La balance des blancs est un terme, une notion de la photo qui a la particularité d’être connu de tous (ou presque), mais qui reste quelque peut obscure. On sait à quoi cela sert, mais on sait moins comment cela fonctionne et comment vraiment l’utiliser, quel en sont les tenant et les aboutissants de cette fameuse WB, le raccourci pour White Balance en anglais.

Souvent mes élèves me demandent comment on gère la balance des blancs, qu’elle est son utilité et surtout comment mettre en pratique cet outil.

Je vais essayer de répondre à ces questions, mais pas tout à fait comme tout le monde.

En effet, il est très facile de trouver des infos sur la balance des blancs, en quelques minutes on peut obtenir toutes les informations nécessaires.

Mon orientation sera un peu différente, mais avant tout, remontons un peu dans le temps…

Un peu d’histoire:

À une époque pas si lointaine que ça, on faisait des photos avec du film argentique (certain, comme moi, continu encore aujourd’hui). Pour cela on devait choisir un film avec toutes les limitations qu’on lui connait:

Nombre de vues limité, iso fixe et.…balance des blancs fixe.

Les fabricants de négatifs devaient ruser pour que leurs films donnent des couleurs plus ou moins justes dans la plupart des situations. Bien que l’on pouvait choisir des films spécifiques pour certaines sources de lumière. Mais pour le grand public, ils devaient veiller à ce que leurs négatifs puissent être utilisé dans un maximum de situations.

Chose qui en réalité n’arrivait jamais!

D’ailleurs, cela avait une influence sur le rendu même des photos, qui selon la marque utilisée avaient une dominance de couleur assez net. Par exemple les négatifs de Kodak tiraient sur le rouge, alors que ceux de Fuji tiraient sur le vert.

Le monde du numérique est alors arrivé, avec lui la souplesse que l’on connait, régler les iso entre chaque image, limitation du nombre de vues qui s’envole, et surtout pour la chose qui nous intéresse aujourd’hui, la balance des blancs que l’on peut modifier à loisir!

Mais au fait, c’est quoi vraiment la balance des blancs?

Température couleur:

La balance des blancs est presque comme son nom l’indique le réglage de la couleur par rapport au rendu du blanc selon la température couleur.

En fait, la lumière n’est pas toujours la même. Selon sa source, elle aura plus ou moins ”colorée”, et influencera donc directement les couleurs de nos photos.

Cette température de la couleur est calculée en degré Kelvin.

On dit alors que 5’000K (lumière normée D50) correspond à une lumière parfaitement neutre sans qu’une dominance de couleur soit marquée. C’est à 5’000K que votre feuille blanche sera blanche sans qu’elle ne tire ni sur le jaune, ni sur le bleu.

Si la température couleur change, le sens de sa variation va influencer la perception de la couleur.

Si elle est en dessous de 5’000K, le rendu des couleurs sera froid et va tirer vers le bleu, alors que si elle est en dessus de 5’000K, cela va au contraire donner une rendue qui va tirer sur les jaunes.

On voit clairement le résultat sur l’image ci-dessus.

Pour mieux s’en rendre compte, voici un tableau des différentes sources de lumière et leur température couleur:

• 1000 — 2000 K : bougies
• 2500 — 3500 K : lumières tungstène utilisées dans les habitations
• 3000 — 4000 K : lever et coucher de soleil par temps clair
• 4000 — 5000 K : lampes néon
• 5000 — 5500 K : flash électronique
• 5000 — 6500 K : lumière du jour sans nuages
• 6500 — 8000 K : lumière du jour par temps nuageux
• 9000 — 10000 K : lumière du jour par temps très couvert ou orageux

Vous allez alors me dire: mais quand je regarde une feuille blanche, elle est blanche que je le regarde sous un néon, à la lumière du jour en plein soleil ou même sous un orage.

Je vous répondrais que vous avez raison, et c’est cette capacité de notre cerveau à ”corriger” la température couleur qui fait que l’on est souvent perturbé par les notions de balance des blancs.

Sauf à de rares exceptions, on voit toujours les blancs blancs, quelle que soit la température couleur de la source de lumière.

Pourtant, comme on peut le voir avec mes photos d’exemples, il y a bel et bien une différence.

Alors la question que l’on se pose, comment gérer tout ça?

Gestion des blancs:

Si vous demandez à des photographes experts comment gérer votre balance des blancs, ils vont partir dans un discours des plus impressionnant sur comment faire ses mesures en manuel, sur l’importance de restituer les couleurs justes, et donc de veiller à faire une bonne balance des blancs…etc.

Je vais lancer un gros pavé dans la mare et dire, que si j’adore tout le côté technique de ce genre de sujet et connaitre ces choses me passionne (et doit en passionner d’autres) la balance des blancs reste une notion que l’on doit connaitre, mais avec laquelle il est parfaitement inutile de se fatiguer les neurones!

Oubliez les chartes de gris neutre, oubliez les températures couleur, oubliez tout ce qui est compliqué.…car c’est tout à fait inutile dans le 95% des cas!

En fait, vous allez avoir deux armes secrètes grâce auxquelles vous n’aurez plus de soucis à vous faire et de questions à vous poser!

1. Les capacités de votre appareil photo
2. Les fichiers RAW

Commençons par le premier des deux, les capacités de votre appareil photo.

Celui-ci fait une mesure automatique de la balance des blancs, et règle votre appareil au plus juste. Les seuls moments où il pourra vraiment se tromper, c’est avec plusieurs sources de lumière qui auront des températures différentes, ou alors certains éclairages typiques (comme les éclairages urbains, qui fonctionne à la vapeur de sodium et qui donne une lumière orange) qui pourront poser problème, mais dans ces rares cas difficiles, reste la deuxième arme secrète…

Le fichier RAW! Si vous prenez vos images en RAW, le gros avantage sera de pouvoir corriger la balance des blancs à loisir après la prise de vue, aussi simplement qu’en bougeant un curseur!

Certains logiciels, tels que Lightroom (désolé Oud_s ^^), permettent même de faire une balance des blancs avec une simple pipette ou l’on ira chercher sur la photo l’endroit idéal pour faire sa balance!

Mais utiliser ce genre de pipette est soit pour se faciliter la vie, soit pour chercher quelque chose d’un peu plus précis. Car votre oeil suffit largement à ce réglage en postproduction.

Mais tout ça devrait vous faire réfléchir et vous poser une question…

Pourquoi une balance des blancs parfaite?

La question peut sembler presque stupide, mais au contraire elle a toute son importance!

