6cm
• Rapport 5:1 = 5,5cm

Le bilan final:

Mon bilan, ben il est simple, je ne vais pas dire que l’objectif est mauvais cela serait faux, c’est un excellent objet pour peux qu’on soit accro à la macro.

C’est un objectif à acheter après une bonne réflexion.

C’est un engin très exigeant, mais qui vous fait rentrer dans un monde à la porte duquel un 100mm macro vous amenait sans pouvoir vous faire aller plus loin.

C’est un objectif facile à comprendre et à utiliser pour peu qu’on s’en donne la peine et que les conditions de prise en main soient bonnes.

Informations
Pour ceux qui découvrent cet article, vous pourrez trouver les trois premières parties ICI : Partie I Partie II et Partie III

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Cela fait un long moment que je n’ai pas écrit mon journal de mes aventures en macro. En effet, le dernier, la partie 3, a été publié le 15 octobre 2011.

Je me souviens que si les températures baissaient, le temps était vraiment clément pour la saison.

On trouvait moins d’insecte ou de fleur, mais on arrivait tout de même à en photographier.

Depuis, même si on a droit à un hiver particulièrement doux, les arbres ont perdu leur feuille, les insectes attendent le retour du beau temps pour montrer le bout de leur nez et les seules fleurs que l’on voit se trouvent chez le fleuriste.

La saison macro des insectes et autre est bel et bien finie!

Mais alors, qu’ai-je fait tout ce temps?

La macro hiver:

Je pensais vraiment qu’après la période de beau temps j’allais plonger corps et âme dans la macro sur petit objet.

Il y a tant de petites choses à photographier, pourquoi ne pas en profiter?

Je me pose la question, mais je n’ai pas réussi à y répondre, car j’avoue, on est au milieu de l’hiver, et chaque fois que j’ai voulu faire ce genre de photo je fus déçu du résultat.

Au final, après quelques essais, j’ai vite abandonné l’idée.

Il me manque certainement une source d’inspiration, je le reconnais.

Si vous avez des idées sur la photo macro en studio, faite le moi savoir, je serais heureux et ravi d’essayer de nouvelles expériences! Sauf les photos de gouttes que j’ai déjà trop pratiqué!

Mais alors, est-ce que du coup, je n’ai pas du tout fait de photo macro?

Pas tout à fait…

Photographions les papillons:

Si j’ai fait durant cet hiver (qui n’est pas fini) beaucoup moins de photos macro que durant l’été, j’ai eu la chance et le plaisir d’aller tirer le portrait de quelques papillons avec mon ami blogueur (et non pas blagueur) Javier.

On s’est en effet rendu au papillorama de Kerzers pour passer une sympathique journée à courir après les papillons, comme le prouve ma photo d’illustration.

Mea culpa, je n’ai toujours pas fini de trier ces photos.… J’ai honte!

C’est donc une très bonne chose que ce genre d’endroit existe, pour les amoureux de macro en manque de matière l’hiver.

Quoique je dois être un peu fainéant quelque part!?

Du fait que dehors si je cherche bien il doit rester quelques sujets bien intéressants!

Conclusion:

L’hiver n’est pas fini, et malgré que je n’ai pas fait grand-chose en photo macro, je vais essayer de corriger ça et de trouver de bons sujets et de bonnes sources d’inspirations.

La saison ne devrait pas être une excuse pour ne rien faire, je pense qu’un peu de courage et de bonne volonté devraient me permettre de revenir dans un prochain journal de mes aventures en macro avec plus de choses à vous présenter.

Alors, je vous souhaite à vous comme à moi.…Bon courage et bonnes photos!

La balance des blancs est un terme, une notion de la photo qui a la particularité d’être connu de tous (ou presque), mais qui reste quelque peut obscure. On sait à quoi cela sert, mais on sait moins comment cela fonctionne et comment vraiment l’utiliser, quel en sont les tenant et les aboutissants de cette fameuse WB, le raccourci pour White Balance en anglais.

Souvent mes élèves me demandent comment on gère la balance des blancs, qu’elle est son utilité et surtout comment mettre en pratique cet outil.

Je vais essayer de répondre à ces questions, mais pas tout à fait comme tout le monde.

En effet, il est très facile de trouver des infos sur la balance des blancs, en quelques minutes on peut obtenir toutes les informations nécessaires.

Mon orientation sera un peu différente, mais avant tout, remontons un peu dans le temps…

Un peu d’histoire:

À une époque pas si lointaine que ça, on faisait des photos avec du film argentique (certain, comme moi, continu encore aujourd’hui). Pour cela on devait choisir un film avec toutes les limitations qu’on lui connait:

Nombre de vues limité, iso fixe et.…balance des blancs fixe.

Les fabricants de négatifs devaient ruser pour que leurs films donnent des couleurs plus ou moins justes dans la plupart des situations. Bien que l’on pouvait choisir des films spécifiques pour certaines sources de lumière. Mais pour le grand public, ils devaient veiller à ce que leurs négatifs puissent être utilisé dans un maximum de situations.

Chose qui en réalité n’arrivait jamais!

D’ailleurs, cela avait une influence sur le rendu même des photos, qui selon la marque utilisée avaient une dominance de couleur assez net. Par exemple les négatifs de Kodak tiraient sur le rouge, alors que ceux de Fuji tiraient sur le vert.

Le monde du numérique est alors arrivé, avec lui la souplesse que l’on connait, régler les iso entre chaque image, limitation du nombre de vues qui s’envole, et surtout pour la chose qui nous intéresse aujourd’hui, la balance des blancs que l’on peut modifier à loisir!

Mais au fait, c’est quoi vraiment la balance des blancs?

Température couleur:

La balance des blancs est presque comme son nom l’indique le réglage de la couleur par rapport au rendu du blanc selon la température couleur.

En fait, la lumière n’est pas toujours la même. Selon sa source, elle aura plus ou moins ”colorée”, et influencera donc directement les couleurs de nos photos.

Cette température de la couleur est calculée en degré Kelvin.

On dit alors que 5’000K (lumière normée D50) correspond à une lumière parfaitement neutre sans qu’une dominance de couleur soit marquée. C’est à 5’000K que votre feuille blanche sera blanche sans qu’elle ne tire ni sur le jaune, ni sur le bleu.

Si la température couleur change, le sens de sa variation va influencer la perception de la couleur.

Si elle est en dessous de 5’000K, le rendu des couleurs sera froid et va tirer vers le bleu, alors que si elle est en dessus de 5’000K, cela va au contraire donner une rendue qui va tirer sur les jaunes.

On voit clairement le résultat sur l’image ci-dessus.

Pour mieux s’en rendre compte, voici un tableau des différentes sources de lumière et leur température couleur:

• 1000 — 2000 K : bougies
• 2500 — 3500 K : lumières tungstène utilisées dans les habitations
• 3000 — 4000 K : lever et coucher de soleil par temps clair
• 4000 — 5000 K : lampes néon
• 5000 — 5500 K : flash électronique
• 5000 — 6500 K : lumière du jour sans nuages
• 6500 — 8000 K : lumière du jour par temps nuageux
• 9000 — 10000 K : lumière du jour par temps très couvert ou orageux

Vous allez alors me dire: mais quand je regarde une feuille blanche, elle est blanche que je le regarde sous un néon, à la lumière du jour en plein soleil ou même sous un orage.

Je vous répondrais que vous avez raison, et c’est cette capacité de notre cerveau à ”corriger” la température couleur qui fait que l’on est souvent perturbé par les notions de balance des blancs.

Sauf à de rares exceptions, on voit toujours les blancs blancs, quelle que soit la température couleur de la source de lumière.

Pourtant, comme on peut le voir avec mes photos d’exemples, il y a bel et bien une différence.

Alors la question que l’on se pose, comment gérer tout ça?

Gestion des blancs:

Si vous demandez à des photographes experts comment gérer votre balance des blancs, ils vont partir dans un discours des plus impressionnant sur comment faire ses mesures en manuel, sur l’importance de restituer les couleurs justes, et donc de veiller à faire une bonne balance des blancs…etc.

Je vais lancer un gros pavé dans la mare et dire, que si j’adore tout le côté technique de ce genre de sujet et connaitre ces choses me passionne (et doit en passionner d’autres) la balance des blancs reste une notion que l’on doit connaitre, mais avec laquelle il est parfaitement inutile de se fatiguer les neurones!

Oubliez les chartes de gris neutre, oubliez les températures couleur, oubliez tout ce qui est compliqué.…car c’est tout à fait inutile dans le 95% des cas!

En fait, vous allez avoir deux armes secrètes grâce auxquelles vous n’aurez plus de soucis à vous faire et de questions à vous poser!

1. Les capacités de votre appareil photo
2. Les fichiers RAW

Commençons par le premier des deux, les capacités de votre appareil photo.

Celui-ci fait une mesure automatique de la balance des blancs, et règle votre appareil au plus juste. Les seuls moments où il pourra vraiment se tromper, c’est avec plusieurs sources de lumière qui auront des températures différentes, ou alors certains éclairages typiques (comme les éclairages urbains, qui fonctionne à la vapeur de sodium et qui donne une lumière orange) qui pourront poser problème, mais dans ces rares cas difficiles, reste la deuxième arme secrète…

Le fichier RAW! Si vous prenez vos images en RAW, le gros avantage sera de pouvoir corriger la balance des blancs à loisir après la prise de vue, aussi simplement qu’en bougeant un curseur!

Certains logiciels, tels que Lightroom (désolé Oud_s ^^), permettent même de faire une balance des blancs avec une simple pipette ou l’on ira chercher sur la photo l’endroit idéal pour faire sa balance!

Mais utiliser ce genre de pipette est soit pour se faciliter la vie, soit pour chercher quelque chose d’un peu plus précis. Car votre oeil suffit largement à ce réglage en postproduction.

Mais tout ça devrait vous faire réfléchir et vous poser une question…

Pourquoi une balance des blancs parfaite?

La question peut sembler presque stupide, mais au contraire elle a toute son importance!

La balance des blancs influe directement sur le rendu d’une image, et sur ce qu’elle transmet et les sensations que l’on éprouve en la regardant.

Je vous en parlais justement dans mon article sur la neige (voir ICI) où je vous expliquais qu’en jouant sur la température couleur d’une photo on peut donner cette impression de froid.

Jouer avec la balance des blancs permet de donner une certaine ambiance à une image.

Par exemple le portrait ci-dessous où la balance des blancs a été très légèrement corrigée pour que la température couleur soit plus sur les jaunes et donne cette impression chaleureuse.

On voit aussi ce genre de chose à la télévision, où certaines séries abusent de l’effet pour donner une ambiance choisie.

Je pense entre autres au Expert Miami ou les couleurs tirent très (trop!) fortement sur les oranges pour qu’on ressente le côté torride et chaleureux de Miami.

Il ne faut donc pas se gêner et corriger la température couleur pour qu’elle serve votre photo et que vous puissiez obtenir ce que vous désirez.

On peut même aller plus loin, en mélangeant les températures couleur pour faire ressortir une impression ou une sensation.

Ainsi, la photo d’illustration avec son extérieur qui tire sur le bleu et l’intérieur de la cabine clairement dans les tons chaud donne bien cette sensation de froid à l’extérieur et de bien-être, voir de chaleur à l’intérieur.

Pour ce faire je n’ai pas hésité à faire un double développement pour une fois obtenir les couleurs froides, puis les couleurs chaudes. J’ai ensuite assemblé les deux images sur Photoshop.

Voici en fait la photo d’origine brute de capteur sans la moindre retouche:

Conclusion:

La balance des blancs est avant tout un outil pour améliorer vos photos et ne dois jamais être un frein à votre créativité.

À moins que vous ayez besoin pour un projet très spécifique des couleurs exactes que vous voyiez, la plupart du temps la balance des blancs n’est pas un problème en soi.

Par expérience, je peux dire que presque tous les photographes qui la corrigent le font à des fins esthétiques.

Donc, gardez à l’esprit que votre appareil délivre des fichiers qui la plupart du temps sont justes, et que si en plus vous shootez en RAW, vous aurez tout loisir de corriger en postproduction.

Alors, la prochaine fois que vous verrez dans un magasin photo, ou dans un magazine, la vente de chartes de gris, vous pourrez passer votre chemin en souriant!

Petite astuce supplémentaire, si un jour un besoin impératif d’une charte gris se faisait ressentir, la plupart des sacs photo (c’est le cas de Lowepro ou encore Tamrac et d’autres) ont un intérieur gris neutre!

Sur ce, bon courage et bonnes photos!

Cet article m’a été inspiré par de nombreuses conversations que j’ai eues avec mes élèves lors de nos cours photo.

Quand je leur demande ce qu’ils font de leurs photos (en dehors des photos de famille) la plupart me disent qu’il n’en font rien.

Quand je leur demande s’ils les montrent, ils me répondent presque tous: parfois, quelques unes à certains de mes proches… Et c’est tout!

On pourrait alors se poser une question, au fond, pourquoi, fait-on de la photo? …Ou plutôt, à quoi destine-t-on les images que nous produisons?

Cela peut paraitre simpliste comme question, mais avez déjà réfléchie (en dehors de nos lecteurs pros) quel sera la destination finale d’une image que vous êtes sur le point de prendre?

Répondre à cette question va vous faire entrevoir plusieurs choses…

Je prends des photos pour mon plaisir unique:

Si vous êtes dans cette catégorie de personnes qui se disent:

Je fais des photos pour moi, c’est mon plaisir, et je n’ai pas envie de partager (sauf exception).

Il faut alors vous poser une autre question: pourquoi?

Les réponses peuvent être diverses et fortement motivées, mais si au milieu d’elles une de ces réponses est que vous n’avez pas envie de soumettre vos images au jugement des autres à cause d’une certaine crainte, il faudra peut-être faire quelque chose pour travailler sur cette crainte!

Nous en parlerons un peu plus bas.

Je ne sais pas, je n’y ai jamais vraiment réfléchi:

Je vous rassure, c’est une des réponses les plus fréquentes.

La plupart des amateurs font des photos sans un but réel, sans un public ”cible”, sans réfléchir à leur destination.

Je vois un beau paysage, alors je le prends en photo en essayant d’obtenir la meilleure image.

Je vous rassure (hé oui, encore) ce n’est de loin pas une mauvaise chose, au contraire, mais n’y aurait-il pas une autre façon de voir ce fameux paysage et de le mettre en valeur si on avait réfléchie la photo pour une destination ou un public précis?