La balance des blancs influe directement sur le rendu d’une image, et sur ce qu’elle transmet et les sensations que l’on éprouve en la regardant.

Je vous en parlais justement dans mon article sur la neige (voir ICI) où je vous expliquais qu’en jouant sur la température couleur d’une photo on peut donner cette impression de froid.

Jouer avec la balance des blancs permet de donner une certaine ambiance à une image.

Par exemple le portrait ci-dessous où la balance des blancs a été très légèrement corrigée pour que la température couleur soit plus sur les jaunes et donne cette impression chaleureuse.

On voit aussi ce genre de chose à la télévision, où certaines séries abusent de l’effet pour donner une ambiance choisie.

Je pense entre autres au Expert Miami ou les couleurs tirent très (trop!) fortement sur les oranges pour qu’on ressente le côté torride et chaleureux de Miami.

Il ne faut donc pas se gêner et corriger la température couleur pour qu’elle serve votre photo et que vous puissiez obtenir ce que vous désirez.

On peut même aller plus loin, en mélangeant les températures couleur pour faire ressortir une impression ou une sensation.

Ainsi, la photo d’illustration avec son extérieur qui tire sur le bleu et l’intérieur de la cabine clairement dans les tons chaud donne bien cette sensation de froid à l’extérieur et de bien-être, voir de chaleur à l’intérieur.

Pour ce faire je n’ai pas hésité à faire un double développement pour une fois obtenir les couleurs froides, puis les couleurs chaudes. J’ai ensuite assemblé les deux images sur Photoshop.

Voici en fait la photo d’origine brute de capteur sans la moindre retouche:

Conclusion:

La balance des blancs est avant tout un outil pour améliorer vos photos et ne dois jamais être un frein à votre créativité.

À moins que vous ayez besoin pour un projet très spécifique des couleurs exactes que vous voyiez, la plupart du temps la balance des blancs n’est pas un problème en soi.

Par expérience, je peux dire que presque tous les photographes qui la corrigent le font à des fins esthétiques.

Donc, gardez à l’esprit que votre appareil délivre des fichiers qui la plupart du temps sont justes, et que si en plus vous shootez en RAW, vous aurez tout loisir de corriger en postproduction.

Alors, la prochaine fois que vous verrez dans un magasin photo, ou dans un magazine, la vente de chartes de gris, vous pourrez passer votre chemin en souriant!

Petite astuce supplémentaire, si un jour un besoin impératif d’une charte gris se faisait ressentir, la plupart des sacs photo (c’est le cas de Lowepro ou encore Tamrac et d’autres) ont un intérieur gris neutre!

Sur ce, bon courage et bonnes photos!

Merci tout d’abord à Darth de me laisser vous narrer mes débuts concernant la photo Infrarouge (IR pour la suite) sur son blog. Je vous invite à relire l’interview faite par Darth car tout a commencé pour moi en lisant cet article.

Evidemment il faut un filtre infrarouge avant de pouvoir se lancer, à moins d’avoir un boîtier modifié ou spécialisé pour ne faire que de l’infrarouge. J’ai donc commencé par acheter mon filtre, j’ai choisi un Cokin A007, j’avais le porte-filtre à disposition qui pouvait se visser sur mon 50mm f1.8 II. Les filtres Hoya R72 sont aussi une très bonne option mais je n’en ai pas essayé. Dès la réception de mon filtre, ce fut parti… vers les échecs. Je n’ai dans un premier temps rien obtenu d’exploitable. Je m’excuse d’avance pour le roman mais il y a tant à dire pour vous éviter les mêmes mésaventures…

l’infrarouge est une onde électromagnétique de fréquence inférieure à celle de la lumière rouge (et donc de longueur d’onde supérieure à celle du rouge qui va de 500 à 780 nm). La longueur d’onde de l’infrarouge est comprise entre 780 nm et 1 000 000 nm (ou encore entre 0,78 μm à 1 000 μm

Les capteurs des APN sont sensibles au proche infrarouge qui va jusqu’à 1400nm environ, au-delà il faut du matériel spécifique. Le proche infrarouge révèle, entre autre, l’activité chlorophyllienne qui ”transforme” l’été en hiver sur les clichés. Il ne permet par contre pas de capturer des images ”thermiques”.

Le filtre le plus populaire, le Hoya R72 a une coupure connue à 720nm. Les filtres Cokin et B+W semblent plus tolérants et auraient donc une coupure plutôt vers 695nm. Concrètement, le capteur de notre appareil va recevoir une partie du rouge VISIBLE entre 720nm (ou 695nm) et 780nm en plus de l’infrarouge.

Point clef: le matériel
Avant de vous lancer dans l’aventure, vérifier que vous avez le matériel adéquat, un bon filtre ne suffit absolument pas! Méfiez-vous des appareils ”récents”. Pour preuve, mon fidèle 50D est inapte à l’IR avec les filtres cités précédemment, ou alors il me faudra le faire modifier. J’ai pu emprunter le 350D que j’avais avant et qui est resté dans la famille. Pour que tout cela ne soit pas que des mots, rien de tel que la preuve par l’image:
 

A gauche une photo prise le même jour avec mon 50D, à droite avec le 350D. Les réglages étaient identiques à l’exception de l’ISO, le 50D ayant un meilleur filtre anti-IR devant son capteur, il était à 400 iso contre 200 pour le 350D. Malgré cela, on voit que la végétation reste très foncée, ceci alors que le 350D est en balance des blancs automatique. Ceci est dû au fait que le 50D a un bien meilleur filtre anti-IR, aussi l’exposition est majoritairement dû au rouge visible et la végétation reste donc foncée.

Tous mes premiers échecs étaient simplement dus à un mauvais couple boîtier/filtre. Cela m’a rassuré un peu, je n’étais après tout pas si nulle que ça, je n’avais pas tout à fait le bon matériel. Pour les boîtiers récents et l’IR, j’en parlerai un peu plus loin avec le filtre à 850nm.

Pour vous aider à savoir si votre appareil vous permet de faire de l’IR sans modification, c’est-à-dire sans ôter le filtre du capteur bloquant les infrarouges, j’ai trouvé ce site qui recense un certain nombre d’appareils et leur sensibilité à l’IR. On constate que le 350D est plutôt bien placé dans leur tableau. C’est ce tableau qui m’a redonné espoir et fait comprendre mes échecs avec le 50D.