Je pense que vous avez déjà plus ou moins compris ce que je voulais dire.

Un public une photo:

Imaginons une scène imaginaire <-(je trouve cette phrase stupide, mais elle m’amuse )

On estdans un parc, on voit des pigeons qui vaquent à leurs occupations.

On décide de prendre la photo.

Dans la première version, on va prendre une photo pour une photo. Juste pour le plaisir de l’œil.

On va choisir le plus beau des pigeons, attendre que l’arrière-plan soit au top, faire ses réglages pour une lumière optimale, et nous voilà avec une superbe photo de pigeon.

Maintenant, on voit la même scène, mais on veut poster la photo sur un forum spécialisé ”nature”.

Comme c’est un ”simple” pigeon, on va attendre un comportement typique, du genre une interaction sociale avec un autre congénère.

Puis la troisième version, vous voulez illustrer un article sur les nuisances de ses volatiles.

Vous allez leur tirer le portrait quand ils seront posés sur une poubelle avec comme font quelques personnes qui se prélassent au soleil.

La question se pose alors, si vous ne postez pas dans un forum nature, si vous n’écrivez pas un article sur la nuisance des pigeons, est-ce que pour autant les deux photos qui auront été faites dans cette optique seront sans intérêt?

J’espère bien que non!

Faire vivre ses photos:

Le plus souvent les amateurs de photo ont quelque part envie de partager leur passion, de montrer leurs images, d’avoir le retour d’autres personnes.

C’est ce qui fait au final la base de la photo, le partage d’un instant.

Le moyen de partager le plus simple reste encore le net, bien que nous verrons plus bas qu’on peut aussi partager d’autres façons, mais sur internet on touche un public large.

Parmi tous ceux qui ont envie de le faire, il y a deux catégories de personnes:

1. Ceux qui passent le pas et se lancent.
2. Ceux qui n’osent pas se lancer

Dans la deuxième catégorie, le plus gros problème est souvent la peur de confronter son travail aux regards des autres.

On a peur que les gens n’aiment pas, qu’ils ne comprennent pas, qu’ils ne s’intéressent pas et qu’ils ne regardent même pas.

On compare souvent son travail avec celui de ”photographes” ou de photos que l’on admire en se disant: jamais je ne pourrais faire quelque chose d’aussi bien.

Pourtant, ne pas montrer ses images, refuser de les partager à cause de ce genre de crainte n’est pas la meilleure des idées. Car cela nous empêche de progresser grâce au regard objectif des autres.

La photo est avant tout une passion de partage, une image doit vivre, et pour cela elle doit être vue.

Une image qui reste coincée dans un disque dur est une image qui n’a pas d’histoire.

Alors oui, on a tous le risque de ne pas plaire, de ne pas forcément trouver immédiatement son public, mais cela ne doit pas être un frein!

Trouver son public:

Une des choses difficiles quand on se lance, c’est de trouver son public.

C’est pourquoi, bien que l’on trouve des dizaines de solutions pour mettre en place une galerie, je conseillerais de commencer à faire ses armes sur des forums.

Cela aura plusieurs avantages.

• Avoir la certitude d’obtenir un retour, il y aura toujours quelques membres d’un forum pour vous donner leur avis.
• S’améliorer grâce aux commentaires des gens sur vos images (voir l’article suivant: La critique, qui sera un outil précieux).
• Partager avec d’autres sur votre passion.
• Trouver le futur public de votre future galerie ou blog.

Bien entendu, la principale difficulté ici sera de trouver le bon forum, mais votre serviteur pense à tout et vous a déjà fait un article (sarcastique) sur le sujet, que je vous conseille de lire si ce n’est pas déjà fait: La jungle des forums

Une fois que l’on aura fait ses armes sur le forum, qu’on aura appris certaines choses, entre autres partager sans crainte, on pourra se lancer dans un projet plus complet, comme une galerie ou un blog.

Partager ses images:

Comme je vous l’ai dit plus haut, il y a plusieurs solutions pour présenter ses images une fois l’étape forum passé.

Des galeries spécialisées comme FlickR, 500px, ou encore des plates-formes de blog (je vous conseille encore une fois de lire un article que j’avais écrit sur le sujet: Blog photo, tout ce qu’il faut savoir).

Entre votre activité sur les forums, votre galerie ou autre site, vous aurez une belle exposition sur le net, des retours certainement intéressants, et de là, une belle possibilité d’avancer dans votre passion.

Mais il reste aussi la version la plus traditionnelle, l’image imprimée.

Ainsi, partager de belles images au travers d’un support papier, avec une vision bien différente d’un écran, permet aussi d’avoir beaucoup de plaisir.

Je ne parle pas d’imprimer ses photos de vacances pour les partager avec la famille, mais bien de penser et imprimer ses plus beaux clichés, et pourquoi pas ses séries d’images ou reportage à travers un livre photo.

Quoi de plus savoureux qu’un beau tirage grand format sur du papier de haute qualité, ou qu’un magnifique livre photo dont on est l’auteur!?

Une très sympathique façon de partager sa passion et de faire vivre ses images.

Conclusion:

Quelle que soit votre façon de le faire, que ce soit au travers d’internet, ou sur papier, partager ses images, et à travers elles sa passion, est capitale pour tout amoureux de la photo.

Cela peut paraitre une évidence pour certains, mais pour beaucoup ce n’est pas si facile d’envisager de faire une telle chose.

Ce que je peux dire, c’est que ça ne coûte rien d’essayer, le plus gros risque que l’on prend c’est au pire de connaitre quelques petites déceptions, mais surtout d’obtenir beaucoup de satisfaction!

Si ça peut nous faire progresser, il n’y a pas de mal à parfois accepter de se faire plaisir, et pourquoi pas même flatter un peu son égo…

Enfin, tant que l’on reste dans des limites raisonnables, mais ça ce sera le sujet d’un prochain article!

Bon courage et bonnes photos!

Dans le défi des lecteurs, le moment préféré de tous, c’est celui des votations, car même ceux qui n’ont pas participé peuvent donner leur avis !

Et cette fois les règles ont changé, explication un peu plus bas.

Nous sommes 26 courageux à avoir participé et relevé ce défi qui semble en avoir inspiré plus d’un, une des plus grosses participations depuis la création du jeu !

En espérant que ça vous porte bonheur…

Mais assez parlé, passons aux choses sérieuses…

Le sujet du défi était ”Packshot” ; sujet que vous avez plébiscité !

Noter les images :

Une nouvelle façon de donner son avis sur les images a été mise en place à l’essai cette fois-ci ! Lisez attentivement l’explication ci-dessous.

Dans un esprit de justice et d’égalité pour chaque participant, vous n’allez plus devoir voter pour trois de vos photos préférées, mais donner une note à chacune d’elle.

Je vous conseille donc de prendre de quoi noter, puis d’admirer les photos de tous les par­ti­ci­pants, qui se trouvent dans la gale­rie ci-dessous (cli­quez sur la pre­mière image pour les voir en grand, je vous conseille d’utiliser la touche F11 ou shift+cmd+F sur Apple, pour pro­fi­ter au mieux de l’affichage grand for­mat ; vous pouvez aussi ouvrir la galerie dans un deuxième onglet de votre navigateur, afin de noter les photos au fur et à mesure de votre visionnage) puis de noter à côté de chaque numéro une note entre 1 et 5, correspondant à cela :

1. Insuffisant : pas dans le thème, mauvaise gestion de la lumière, mauvais cadrage… etc
2. Assez bien : Il y a du bon, mais plusieurs éléments ne sont pas d’un assez bon niveau.
3. Bien : C’est pas mal, quelques petits détails pourraient encore améliorer les choses.
4. Très bien : C’est vraiment au top, il ne manque presque rien pour que ce soit parfait.
5. Excellent : Rien à dire, c’est beau, c’est propre on adore !

Ensuite, il vous suffit de donner vos notes grâce aux petits formulaires ci-dessous. Merci d’avance pour jouer le jeu, et noter toutes les photos !

Quand les votations seront finies, je ferai une moyenne et je pourrai ainsi désigner le gagnant.

Si vous avez des questions, n’hésitez pas à demander dans les commentaires, je me ferai un plaisir d’y répondre.

Voilà un sujet photo tout à fait particulier et qui génère beaucoup d’idées reçues, qui pour la plupart sont fausses.

Avant même de commencer à vous expliquer comment faire pour obtenir un portrait en Low Key, je me dois de vous donner la définition exacte de ce style particulier en n’oubliant pas de balayer au passage les fausses informations que vous aurez pu entendre ou lire !

Car malheureusement, comme pour le High Key quand on cherche des infos sur le sujet on tombe sur des choses franchement farfelues et pour la plupart erronées !

À l’heure actuelle, si l’on tape les mots clefs : ”Photo Low Key” dans Google les liens que l’on trouve sur la première page donnent tous de fausses informations !

Mais voyons ça plus en détail.

Avant d’entrer clairement dans le vif du sujet, il faut préciser que ce que nous allons voir aujourd’hui est de la photo typiquement studio.

Cela ne change pas fondamentalement les choses, mais ça implique de votre part un soin particulier sur toutes les facettes de la prise de vue. Car ici, pas de lumière extérieure, pas de chose ou d’élément non contrôlé, tout ce qui fera votre photo viendra de vous. De la lumière à la pose du modèle, le tout devra être pensé et réfléchi à l’avance.

Ne vous lancez pas dans une séance studio, si vous n’avez pas déjà une bonne idée de ce que vous voulez obtenir !

Sans ça vous serez certainement déçu d’un résultat aléatoire dans un contexte où l’on est sensé contrôler presque tous les éléments.

Qu’est-ce que le Low Key :

Voici ce qui semble être la meilleure définition du Low Key :

Image dont la tonalité prédominante se situe dans les valeurs sombres.

Pourtant, quand on cherche sur internet, presque la totalité des sites vont vous donner comme définition quelque chose du genre :

Le low-key, c’est un style d’éclairage dans lequel seule une partie de l’image est éclairée. Le reste est laissé dans l’ombre.

En réalité, un Low Key se définit par la prédominance de tons foncés, et non pas par le type d’éclairage.

Beaucoup pensent que le Low Key est un clair obscur, sauf que si le style clair obscur est un Low Key, tous les low Key ne sont pas des clairs obscurs.

… Difficile n’est-ce pas ?

Ne cherchez pas trop à vous compliquer la vie, gardez simplement en tête que le Low Key est une image à prédominance sombre, qui peut comporter toutes sortes de tons, tant que la majorité de ceux-ci sont dans le sombre.

Pour vous faire une meilleure idée, l’image d’illustration est un Low Key, tout comme l’image ci-dessous :

Cliquez sur l’image pour la voir en grand format.

Comment obtenir un Low Key ?

Comme on vient de le voir, ce style demande de travailler dans les tons sombres, on va donc privilégier les fonds foncés.

Ce n’est pas obligatoire qu’ils soient noirs, mais pour débuter ce sera plus simple d’utiliser un fond noir.

Je vous rassure, pas besoin de dépenser des fortunes, un simple drap accroché à un mur et le tour est joué !

Où cela devient plus délicat, c’est pour l’éclairage de la scène.

La plupart des sites vont vous expliquer qu’un seul flash sera largement suffisant.

Pondérons ces propos en disant : C’est possible avec un flash, mais difficile, plusieurs sources lumineuses seront plus efficace.

Par exemple, voici le plan d’éclairage de la photo qui se trouve juste au-dessus :

Deux flashs studio avec softbox (pour adoucir la lumière) et deux réflecteurs pour éclairer le sujet, ainsi qu’un flash cobra derrière le modèle pour éclairer le fond.

On voit que cette photo a demandé un peu plus qu’un seul flash…

Mais, je vous rassure, je n’ai pas changé d’habitude, je vais vous expliquer comment faire au plus simple.

Nous verrons également comment procéder avec des éclairages plus complexes.

L’exposition (Flashmètre) :

L’expo est un des points clefs, il va falloir y faire particulièrement attention.

En premier lieu, quand on fait du studio, on essaye toujours de travailler avec les valeurs iso les plus basses et surtout en RAW pour garder le maximum d’info et ainsi avoir un contrôle absolu de l’expo quand le moment sera venu de développer vos images.

Pour mesurer parfaitement votre expo, l’idéal serait bien entendu d’utiliser un flashmètre.

Grâce à lui on peut faire des mesures fines et précises de la lumière incidente (celle qui vient sur le sujet, et non pas celle reflétée par le sujet, comme le ferait la cellule de votre reflex) sur des points donnés, aussi bien sur le modèle que sur le fond.

Malheureusement, pour la plupart d’entre eux, mes lecteurs ne possèdent pas un tel instrument, il faudra donc faire sans.

Dans ce cas, le mieux reste encore de shooter le boitier branché sur un ordinateur portable pour vérifier le résultat en direct sur un écran de bonne qualité.

Dans tous les cas, plus vous serez soigneux avec votre exposition, meilleur sera le rendu.

Travailler en mode M :

En studio, quand on utilise des flashs, on se doit de travailler en mode manuel.

En effet, après avoir trouvé la meilleure exposition, il faut impérativement garder les mêmes valeurs.

1. On trouve l’ouverture qui convient pour la PDC que l’on désire.
2. On trouve la vitesse d’obturation qui se marie bien avec la puissance de nos flashs.
3. On reporte ces valeurs en mode M et on ne bouge plus !

Étant donné que ce sont les flashs qui fournissent la lumière en quantité désirée, la vitesse d’obturation n’a que peu d’importance. Quant à l’ouverture, elle ne doit être réglée qu’en fonction de la profondeur de champ !

Le maitre mot en studio reste donc le mode manuel !

L’intensité des flashs et la lumière ambiante :

Avec les flashs cobras modernes, l’intensité de ceux-ci se règle automatiquement selon la scène et la lumière ambiante.

De ce fait, et pour avoir un contrôle parfait de l’éclairage, il faudra impérativement régler vos flashs cobras manuellement.

La question ne se pose pas avec les flashs studio, dont on règle forcément l’intensité soi-même.

Une des grandes inquiétudes de ceux qui commencent le studio, c’est de savoir qu’elle sera l’influence de la lumière ambiante qui existe déjà dans la pièce.

Vous pouvez vous rassurer à ce sujet, car à moins d’éclairer votre pièce avec un spot de 5’000 Watts, cette lumière sera toujours plus faible que celle produite par vos flashs.

Pour vous en convaincre, il vous suffira, une fois que tous vos réglages boitier et flash seront faits, de déclencher votre appareil sans flash.