Mais le boîtier ne fait pas tout! Ce même site a recensé aussi l’aptitude à l’infrarouge de plusieurs objectifs. En effet, les constructeurs optimisent leurs objectifs pour le spectre visible à l’oeil, pas l’infrarouge. Le 50mm f1.8 II est adapté, chance pour moi.

Maintenant que vous êtes en mesure de vérifier que vous avez le matériel adapté, vous pourrez acheter votre filtre plus confiant. Ensuite, il faut entrer dans le vif du sujet, faire des photos, avec votre trépied obligatoirement si votre boîtier n’est pas modifié.

Photos !
J’ai trouvé que cette partie n’était pas la plus difficile. Les indications de Roland (dans l’interview de Darth) sont tout à fait justes. Si vous-même ne voyez quasiment rien avec le filtre vissé, votre appareil, lui, est capable de faire la mise au point. C’est pratique, on ne s’ennuie pas et on fait confiance à son appareil. Pour ma part, ce fut un peu dur avec le 350D, je me suis bien habitué au mode ”live view” du 50D, qui est très pratique pour cadrer dans ce genre de situation. Il m’a donc fallu procéder à l’ancienne, enlever le filtre, cadrer et choisir le collimateur pour la mise au point, mettre le filtre.

Pour les réglages… manuel pour ma part, la priorité ouverture du 350D ne voulait pas franchir la barre des secondes. Je pense qu’il faut tâtonner un peu en prenant plusieurs photos, le temps d’acquérir un peu d’expérience avec votre appareil. Si l’histogramme de luminance vous donnera une indication, l’idéal reste l’histogramme RGB mais pas moyen pour moi de l’afficher sur le 350D, j’ai donc dû faire sans sur le moment et être vigilante. (snif avec mon 50D je n’ai pas ces soucis)

Faire la balance des blancs (BdB) sur de l’herbe est l’idéal, cela vous épargne du travail supplémentaire sur la retouche. Pour le faire, je vous renvoie au manuel de votre appareil. Dans le doute sur votre BdB, travailler en RAW, ce que je recommande fortement à ceux qui débutent.

Traitement
Vous avez eu un aperçu plus haut de ce qui sort du capteur, vous imaginez facilement qu’il y a du travail après la prise de vue. On est loin d’un simple réglage du contraste ou de la saturation, photoshop (ou gimp) sera votre allié… ou pas dans mon cas, je ne le connais pas bien. Vous pouvez faire une inversion via le mixage des canaux du Rouge et du Bleu, comme le propose la plupart des tutoriels de traitement d’une photo IR. Pour ma part, j’ai préféré un autre réglage, toujours via le mixage des canaux, qui remplace une couleur (vert par exemple) par 50% de ses consoeurs (rouge et bleu pour le vert), et ainsi de suite pour chaque couleur.

Ceci constitue le traitement de base, mais après il faut faire quelques ajustements de couleurs pour les plus doués avec photoshop, et bien sûr vos réglages habituels puisqu’il s’agit tout de même d’une photo, elle a le droit à son développement comme les autres. C’est à cette étape que je lâche photoshop car je ne m’en sors pas bien avec.

Pour vous donner une idée des étapes, de gauche à droite, brut en BdB automatique, BdB modifiée, rendu en fausses couleurs 50% des ”complémentaires”, N&B:

Pour le fun, la version sans filtre IR et un faux IR à partir de la version couleur:

Essais avec un filtre 850nm
Pour ceux qui ont un boîtier un peu récent ou ceux qui veulent aller plus loin, il existe des filtres qui ne laissent passer que les rayons IR. Leur valeur est au-delà de 780nm, j’ai pour ma part essayé un filtre à 850nm.
L’utilisation est vraiment plus difficile; plus d’autofocus, même pas de live view avec le 50D. Par contre, même les appareils récents peuvent capturer des images IR. Comme la plupart des objectifs récents n’ont pas de repères sur la mise au point en infrarouge (voire aucun repère du tout), il est quasi impossible de la trouver soi-même à l’infini… ou si vous avez encore moins de chance, vous avez comme moi un objectif qui A le repère (85mm f1.8) MAIS qui présente un disgracieux ”hotspot”. Du coup, le plus ”facile” est de ne pas faire la map à l’infini avec ces filtres mais avoir un premier plan, faire la map sans filtre un peu en avant du point focal désiré, ouvrir assez grand pour que la map soit bonne à l’endroit souhaité. Si jamais quelqu’un a une astuce pour trouver la map à l’infini en IR d’un objectif sans aucun repère, je suis preneuse!

Le traitement sera en revanche plus simple car uniquement en N&B, le rendu en fausses couleurs nécessite la capture d’une partie du rouge visible. Plus la valeur de coupure du filtre est élevée, moins il laisse passer de lumière et plus vous augmentez les temps d’exposition. Le grain sur les images devient plus important, mais le feuillage est plus blanc et le ciel plus noir.

Pour vous donner une idée, la version en balance des blancs automatique et en N&B:
 

Sur ces photos, on peut remarquer la végétation plus blanche et un léger ”hotspot” au centre, constituée par la tâche plus claire. On peut remarquer que la photo en balance des blancs automatique est bien plus violacée en comparaison du filtre cokin. Par contre, quand vous effectuez la balance des blancs correctement, vous obtenez quasiment une photo N&B comme celle de droite.

Remarques sur le filtre cokin
Cette partie n’intéressera peut-être pas grand monde mais elle me paraît nécessaire. J’ai fait le choix d’un filtre cokin sur porte-filtre, la solution a ses avantages: un seul filtre à acheter et plusieurs bagues pour les différents diamètres des objectifs. Elle a un inconvénient majeur: l’espace entre le filtre et le porte-filtre! J’ai eu quelques désagréments provoquant un flare très disgracieux, même à l’ombre. Ma solution fut dans un premier temps de poser un gilet noir autour de mon objectif. J’ai depuis trouvé mieux, une mitaine longue!

 
Le jour vu de près et mon ”bricolage”.

Mon ressenti
Je dois avouer que le jour où j’ai fait mes clichés avec le 350D, j’étais très heureuse, j’avais enfin des clichés comparables à ce que je voyais partout. Quand je lisais les autres parler de leur expérience cela paraissait si simple alors que moi je n’arrivais à rien avec le 50D. J’ai été très frustrée au départ par mes échecs mais la persévérance a payé. Vous avez vu dans cet article mes premiers clichés ”exploitables” de ma première virée IR avec le matériel adapté.

Ce que je retiens de cette spécialité de la photographie, c’est le temps qu’il faut consacrer à l’IR.