Si la photo est noire ou presque, c’est que la lumière ambiante n’aura pas de conséquence sur votre image.

Avec un seul flash Cobra :

Pour obtenir un Low Key de qualité, le principe de base est d’utiliser la lumière pour modeler le portrait.

Le placement des sources et leur intensité sont primordiaux et peuvent tout changer.

Avec un seul flash, on va devoir un peu ruser et utiliser un accessoire magique, le réflecteur !

Pas besoin d’en acheter un, on va le fabriquer maison de façon très simple.

On a besoin que le réflecteur soit grand, au moins 80*60cm. Pour le fabriquer on va prendre un carton d’emballage (du type qu’on utilise pour envoyer des colis), l’aplatir et y mettre du papier alu que l’on va maintenir avec du ruban adhésif.

Et nous voilà avec un réflecteur de très bonne qualité pour lequel on n’aura dépensé presque rien.

Il y a bien entendu des dizaines d’autres façons de fabriquer un réflecteur maison, à vous de voir si vous avez, ou si vous trouvez de meilleures idées.

Maintenant que l’on a notre réflecteur, nous pouvons penser à nous occuper de notre flash.

La première difficulté va être de faire le maximum pour éviter d’éclairer le fond.

Si vous mettez votre flash en direction de votre sujet, qui est lui-même placé devant votre fond noir, celui-ci, éclairé par le flash, va vite devenir un fond gris, aussi noir soit-il à l’origine !

Pour éviter cela, nous allons essayer d’orienter la lumière de notre flash afin qu’elle ne touche pas, ou presque pas, le fond.

Le plan d’éclairage ci-dessus n’est pas à prendre au pied de la lettre. Il est ici pour vous orienter dans le placement de votre matériel.

Comme on peut le voir, le but est d’éclairer le sujet, et non pas le fond.

Le flash cobra (qu’il faudra impérativement diffuser, par exemple à l’aide d’un mouchoir en papier) ici placé à un peu moins de 45° par rapport à l’objectif, est orienté de façon à éclairer le côté gauche du modèle ainsi que le réflecteur, qui lui va renvoyer une partie de la lumière sur le côté droit du sujet, qui sans ça aurait été trop dans l’ombre.

À vous de chercher les meilleurs emplacements, réglages et autres, pour obtenir un éclairage qui vous convient.

N’hésitez pas à changer la position du réflecteur, l’orientation du flash, sa puissance, de déplacer votre modèle, afin d’obtenir ce vous désirez.

Petite précision, si vous avez un appareil tel que le 600D ou autre 7D (de même chez Nikon) qui gère les flashs à distance depuis leur flash pop-up, n’hésitez pas à vous offrir de la liberté et déportez le flash !

Multiflash (Cobra et Studio) :

Cliquez sur l’image pour la voir en grand format.

Si vous avez la chance d’avoir plusieurs flashs cobras, ou encore des flashs de studio, vous pourrez cette fois modeler la lumière avec beaucoup plus de finesse.

Ici, on va garder simplement le même principe que pour le flash unique, mais en ajustant chaque source pour qu’elle opère de façon précise et qu’elle joue un rôle dans la composition et le rendu final.

Chaque scène étant particulière, chaque portrait étant unique, il faut travailler sa lumière en fonction de vos attentes.

Comme il y a des dizaines et des dizaines de façons de modifier une lumière, comme il y a une infinité de possibilités de placer ses flashs par rapport au fond et au sujet… etc, on peut dire qu’il n’y a pas vraiment de recette toute faite.

Il suffit de garder la même façon de penser que pour le flash unique.

Cela peut sembler simpliste de ma part de dire que l’on garde le même principe, mais c’est pourtant bien la façon de procéder.

• Ne pas directement éclairer le fond avec les flashs qui éclairent le sujet (cela doit se faire à part dans le Low Key si on désire autre chose qu’un fond noir).
• Modeler la lumière en additionnant les différentes sources (avec flash, diffuseur, parapluie, softbox, réflecteur… etc.)
• Bien vérifier son expo pour rester dans des valeurs sombre sur la majorité de l’image (ce qui n’interdit pas les tons clairs tant qu’ils ne prédominent pas).

Pour vous faire une idée, je vous mets ci-dessous le plan d’éclairage de la photo d’illustration, ainsi qu’une photo du ”Making-off”.

Comme vous pouvez le constater, j’ai gardé le même principe de base. La disposition des éclairages change par rapport aux autres plans d’éclairages présentés dans cet article, mais il est toujours dans le même esprit.

Il ne faut pas hésiter à faire preuve d’imagination pour obtenir ce que l’on veut au final.

Par exemple, on peut remarquer sur la photo d’illustration de l’article que le bas de l’image, là où l’on voit le t-shirt rouge de la petite fille, est légèrement plus foncé.

Ceci n’a pas été obtenu en post-traitement, mais en jouant sur la vitesse de synchro de mon boitier.

En effet, ma synchro X est limitée à 1/300 de seconde. J’ai donc réglé la vitesse sur 1/320 de seconde pour que le rideau de l’obturateur assombrisse très légèrement le bas de l’image.

On peut aussi voir sur la photo du making-off que le fond est constitué d’un simple drap noir et que mon réflecteur est fait maison.

Un peu d’astuce est un gros plus pour obtenir ce que l’on désire.

Post-traitement :

Quand vous avez pris toutes vos photos, n’oubliez jamais qu’elles ne sont pas encore développées, et qu’il leur faudra passer par la moulinette d’un programme pour en tirer le meilleur.

Plus vous aurez été appliqué à la prise de vue, moins vous aurez de travail en post-traitement.

Les choses que vous devrez corriger devraient se résumer à cela :

• Petite retouche des imperfections de la peau (mais un bon éclairage ainsi qu’un bon maquillage devraient très largement limiter cette partie) toutefois, voici le lien d’un tuto que j’avais fait sur le sujet : Tuto Photoshop rendre la peau plus nette
• Contrôle de la balance des blancs pour avoir une température couleur qui correspond à l’idée que vous vous faites de votre image.
• Contrôle de la colorimétrie, du contraste et de l’accentuation.
• Ajustement très léger de l’expo (surtout si elle n’a pas été calculée avec un flashmètre).

Normalement, si vous avez bien suivi mes conseils, vous ne devriez pas avoir plus de choses à faire.

Conclusion :

Si vous êtes arrivé au bout de cet article un peu intense, je ne peux que vous féliciter.

J’espère surtout qu’il vous aura donné l’envie de vous essayer au studio, plus particulièrement au style Low Key.

Malheureusement, mon article est naturellement loin d’être exhaustif, bien que j’aie essayé d’être le plus complet possible.

Si vous avez donc des questions, des besoins de précisions, ou même des astuces et méthodes auxquels je n’aurais pas pensé, n’hésitez pas à m’en faire part dans les commentaires.

Sur ce, je vous dis bon courage et bonnes photos !

Aujourd’hui je suis de très bonne humeur, pour plusieurs raisons, mais j’ai envie de faire mon boudeur… avec le sourire cela dit ! En fait cela fait longtemps que je n’ai pas poussé de petits coups de gueule, ou que je n’ai pas exagérément caricaturé les traits, parfois amusants, des photographes.

Mais je m’en vais de ce pas rétablir ce manquement !

Avant pourtant, permettez-moi de partager les quelques raisons qui font ma bonne humeur du jour !