Premièrement, avec un appareil non modifié les temps de pose nécessitent un trépied. Le trépied implique qu’on ne peut envisager de se livrer à ces photos avec d’autres personnes que s’ils ont la contrainte d’un trépied ou qu’ils supporteront de rester 10 minutes au même endroit (photo macro peut-être). Avec les réglages en tous genres dudit trépied pour le cadrage et des réglages manuels de l’appareil pour l’IR, on est très loin de la souplesse habituelle de la prise d’un paysage par temps ensoleillé.

Deuxièmement, il faut faire un traitement sur chacune de vos photos. Si le traitement de base (inversion du Rouge et du Bleu par exemple) se fait en presque 3 clics, car Photoshop et Gimp vous permettront d’enregistrer le mixage de canaux qui va bien, il peut y avoir un peu plus de traitement suivant la qualité de la balance des blancs. Je dirais qu’on double voire qu’on triple facilement le temps de post-traitement, tout dépend de votre exigence sur le résultat. Et même si vous optez pour le N&B, vous allez tout de même y passer un peu de temps.

Néanmoins, je trouve que le résultat récompense bien les efforts à fournir quand on aime ce genre de photographie. Ce côté magique de paysage hivernal me laisse rêveuse et je ne regrette pas le temps que j’y ai consacré. D’ailleurs, il suffit de voir le paysage en couleur habituelles de mon exemple pour réaliser combien une scène aussi banale que de l’herbe et des arbres est transformée par l’IR. Les portraits sont aussi intéressants à faire, mais sans boîtier modifié les temps de poses sont vite un peu ”longs” pour garder un modèle bien net. La peau est comme lissée ou laiteuse et l’effet est très particulier. Je ne vous présente pas d’exemple car je n’en ai pas de réussi.

J’espère que si vous hésitiez à vous lancer dans cette branche de la photographie, j’ai répondu à certaines de vos questions ou inquiétudes. Bien sûr, je répondrais à toute autre question dans les commentaires. Une chose est sure dans mon cas, je ferais d’autres photos en infrarouge et je modifierai très probablement un boîtier un jour. J’aime vraiment le côté hivernal des paysages et les portraits IR ont un cachet très spécifique.

]]> http://blog.darth.ch/2011/07/24/mes-premieres-photos-ir/feed/ 122 http://blog.darth.ch/2010/11/29/un-peu-de-neige/ http://blog.darth.ch/2010/11/29/un-peu-de-neige/#comments Mon, 29 Nov 2010 06:00:32 +0000 Darth http://blog.darth.ch/?p=3182

Comme vous le constatez, mon blog a mis sa parure de Noël (si vous ne voyez pas le changement, faire ctrl+F5) et cet article ne parle pas de mon compte rendu sur le thème ”Un mois en argentique”.

Le problème étant que les personnes qui ont accepté de jouer le jeu et participer au défi n’ont pas toutes rendu leur devoir, je me vois donc obligé de repousser un peu ce billet.

Mais, vous n’y perdez pas au change, car en plus de voir l’ambiance de Noël s’incruster sur le site (j’espère que cela vous plait) je vais vous donner quelques conseils pour faire vos photos du beau manteau blanc qui a eu la bonne idée cette année de recouvrir pas mal d’endroits et d’être arrivé tôt.

Je vais vous parler aussi bien prise de vu, qu’habillement et autres astuces pour que tout ce passe bien.…et le tout sans vous ruiner en combinaison polaire et je ne sais quels autres matériels hors de prix !

Suivez le guide…

Le fil conducteur de ce petit ”guide” sera ma sortie photo ”spéciale neige” réalisée hier spécialement pour vous…comme quoi je vous aime, j’ai souffert pour préparer cet article!

Je vous propose quelques images dans la foulée prises lors de cette virée.

Je vous invite à cliquer dessus pour voir les photos en grand format:

Être au chaud:

Si vous êtes équipé pour affronter des expéditions polaires, vous pouvez sauter ce chapitre, si vous avez chez vous des habits pour affronter l’hiver, mais rien de spécifique pour une randonnée photo dans le grand froid, je vous conseille de lire attentivement.

Quand il neige et que l’on observe ce magnifique spectacle à travers les fenêtres de notre maison, un bon chocolat chaud à la main (avec un soupçon de cannelle… ) on ne se rend pas compte à quel point le froid peut rapidement nous handicaper.

Pour éviter d’être gelés après seulement dix minutes de balade et de rentrer précipitamment les membres tout bleus, nous allons prendre quelques précautions toutes simples.

On va jouer sur le phénomène physique qui dit que l’air est un très bon isolant.

Pour ça, on va s’arranger pour avoir une couche d’habits près du corps, et une autre un peu plus large qui laisserait l’aire faire son office.

Prenez dans votre beau dressing un joli t-shirt qui soit assez serré (celui que vous vous êtes promis de remettre il y a 5 étés de ça).

Enfiler une paire de chaussettes fine. Les filles ont un avantage, elles peuvent mettre des collants, si vous êtes un mec, je vous conseille le caleçon long, si vous en avez, en plus des chaussettes.

Prenez ensuite un pantelons de survêtement le plus serré possible, puis une bonne paire de chaussettes et vous aller enfiler le bas du pantalon de votre survêtement dans la paire de chaussettes.

Maintenant place au pull à manche longue.

Puis un pantalon que vous mettez par-dessus tout ça. Le mieux serait évidement un pantalon de ski, ou tout autre pantalon qui soit le plus ”étanche” possible. En effet, ici c’est l’humidité qui sera l’ennemie de votre ”chaleur”. Il faut qu’il soit assez large et il faut éviter le coton qui pompe trop l’eau et devient très vite humide.

Un sweat comme dernière couche, et on est presque au bout puise qu’il ne reste plus que la veste d’hiver. si en plus elle fait coupe vent, c’est le top (avec capuchon si possible) le bonnet, l’écharpe et les gants.

Pour les gants, je vous conseille mettre deux paires de gants en laine l’une sur l’autre. L’avantage, cela tient bien chaud et on peut toujours contrôler son appareil sans les retirer (ce qui n’est pas vraiment le cas avec des moufles). Si vous avez des sous-gant (en soie c’est le top) c’est le moment d’en profiter.

Quant aux chaussures, prenez de bonnes chaussures avec une semelle assez épaisse et en plastique (très bon isolant, meilleur que les semelles en cuire). Plus la semelle sera épaisse, plus votre pied sera éloigné du sol froid et plus vos petons vont rester au chaud.

Il faut bien entendu s’arranger pour que vos chaussures soient imperméabilisées.