Darth en mode Happy :

À l’heure où vous allez lire ces lignes, je serai en train de m’amuser avec un nouveau jouet que j’ai reçu ce matin, je veux parler d’une superbe softbox octogonale de 135cm !

Cette petite merveille va me permettre de faire les photos de fin de grossesse de ma sœur, toute la famille est réunie pour l’occasion, un vrai bonheur que je me ferai un plaisir de partager avec vous dans un prochain article en vous offrant quelques conseils sur les photos de maternité !

Mais les bonnes nouvelles ne s’arrêtent pas là, samedi prochain (le trois décembre pour être précis) je vais rencontrer plusieurs photographes que j’ai connus en partie grâce à mon blog, mais surtout grâce à Twitter !

Je suis donc très heureux de passer une journée avec des passionnés avec qui je partage tout au long de l’année sur le net.

Et avec un peu de chance, mes nouvelles cartes de visite devraient arriver la semaine prochaine !

Bref… je vais avoir une semaine de folie !

Maintenant que j’ai fini de vous embêter avec mes petites joies de la semaine, voici ce que vous attendez tous, mes coups de gueule !

Commençons avec un sujet récurrent, les soupçons…

Les retouches :

Ce qu’il y a de bien avec le numérique, c’est que de plus en plus de personnes se passionnent pour la photo.

Mais comme toute médaille a son revers, il faut avouer que de plus en plus de gens sont suspicieux, et dès qu’ils voient une photo un peu travaillée, ils pensent qu’il y a eu retouche.

Prenez la photo d’illustration, en toute sincérité, mis à part ceux qui connaissaient l’histoire de cette photo, avouez que la plupart d’entre vous avez pensé à une retouche pour le vignetage !?

Désolé de vous décevoir, mais ce n’est pas le cas !

La seule retouche qu’a subi cette photo est une simple accentuation pour le web, et c’est tout.

Le vignetage est tout à fait naturel, c’est un simple effet obtenu… Non, je ne vais pas vous donner la solution… Je vous invite plutôt à deviner comment j’ai fait ! Faites vos propositions dans les commentaires

Le problème, c’est que de plus en plus on doit se justifier sur les images que l’on fait, car pour beaucoup les photos sont passées à la moulinette d’un programme.

Je me dis quelquefois que les personnes qui insinuent que la photo qu’on leur présente est ainsi uniquement à l’aide de retouches, au final, ne doivent pas être capables de présenter une photo autrement qu’en ayant recours à des artifices !

Ce qui ne devrait plus nous vexer, mais au contraire être pris comme un compliment ! Sans le vouloir, ils nous disent :

Ta photo est tellement bien, que moi je ne pourrais pas la faire sans utiliser un programme de retouche !

Alors moi je dis, MERCI !

Critiqueurs et adorateur médium :

Voilà une catégorie de photographes que j’adore tout particulièrement !

Comment les reconnaitre ?

C’est facile, prenez une info importante pour la photo, à tout hasard la sortie future d’un nouveau boitier, ouvrez un topic dans un forum, et vous verrez apparaitre ces personnages.

Leurs capacités sont extraordinaires, ils sont capables de prédire tous les défauts ou qualités d’un appareil photo, alors qu’aucun exemplaire digne de ce nom n’existe et que personne n’a eu ledit appareil en main !

Ils parlent de la qualité des clichés, bien qu’aucune image officielle tirée de l’appareil dans un format qui permet d’apprécier les défauts ou les qualités n’a été publiée.

Il parle de qualités et de défauts de la mécanique, des fichiers, de l’ergonomie, de l’autofocus, de l’expo, j’en passe et des meilleures, alors qu’aucun d’entre eux n’a pu avoir l’appareil entre les mains !

Attention, il n’émettent pas des hypothèses en se basant sur les caractéristiques de l’appareil, ils nous offrent des affirmations comme s’ils avaient pu tester le fameux engin !

Ils se divisent comme souvent en trois catégories :

1. Le Pro — Fan invétéré défend corps et âme la marque, avançant des arguments qu’il a trouvés Dieu seul sait où.
2. L’Anti — Qui peut être équipé de la marque, ou dans une marque concurrente, il va se donner tout le mal du monde pour prouver que l’appareil est une catastrophe se basant sur des arguments certainement trouvés au même endroit que le Pro.
3. Le Neutre — Il n’est ni pour ni contre, il cautionne les affirmations des uns et des autres, ou les réfute, toujours en se basant sur des arguments trouvés au même endroit que les deux premiers…

Ce qui est vraiment incroyable, c’est leur capacité à affirmer quelque chose comme si la marque les avait invités à venir tester le matériel en avant-première et qu’ils avaient de ce fait toutes les réponses.

Leur faire remarquer que certaines de leurs affirmations sont simplement des hypothèses, car personne ne peut vraiment savoir, revient à parler à un mur. Soit ils vous ignorent royalement, continuant leurs explications sans attacher d’importance à votre intervention. Soit ils vous expliquent par A + B qu’il est au final simple de déduire les choses en se basant sur… un tas de choses aussi logiques que leur façon de penser.

Le meilleur exemple en date, est l’annonce de la sortie du Canon EOS 1Dx sur le forum très connu de Chasseur d’Images.

Pour les plus courageux qui ont envie de se perdre dans une très longue lecture (plus de 60 pages pour presque 1’600 interventions) voici le lien : Et voici l’EOS 1DX

Vous y trouverez toutes ces catégories, de belles engueulades et encore plein de choses qui font qu’une telle discussion est aussi passionnante qu’un épisode des feux de l’amour…

Et pour finir…

Je vais vous laisser en ayant le cœur léger, j’ai fait mon office, et je pense que… C’est le moment pour moi d’aller jouer avec mon nouveau JOUET 135cm… je suis fan !

Bon courage et bonnes photos !

Article Invité

Chers lecteurs et lectrices, j’ai le plaisir aujourd’hui de vous présenter un ”article invité” écrit par Régis Moscardini l’auteur de l’excellent blog www.auxoisnature.com

Je vous souhaite beaucoup de plaisir à la lecture de ce billet, qui j’en suis certain va beaucoup vous plaire !

Pour figer une attitude intéressante, la clé est donc l’instant du déclenchement. Réussir à capter des expressions qui font la différence résulte de nombreux facteurs.

Et comme en photographie animalière il n’y a pas de secret, je vous propose de partager avec vous mon expérience du terrain et  mes lectures favorites.

Faut-il de la chance ?

Admirant une photo extraordinaire, je me souviens m’être souvent fait cette réflexion : « c’est pas possible ! Cette image est incroyable, le photographe a eu vraiment de la chance pour avoir l’animal comme ça !» Peut-être vous êtes-vous reconnus aussi n’est-ce pas?

Maintenant que je connais suffisamment la photo animalière, je sais que le facteur chance n’a qu’une toute petite part dans ce genre de photos. Pour s’en convaincre, il suffit juste de voir que les grands photographes sont capables de reproduire des clichés incroyables encore et encore. Et la définition même de la chance, du  bol, du pot, du hasard, appelez ça comme vous voudrez, c’est que ça n’est pas reproductible. Sinon, j’arrête de travailler tout de suite et je me mets à gratter les tickets de la Française des jeux !

Alors par quoi remplacer la chance ? Par des savoir-faire tout simplement.

Les ingrédients pour déclencher au bon moment.

Imaginons une recette de cuisine dont le résultat serait une photo d’un renard en train de muloter, c’est à dire bondir sur sa proie. Vous savez ? ni trop tôt, ni trop tard… au milieu en fait . Il vous faut des ingrédients, un peu de matériel, mélanger tout ça puis laisser reposer. Voici ce qu’il vous faut précisément pour réussir votre recette :

- La connaissance du sujet : impossible de faire sans. Pour comprendre, l’exemple de la libellule est parfait. Vous souhaitez en photographier une posée mais vous ne parvenez jamais à être au bon endroit. Voici l’astuce : une libellule a pour habitude de se poser, de repartir en vol, puis de revenir au même emplacement, répétant cette opération de nombreuses fois. Il suffit alors de se poster sur le lieu connu et… d’attendre ! La connaissance des espèces donne un avantage considérable : la capacité à anticiper les mouvements. C’est quasiment prévoir le futur (très proche ).

- S’imaginer des photos : je crois que c’est ce point qui fait la différence entre un bon photographe et un très grand. On peut aussi parler de talent. Photographier un rapace posé sur piquet n’est pas suffisant pour certains. Il leur faut trouver autre chose, faire dans l’inédit ! Alors faites pareil, mettez en route la boite à idée. Ce qui explique des photos incroyables comme ce renard polaire pris par le photographe américain Charles Glatzer dont le site est magnifique.

- La patience : ce n’est un secret pour personne ! Les photographes animaliers ont comme qualité numéro une la patience. Quand je fais une sortie en affût, je m’efforce d’y rester au minimum trois heures. C’est un exemple parmi d’autres. La ténacité doit vous habiter même pour photographier la libellule citée plus haut. Si vous vous relevez après seulement 5 minutes, l’insecte serait certainement revenu à la 6ème ! Cette phrase du naturaliste Robert Hainard est excellente : « Il faut être patient jusqu’à fatiguer la chance ».

- L’obstination : c’est le corollaire du point précédent. Avec ceci comme nuance, je parle ici de répéter vos sorties sur le terrain. Un photographe animalier est comme un cycliste qui doit multiplier les tours de vélo pour être compétitif. Je vous sors une autre citation, de Nicolas Boileau cette fois-ci (ça fait pas de mal un peu de culture ) « vingt fois sur le métier remettre votre ouvrage ». Certains d’entre vous doivent se dire que la photo n’est pas de la compétition. Oui, et c’est encore plus vrai en photo animalière pour limiter la pression humaine sur les espèces. Mais je pars du principe que lorsqu’on a une passion, on ne peut prendre du plaisir qu’en se donnant les moyens de progresser.

- La connaissance technique de son reflex : autrement dit la maitrise de l’appareil. Pour reprendre la recette de cuisine, imaginez l’avoir suivie scrupuleusement et vous retrouver en face du four sans savoir le faire fonctionner : ce sera raté ! L’exemple est peut-être tiré par les cheveux mais c’est en substance ce qu’il risque de vous arriver sur le terrain si vous ne contrôlez pas correctement l’appareil photo. Voici comment je fais pour bien connaitre et surtout bien utiliser ses fonctions :

- Je consulte le mode d’emploi (j’en connais beaucoup qui ne le font pas !)

- Je lis des revues spécialisées (Image & Nature, Nat’Images) et des livres dédiés.

- Pour appliquer cette belle théorie, je m’entraine ! La mangeoire à oiseaux en hiver est le meilleur terrain d’entrainement que je connaisse. Vous pouvez tenter les réglages à loisir sans aucune pression car les habitués des mangeoires reviennent toujours : varier les cadrages, tester la mise au point manuelle, shooter en rafale. D’ailleurs, ce dernier point est essentiel ! Il s’agit à mon sens d’un véritable apprentissage : laisser son doigt appuyé sur le déclencheur sans relâcher n’est pas instinctif. Trop souvent à mes débuts, je relâchais la pression dès le premier déclenchement. Pour optimiser vos chances de capter l’instant décisif, en-trai-nez vous à utiliser le mode rafale.

Il m’arrive aussi de m’exercer sur… les vaches ! Ces bovins sont justes assez craintifs pour donner un peu de piment à l’exercice et suffisamment curieux pour, encore une fois, tester votre matériel sans pression. En un mot, faites vos gammes !

Réunir tous ces ingrédients ne garantit pas pour autant de ramener un cliché hors du commun à chaque sortie (la nature est imprévisible). A l’inverse, parfois vous n’aurez rien prévu (ou pas grand chose) et… clic-clac, au détour d’un chemin, vous figez sur le capteur un brocard dans sa plus belle attitude. Ah ! Là c’est de la chance alors ! Hum, pas tant que ça : le hasard a juste bien voulu vous donner un coup de pouce en vous faisant rencontrer l’animal. Car vous étiez là et pas ailleurs ! Et votre expérience acquise tout au long de vos nombreuses sorties vous aura permis de rester calme, de faire les bons réglages notamment.

Capturer le moment décisif peut être dû à une prise de vue spontanée (parfois) ou au contraire bien pensée et réfléchie (souvent). Mais seul le résultat compte non ? Et puis personne ne vous oblige à révéler les conditions du cliché .

Illustration par l’exemple :

Cette photo de marmotte que j’ai prise dans les Alpes résume bien ce que vous venez de lire. N’étant pas un spécialiste des marmottes, je me suis bien documenté sur le sujet avant de me rendre dans les Alpes. Le livre d’Erwan Balança « Photographier les animaux, guide pratique » que j’ai testé sur mon blog donne d’excellents conseils. Ainsi, une fois sur place, je mets en pratique :

- La connaissance du sujet : grâce à mes lectures, je sais que les marmottes, si on s’en approche trop, rentrent vite dans un terrier pour en ressortir quelques minutes plus tard.

- S’imaginer des images : pour avoir vu à plusieurs reprises des marmottes grignoter des fleurs, j’avais à peu près le type de photo que je voulais. Ainsi, à chaque rentrée dans le terrier, j’en profitais pour peaufiner mon positionnement et mon cadrage.

- La patience et l’obstination : j’avoue que sur ce coup-là ces deux points n’ont pas été soumis à rude épreuve. Les marmottes du golf de Tignes (pour ceux qui connaissent) sont habituées à la présence humaine, alors pas besoin de se farcir des heures d’affût ! Mon seul mérite, c’est d’avoir su, quand même , avancer très doucement afin d’habituer cette jeune marmotte à ma compagnie.

- La connaissance de l’appareil : je ne regrette pas mes centaines de clichés d’oiseaux à la mangeoire ! A force de répéter ses gammes, ça finit par rentrer. J’ai shooté en rafale pour être sur de saisir ce moment : celui qui montre la marmotte ramassant délicatement sa fleur.

Vous avez une astuce dont je n’ai pas parlé ? Partagez-la dans les commentaires !

Et pour aller plus loin, je vous invite à télécharger sur mon blog Auxois Nature un recueil des meilleurs conseils de photographes animaliers.

De retour avec un nouveau défi, qui je le pense, fera plaisir à tout le monde!

Je pense qu’avec le thème de ce défi, un maximum de personne pourra participer.

En effet, pour ce faire, on a besoin de rien d’autre qu’un appareil photo, un objet et un peu d’imagination!