Vous pouvez aussi prendre une bâche ou un sac poubelle en plastique que vous pourrez étendre pour vous coucher dessus afin de faire des prises de vues au ras du sol, tout en restant au sec.

Le matériel:

Comme le montre la photo ci-dessous, le matériel peut être mis à rude épreuve. (et encore, là, j’avais commencé à le sécher).

Si vous avez du matériel tropicalisé, pas de problème, il va supporter sans broncher la douce neige qui vont tomber sur lui.

Dans le cas contraire, il ne va pas tomber en panne pour avoir reçu trois flocons, mais si on reste longtemps sous une bonne neige, il va falloir protéger tout ça.

Le mieux et le moins cher (mis à part les housses de protection toutes faites), c’est de bricoler à l’aide d’un sac en plastique une protection.

Une paire de ciseaux pour couper le sac aux endroits stratégique, un peu de gafer pour maintenir le tout sur l’appareil, et le tour est joué.

J’ai même trouvé une version très sympa sur le forum beneluxnaturephoto si vous avez une vieille pèlerine: Voir ICI

Attention, nous ne sommes pas au bout de nos peines, car, quelque soit votre matériel et la protection que vous utilisez, une fois de retour chez vous, il va falloir faire très attention à la condensation.

Normalement, il est conseillé d’éviter le changement brutal de température entre le très froid et la douce chaleur du foyer. On devrait logiquement prévoir une ”acclimatation”.

Mais, on ne peut pas toujours suivre les bons conseilles, donc, le bon moyen de ne pas abimer son matériel est de le mettre dans un sac plastique avec du silca gel <-(Google est ton ami) de bien fermer le sac et laisser le tout mijoter au moins deux heures.

La prise de vue:

Je ne vais pas vous redonner les règles de composition qui restent les même en cas de neige ou non… …étonnant!

Les jours de neige, il y a un panel très large de photos à faire, du paysage en passant par les détails de la végétation enneigée…etc.

Il faut aussi profiter des différents aspects du ciel.

Quand la neige tombe, le blanc uniforme entre le ciel et l’environnement ou quand il fait beau le contraste entre le bleu intense du ciel et le blanc immaculé de la neige.

Il faut aussi jouer avec les différentes heures du jour pour obtenir la meilleure lumière. Toutefois attention, la nuit tombe très rapidement en hiver.

Question réglage, il ne faut pas oublier que la neige, quel que soit le temps, est un vrai piège pour votre boitier qui aura tendance à sous-exposer et qui donnera une belle neige bien grise.

Pour compenser ce phénomène, il faut légèrement surexposer votre image.

Habituellement, je conseille rarement de travailler en RAW, laissant le choix de ce réglage selon les habitudes de chaque personne, mais ici, je vous conseille le RAW qui vous permettra deux choses:

• La première, est de rattraper une légère sous-ex ou surex sans trop de perte.
• La deuxième est de jouer un peu sur la balance des blancs pour la ”refroidir” et ainsi faire plus ressortir le côté neige.

Si vous cliquez sur la galerie ci-dessus, vous pourrez voir:

1. Photo sans correction d’exposition.
2. Photo avec correction d’exposition de 2/3 d’IL.
3. Photo avec correction d’exposition et balance des blancs à 4’900K°.

Comme vous pouvez le voir, il ne faut pas grand-chose pour donner un aspect bien sympa à nos photos.

Bien entendu, la balance des blancs plus froide est à la discrétion de chaque personne, selon vos goûts.

Motivation:

Ça peut paraitre être un chapitre inutile, et pourtant quand il fait bien froid, qu’on est tranquillement au chaud, il faut parfois trouver le courage de sortir et affronter les éléments.

Je n’ai pas de recette magique pour vous donner la motivation, la seule chose que je peux dire, c’est que lorsqu’on rentre de cette virée et qu’on voit les photos que l’on a faites, on ne regrette jamais d’avoir fait l’effort.

Dans le sens contraire, quand la neige fond et que tout ce blanc part, on est souvent triste de ne pas avoir eu le courage.

Surtout, n’oubliez pas que selon les régions, il ne neige qu’une ou deux fois par année.

Sans compter que si vous pensez à vous préparer une soupe, vous pourrez la déguster tranquillement pour vous réchauffer en regardant les images que vous avez faites un peu plus tôt.

Conclusion:

Les photos d’hiver avec cette superbe neige ont toujours un quelque chose de particulier, elles ont l’art de me faire rêver et de me donner des envies d’évasion.

Si vous avez déjà fait ce genre de photos, vous savez certainement de quoi je parle, si c’est la première, vous verrez que vous allez vite devenir fan.

Pour finir, j’ai donné quelques astuces, mais comme d’habitude, si mes lecteurs experts en la matière en ont d’autres, les commentaires leur sont grands ouverts.

Je vous invite aussi à lire un article qui traite du même sujet, mais avec un point de vu différent, très bien écris je ne peux que vous le conseiller: Faire des photos par grand froid

Bon courage et bonne photo.

Avant de commencer cet article, je vous invite à lire les deux premières parties si ce n’est pas déjà fait.

• Le Flash partie I
• Le Flash partie II

Maintenant, que les bases du flash ne doivent plus vous poser de problèmes, nous pouvons donc entrer dans le vif du sujet.

Nous allons faire un petit tour dans le monde du flash Fill-in, un mode de fonctionnement qui n’aura plus de secrets pour vous et dont vous allez être fan!

Nous allons en premier lieu répondre à la question de base:

Qu’est-ce que le flash Fill-in ?

La version simple serait de dire, le Fill-in est le fait d’utiliser son flash en plein jour. Cette affirmation n’est pas tout à fait juste, la définition de Wikipedia me semble pas mal:

Le Fill-in est une technique photographique qui consiste à utiliser la lumière d’un flash en appoint à la lumière naturelle ambiante, pour éclaircir les parties d’une image qui serait autrement sous-exposée. Fill-in est un terme anglais qui signifie « appoint ».

Pourquoi utiliser le flash en plein jour ?

Quand je donne mes cours et que j’annonce à mes élèves que l’on va utiliser le flash en plein jour, ils me regardent tous avec de drôles de yeux. Les plus courageux me demandent pourquoi se servir du flash alors qu’il y a bien assez de lumière?

On peut dire que cette question n’est pas si dénuée de sens. En effet, nous avons tous l’habitude d’utiliser le flash pour compenser un manque de lumière, le faire alors qu’il y en a bien assez peut sembler saugrenue.