Préparez vous à réfléchir pour trouver le meilleur cliché qui ira avec:

Thème: Packshot

Pour ceux qui ne sauraient pas ce qu’est un packshot, c’est tout simplement mettre en avant un objet pour qu’il soit ”vendeur”.

C’est les photo de parfum que l’on trouve dans les magazines, mais aussi toutes les photos qui illustrent les catalogue de vente par correspondance, les flyer de vos super-marché, les prospectus de votre caviste…etc.

Le but du jeu est de sublimer un objet pour qu’il donne envie!

Je vous invite à faire travailler votre imagination et nous offrir la plus belle photo de votre collection.

Alors, tous à vos appareils photo !

Les règles:

Ce défi est bien entendu ouvert à tous, pour en connaitre tous les détails, je vous invite sim­ple­ment à lire ce qui va suivre:

Qui peut participer ?

Tout le monde peut envoyé une photo, pas de res­tric­tion si ce n’est qu’une seule photo par per­sonne (il y aura véri­fi­ca­tion des adresses IP et mail).

Com­ment participer ?

Il suf­fit de m’envoyer votre image qui aura pour sujet prin­ci­pal ”Packshot” à l’aide du for­mu­laire ci-dessous (une zone texte est à dis­po­si­tion si vous vou­lez me don­ner des pré­ci­sions) si vous ne rece­vez pas une confir­ma­tion par mail dans le quart d’heure sui­vant, ren­voyez une nou­velle fois l’image (avant véri­fier que la confir­ma­tion n’a pas été pla­cée dans les cour­riers indé­si­rables).

L’image devra faire 1’200 pixels dans sa par­tie la plus grande et ne devra pas peser plus d’un méga (1Mo).

On a com­bien de temps pour envoyer notre image ?

L’envoi des fichiers est ouvert jusqu’au 30 novembre 2011 23:59 (heure locale de Genève). Après cette date le for­mu­laire d’envoi sera retiré.

Quand et com­ment sera dési­gné le vain­queur du défi ?

Le gagnant du défi sera dési­gné par mes lec­teurs à l’aide d’un son­dage qui sera mis à leur disposition.

Les pho­tos de tous les par­ti­ci­pants seront expo­sées dans un article de façon ano­nyme. Elles auront un numéro qui leur sera attri­bué au hasard.

La date des vota­tions pour le défi vous sera communiquer ultérieurement. Vous aurez 72h pour voter pour vos trois images préférées.

Qu’est-ce qu’on gagne ?

Le droit de choi­sir le thème du pro­chain défi, les encou­ra­ge­ments de la com­mu­nauté, un bravo de tout le monde et la fierté d’avoir gagné ce défi !

Les envois sont terminé

Le dernier blog tour date de mars, ce qui fait plus de six mois que je ne vous ai pas offert de nouveaux liens pour une petite balade sur le net.

Mais l’attente a du bon, je vais vous proposer quelques bons coins, et je vous promets de revenir plus vite la prochaine fois… disons dans trois mois !

N’oubliez pas : Article participatif
Je met­trai à jour ce billet avec chaque article proposé dans les com­men­taires, pour peu que ce soit sympa et que je ne l’aie pas déjà posté.

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Maintenant que tout est dit, si on commençait…

Une vraie bombe ce Canon :

Un article sur la nouvelle bombe de Canon, le EOS 1Dx, écrit par votre serviteur et présenté afin que même les néophytes puissent comprendre les enjeux que représente la sortie d’un tel boitier. De plus, je dois bien reconnaitre que ce nouveau reflex de Canon me fait vraiment de l’œil, j’ai déjà commencé à économiser centime par centime pour me l’offrir l’année prochaine !

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Test du Sigma 150/2.8 DG EX OS HSM Macro :

On reste dans le matériel avec cet excellent test sans concession du Sigma 150/2,8 spécial macro. L’article est très détaillé et on peut compter sur la rigueur et les qualités du testeur, car le rédacteur de Aube-Nature n’est plus à présenter, on connait tous ses compétences dans le domaine de la photo ! Un très bon test à consommer sans modération !

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Gros plan sur la macro :

Pour rester dans le domaine de la macro, je vous invite à lire un article d’initiation à cette pratique. L’article est très complet et on y trouve quantité de petites astuces bien intéressantes et utiles. Quand on sait que l’auteur de l’article n’a que 14 ans et qu’il a déjà eu les honneurs de Na’Image, ça laisse songeur ! Un très bel article à ne pas manquer !

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Bien réussir ses photos de fleurs  :

Comme l’hiver pointe le bout de son nez, vous allez vous dire que l’article que je vous propose est un peu hors saison ! Ce n’est pas faux, mais rien ne vous interdit de vous entrainer avec des fleurs que vous aurez trouvées chez votre fleuriste en attendant de vous offrir dès le printemps venu un exercice grandeur nature. Voici donc un article très sympa et plein de bons conseils pour débuter dans cette pratique !

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La pose longue à travers le filé, l’explozoom et le camera tossing :

Dans le genre article à ne pas rater, celui-là figure en bonne place ! En effet, avec lui vous allez parcourir les différentes notions que sont le filé, l’explozoom et le camera tossing. Un billet très complet qui donne terriblement envie de s’y essayer !

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Comment choisir ses objectifs :

Ici, je vous propose non pas un article, mais une série d’articles très complets sur le choix des objectifs. Notre ami Pyrros nous explique par le détail toutes les choses importantes à connaitre pour faire le bon choix ! Une série d’articles très instructifs à ne pas rater. À noter que le lien que je vous donne pointe sur la liste des articles, et que le premier se trouve être le dernier ! C’est donc à lire en partant du bas.

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Choisissez manuellement votre capteur d’autofocus :

Sur le superbe blog de Laurent (un indispensable pour les débutants !) on trouve un article des plus intéressants sur le choix manuel du capteur. Une notion que j’essaye souvent d’inculquer à mes élèves. Ici, il nous explique de façon claire et amusante le comment du pourquoi, un article à lire absolument pour ceux qui laissent le choix des capteurs AF à leur appareil…

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Consternante présentation de Lightroom :

Tout simplement à lire avec un sourire carnassier aux lèvres ! Un article coup de gueule contre le journal ”Création Photo” et son hors série sur la retouche. Le Maitre ES Lightroom leur taille un short de façon magistral, du vrai bonheur à lire… si comme moi on a l’esprit un peu sadique !

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Concours photo : “Les côtes françaises” avec Philip Plisson :

Comment dire ? Une vraie bouffée d’air frais ? Le dessert de mon Blog Tour ? En tout cas, une chose est sûre, voici un superbe concours avec un Juré d’exception, car ce n’est autre que Philip Plisson, et pour couronner le tout, une série de lots des plus sympathiques ! S’il y a un concours à faire cette année, c’est sans aucun doute celui que Marc a organisé !

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Et pour finir, un peu de douceur en image, avec un TimeLaps tourné avec un Canon EOS 5D MKII. J’avoue que je suis jaloux d’une telle qualité d’image !

À consommer sans modération :

Liens des lecteurs :

Article proposé par Régis M  — Fabriquer un snoot. note 0600 :

Un article que je résumerai pas ÉNORME et surtout incontournable ! À lire absolument !

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J’attends vos propositions pour remplir cet espace…

Bonne navi­ga­tion, bon cou­rage et bonne photo !