Pourtant, trop de lumière peut tuer la lumière. Je dirais même, une lumière trop dure peut être inesthétique, donner des ombres marquées et des zones cramées.

Pour vous faire cet article, je me suis donné mission de faire une balade en famille afin de vous montrer des images en situation réelle.

Vous pardonnerez donc l’esthétisme de ces photos qui est discutable (mais ce sont de très bons souvenirs).

Dans tous les cas, elles n’ont subi aucune retouche ni correction d’expo ou autre, elles sont brutes juste redimensionnées pour passer sur le blog.

Le flash en fill-in peut être utilisé dans toutes les situations, mais beaucoup vont vous expliquer que l’on utilise surtout cette technique pour se défaire des contre-jour.

Il est vrai que dans ce cas, c’est une arme redoutable.

Comme on peut le voir sur la photo ci-dessus, le premier plan est en partie dans l’ombre, alors que l’arrière-plan est très éclairé.

Ici, sans flash soit le sujet principal était sombre et l’arrière-plan bien exposé, soit l’arrière-plan trop clair (cramé) et le premier plan bien exposé.

Je vais vous présenter deux photos qui ont toutes les deux été réglées pour exposer correctement le ciel.

Une fois sans le flash:

Une fois avec le flash:

Je ne vous ai pas mis la version avec le ciel cramé pour deux raisons, la première, la petite puce n’a pas vraiment gardé la pose, et la seconde, c’est que le sujet principal bien exposé et le ciel cramé on connait tous.

Il y a aussi d’autres raisons d’utiliser le flash en plein jour, l’une d’elles est pour déboucher les ombres trop marquées.

Ici, mon angle de prise de vue m’a permis de complètement effacer les ombres sur le visage. Ce n’est pas toujours possible malheureusement.

Je vais vous montrer que même lorsque les ombres ne sont pas effacées, le débouchage peut sauver votre photo.

Sans flash

Avec flash

Ici, on voit clairement l’effet qu’a pu avoir le flash sur l’image. Les ombres sont débouchées, certaines effacées, d’autres encore présentes, mais on retrouve tous les détails du visage.

On comprend donc l’utilité du coup de flash.

Pour ce qui est des situations où l’on peut utiliser le flash en plein jour, le dernier grand intérêt est dans le cas ou la lumière est très égale, très plate (temps gris) pour donner un peu de pepse à l’image.

Dans ce cas, pas de contre-jour, pas d’ombres à déboucher, mais une lumière plate que l’on ravive avec un petit coup de flash.

Bon, vous allez me dire, c’est bien joli tout ça, mais non on veut savoir comment faire !

Comment mettre en œuvre le fill-in ?

Question technique il faut savoir qu’il y a plusieurs façons de procéder, et que dans tous les cas vous devrez en passer par des réglages plus ou moins fins.

Comme vous avez pu vous en rendre compte, il y a vraiment beaucoup de possibilités, et je pourrais dire qu’à chaque scène il convient d’avoir un réglage précis.

Il n’y a pas de formule toute faite qui pourrait parer à toutes les situations.

Mais allons-y étape par étape.

Première étape: la lumière de votre flash

Pour cet article, je n’ai absolument pas diffusé la lumière de mon flash, braqué sur mes sujets, rien n’était là pour adoucir sa lumière.

Pourtant, habituellement je mets un diffuseur sur mon flash pour soigner un peu cette lumière brutale.

Je vous conseille donc de le faire, dans la mesure où un simple mouchoir est efficace, autant en profiter.

Deuxième étape: intensité de la lumière de votre flash

On va voir deux notions essentielles lors de cette étape. La première c’est la synchro haute vitesse (HP).

Comme on est en plein jour, et souvent au soleil, la vitesse d’obturation sera certainement plus rapide que les possibilités de votre boitier d’être synchronisé avec le flash.

Pour comprendre la synchro au flash, je vais vous montrer une petite illustration :

(illustration empruntée sur le blog de Michael ICI)

Explication:

1. Le premier rideau est complètement fermé et empêche la lumière d’imprimer le capteur.
2. Le second rideau est ouvert.
3. Lorsqu’on appuie sur le déclencheur, le premier rideau s’ouvre.
4. Une fois le premier rideau complètement ouvert, le capteur est exposé en totalité.
5. Une fois le temps d’exposition voulu atteint (en prenant en compte  l’exposition partielle qui a eu lieu pendant la descente du premier et  du second rideau …), le second rideau commence à descendre.
6. Le second rideau est totalement fermé, l’exposition est terminée.
7. Les deux rideaux remontent ensemble pour être prêts pour un nouveau cycle.

C’est durant cette durée que le flash doit agir quand il est en ”synchro X” ce petit laps de temps où il doit envoyer l’éclaire.

Selon le boitier, cette synchro va de 1/100s pour les boitiers entrés de gamme à 1/300 de seconde pour les boitiers les plus performants.

Vous comprendrez donc que si nos vitesses sont au-dessus de ces valeurs (au-delà de la synchro X théorique de votre boitier) le flash ne peut plus fonctionner.

Pour contourner ce problème, les fabricants d’appareils ont inventé la synchronisation haute vitesse. Votre flash au lieu d’émettre un éclair vif et rapide, va fonctionner comme un stroboscope et émettre des milliers de petits coups de flash afin d’agir sur toute la durée de l’expo.

Par contre, le flash dans cette configuration devient bien moins puissant.

Maintenant qu’on sait pourquoi on va se mettre en flash HP, on va passer à la seconde étape, qui est celle de régler l’intensité du flash.

Le flash va délivrer une quantité de lumière précise calculée grâce aux automatismes TTL.

Cette quantité de lumière peut être modifiée de la même façon que l’on va corriger l’expo d’une photo en braktant. Pour savoir comment faire, je suis malheureusement obligé de vous renvoyer au mode d’emploi, puisque la méthode est différente pour chaque marque.

Pour savoir s’il faut diminuer ou augmenter la puissance de votre flash, pas de recette, il vous faudra malheureusement faire une photo test.

Mais en règle général, on diminue plus souvent que l’on augmente.

Troisième étape: Le réglage de votre boitier.

C’est ici que la plus grande partie du rendu de votre photo va se jouer.

En effet, la vitesse d’obturation va directement influencer le rendu de votre arrière-plan, alors que le flash lui exposera toujours de façon parfaite votre sujet (sauf si votre vitesse d’obturation induit une surexposition général).

Je vais vous livrer ici ma méthode, mais il en existe d’autres, je pense juste que celle-ci permet de garder un contrôle optimal de son image.

Si après lecture vous ne vous sentez pas à l’aise pour agir comme je vais le décrire, se mettre en priorité ouverture est aussi une bonne solution, moins précise, mais viable.

La première étape va être de faire une première mesure de lumière sur l’ensemble de la scène (sans se soucier du sujet principal). Pour ça, mettez-vous en priorité ouverture,  choisissez l’ouverture qui vous convient, faite une mesure (avec la mesure multizone) notez les paramètres, passez en mode M, et reporter les réglages.

Maintenant, prenez en photo votre sujet.

Nous allons à présent faire varier la vitesse d’obturation, et magie .… Je vous laisse constater:

Cliquez sur une des images pour la faire apparaitre en grand

Comme vous pouvez le voir, le changement de vitesse n’influe pas sur l’exposition même du sujet (ou très peu) mais à une réelle incidence sur l’arrière-plan.

Ce qui va vous permettre de donner un style tout à fait particulier à vos images. Que ce soit naturel ou encore avec un effet un peu surnaturel (et sans HDR).

Je pense que l’on arrive au bout de cet épisode où j’espère avoir été complet.

Bon courage et bonne photo.

Voici un article pour Ben qui avait gagné un Mais Qu’est-ce et qui m’a demandé de parler de ce sujet.

Le problème du portrait, c’est qu’il y a beaucoup de configurations différentes. Pour vous faire une idée, petite liste non exhaustive:

• Portrait spontané.
• Portrait extérieur.
• Portrait intérieur.
• Portrait studio.
• Portrait avec plusieurs personnes.
• …etc.

Le plus amusant c’est qu’on peut en plus cumuler les points, par exemple: Portrait spontané avec plusieurs personnes en extérieur.

On peut aussi cumuler les techniques: avec flash, sans flash, avec flash studio, avec réflecteur, en lumière naturelle, high key, low key, naturel …etc.

On peut tout autant varier les cadrages et poses: portrait serré, buste, plein pied, debout, couché, assis, au pied!…heu…je m’égare!

Vous comprendrez donc qu’il m’est impossible de vous donner toutes les techniques en un seul article.

C’est pourquoi aujourd’hui nous allons surtout nous pencher sur les points principaux, sur les choses à faire et celles à ne pas faire.

Les experts qui vont lire cet article vont certainement connaitre tout ça, alors, on va les mettre à contribution en les invitants à nous donner leurs ”trucs” dans les commentaires … et pourquoi pas à combler certains manques.

Le regard:

La chose la plus importante dans un portrait, quelle que soit la technique, c’est le regard !

C’est le regard qui va tout exprimer, c’est surtout lui sur lequel on va directement se focaliser et que l’on va suivre. Nos yeux vont tout simplement se poser sur le regard, puis se diriger là où regarde le sujet.

Autant dire que pour être certain que votre spectateur ne s’égare pas en dehors de la photo, la méthode la plus sûre est de s’arranger pour que le regard de votre modèle se dirige droit sur votre objectif.

Et comment faire pour diriger ?

C’est là que la première difficulté de votre prise de vue va commencer, diriger le modèle.

Tout est plus simple quand on fait un portrait spontané, car on prend justement des moments de vie sans diriger personne, mais tout se complique au moment où l’on veut faire un portrait plus soigné. Il va falloir diriger la personne, lui transmettre de façon claire ce que vous attendez, et surtout faire en sorte que votre modèle soit à l’aise.

Pour ça, il faut savoir ce que vous voulez, mais surtout, il faut être vous-même à l’aise. Si vous ne communiquez pas, si vous êtes gêné, cela va vraiment se ressentir sur vos images.

À vous de vous détendre, puis communiquer un maximum avec votre modèle.

Le plus simple pour ”briser la glace” c’est de choisir ensemble avant la séance les poses que vous allez faire. Vous pouvez vous inspirer de photos que vous trouverez sur le net. Attention, je dit bien s’inspirer, et non pas essayer de reproduire point par point la photo.

Le portrait que vous allez faire doit rester votre création !

Je pense qu’après cette recherche en duo, et après que vous ayez choisi ensemble ce qui vous convient, tout deviendra plus facile.

Le cadrage:

Il va vous falloir choisir un cadrage. La question va être: ”je fais un portrait serré (juste la tête), je fais un buste (comme son nom l’indique) je fais un plein pied (la personne en entier).”

Pour vous faire une idée, la petite illustration ci-dessus vous permettra de visualiser les trois différents cadrages.

Un portrait se prête toujours mieux au cadrage vertical (type portrait, qui porte bien son nom), bien que certaines situations puissent exiger un cadrage type paysage.

Le tout est de le choisir en connaissance de cause le meilleur des deux cadrages pour avoir l’image la plus esthétique possible.

Réfléchissez à la dynamique de l’image, le sens de lecture.

Un cadrage que je vous déconseille plus que vivement, c’est le cadrage dit ”dynamique” en gros, cadrer de travers.

Le cadrage carré peut aussi être un très bon choix.

La composition:

Ici, va se jouer toute l’esthétique de la photo.

Plutôt que vous donner des règles, je vais surtout vous expliquer ce qu’il ne faut pas faire.

Vous devez déjà avoir pensé votre scène, décors, éclairages …etc.

Si vous arrivez à vous dénicher un assistant, celui-ci pourra vous faciliter la vie (mettre en place les décors, tenir les réflecteurs…etc.) et si vous trouvez la perle rare (comme le mien) vous pourrez même lui confier la prise de vue …

Il faut toujours vérifier l’arrière-plan pour qu’il soit le plus neutre possible. Quand on fait un portrait, on veut mettre le modèle en avant, il ne faut donc pas que notre regard soit attiré par ce qui se passe derrière la personne qui pose pour vous.

Il ne faut jamais centrer le visage de la personne. Si on centre son visage, on va se retrouver avec beaucoup d’espace vide au-dessus de sa tête, et ce n’est pas très joli.

On évitera de scalper son modèle. Pourtant, si vous prenez la décision de le faire, il faudra le faire franchement. On n’enlève pas juste un petit morceau du crâne.

Il ne faut jamais couper un membre au niveau des jointures, coude, poignet, genoux, cheville.

On ne coupe pas un œil à moitié, soit on voit l’œil au complet, soit on ne le voit pas, mais pas de demi-mesure.

Les réglages:

Le côté technique de la chose n’est pas compliqué. Basiquement on va chercher à mettre en valeur notre sujet.

Il faut donc toujours utiliser une focale supérieure ou égale à 50mm. En dessous, l’effet caricatural des grands-angles ressort (grosse tête petit corps).

Toujours faire le point sur l’œil le plus proche de l’objectif.

On va régler le diaph pour que la PDC englobe au moins les yeux la bouche et le nez. Pour le reste, à vous de laisser aller votre créativité et gérer la PDC comme il vous plait, mais les yeux et le nez doivent impérativement être net!

Le reste peut être baigné dans un flou esthétique:

Quant à la lumière, ce sera selon le style que vous voulez donner à votre photo.

Je vous conseille quand même de lire mes articles sur le flash, et de bien potasser sur les différentes situations que l’on peut trouver.

Très prochainement je ferais un article sur le fill-in, technique très utile quand on fait du portrait en extérieur.

Conclusion:

Il faut savoir transgresser les règles !

Sur la photo ci-dessus, j’ai transgressé pas mal des conseils que je vous ai donnés. J’ai laissé de l’espace au dessus de la tête de Cindy, elle ne regarde pas vers moi …etc.

Si transgresser les règles vous permet de réussir une photo, il ne faut jamais hésiter à le faire.

Ici par exemple, j’ai décadré volontairement pour laisser de la place au regard qui part vers le haut.

La photo c’est aussi la liberté de faire ce qui nous plait.

Les conseils qui sont réunis dans cet article sont là comme une structure, une aide pour composer, mais ne sont pas des socles rigides sur lesquels vous devez impérativement construire votre image.

Servez-vous-en pour obtenir le meilleur, mais n’en restez pas prisonnier.

Bon courage et bonne photo.

Il y a quelque temps de cela, je me baladais sur la toile quand ma route a croisé celle de Michael à travers son blog spécialisé dans le flash.

Le flash, ce petit objet si pratique et qui souvent fait peur, le flash qui à tant de secrets, le flash que l’on aimerait tous maitriser, mais qui nous torture parfois.

En arrivant sur le blog de Michael, j’ai découvert le Graal, LE site qu’il faut connaitre si l’on veut comprendre les tenants et les aboutissants de la photo au flash.

J’ai découvert le Maître ES flash, qui en plus d’avoir une connaissance impressionnante sur le sujet, c’est nous expliquer tout ça avec beaucoup de simplicité et de façon limpide, on comprend tout ce qu’il nous explique !

Je me suis donc dit que ce serait une très bonne idée de vous faire découvrir Michael à travers une petite interview:

Darth: En premiers lieux merci d’avoir accepté cette interview.

Michael: Merci à toi de m’offrir cette belle occasion de parler de la passion qui m’anime !

Darth: Avant tout, pour les lecteurs qui ne te connaitraient pas, pourrais-tu nous faire une petite présentation ?

Michael: Et bien je me prénomme Michael, ou Mycael pour la signature photo (un pseudo qui vient tout simplement de mon pseudo flickr, « Michael » étant forcément déjà pris !). Je suis de Nancy dans le nord-est de la France. J’ai 25 ans et je termine des études dans l’électronique et la compression vidéo.

Darth: La question classique, comment es-tu venu à la photo?

Michael: La photo, ou plutôt l’image en général me passionne depuis mes 10 ans. J’ai d’ailleurs commencé la photo à cette époque et en argentique. Je m’intéressais à l’astronomie et j’avais un petit télescope jusqu’au jour où m’est venue l’idée de partager avec d’autres ce que je voyais. Étant donné que peu de gens aiment rester des heures dehors par de froides nuits d’hiver, j’ai décidé de passer à la photo pour montrer ce que je voyais. C’est seulement après avoir couru des mois après une bague adaptatrice (une bague T, si mes souvenirs sont bons …) que j’ai pu commencer à tirer quelques clichés. À ce propos, j’ai fait je ne sais plus combien de boutiques photo (aujourd’hui, avec internet, j’aurais nettement moi de mal à mettre la main sur ce genre de chose !) … jusqu’à ce que je rentre dans une boutique miteuse tenue par ce qui ressemblait plus à une sorcière qu’à un être humain et sans trop y croire, elle m’a dégoté cette fameuse bague T de derrière les fagots ! Vu l’ambiance de la boutique photo, je me demande si la bague n’est pas enchantée … je devrais peut-être l’essayer pour voir si je deviens invisible … Hum, désolé, je m’égare !!

Ensuite, avec les études, j’ai plus ou moins abandonné le domaine tout en restant attiré par la photo. Je n’en prenais plus, mais je me suis mis à acheter de temps en temps les Chasseurs d’images et autres Réponses photo. Et puis en 2007, premier compact numérique qui disposait des mêmes modes qu’on trouve sur un reflex (j’avais même droit aux images en RAW grâce à une extension du firmware, le CHDK pour les Canon …). Je me suis amusé un temps et je suis passé au reflex en décembre 2008. Début 2009, un club photo ouvre sur Nancy et je décide de le rejoindre. La suite est dans la question suivante ! ;-)

Darth: Qu’est-ce qui t’a poussé à te spécialiser dans la photo au flash?

Michael: C’est donc en février 2009 que je me suis inscrit dans le club photo de Nancy [Collimateurs] (www.collimateurs.net). À l’époque, je me cherchais beaucoup photographiquement, je prenais un peu tout et n’importe quoi sans être réellement satisfait de ce que je faisais. C’était sans compter sur une rencontre, un ou deux mois après, avec Andy Parant (andyparant.com), un ami montagnard d’un des fondateurs du club. Quelques-uns de ses clichés ont suffi à me convaincre. Le flash permet d’obtenir des ambiances particulières, impossibles en lumière naturelle … j’aimais ces ambiances, j’allai faire du flash !!

Darth: Est-ce que tu utilises un flash pour 100% de tes photos, ou t’arrive-t-il de faire sans?

Michael: ça m’arrive de faire des photos sans… quand le sujet est hors de portée du flash (en cette période de 14 juillet, je pense naturellement à un feu d’artifice). Sinon, le minimum, c’est en flash on-camera (placé sur la griffe porte-flash de l’appareil) en mode indirect. J’ai été faire quelques images dans une serre tropicale ce dimanche : quand bien même le lieu était très lumineux, j’ai utilisé le flash, en rebond sur de grandes plantes, le sol, les murs … La flash apporte une lumière, une dimension supplémentaire (même si c’est parfois très léger) et offre un rendu différent de la lumière naturelle pure. Même en plein jour, c’est mon précieux allié !

Darth: Tu as un blog internet (voir ICI) et en plus un iBook, est-ce que tu n’envisagerais pas de publier une édition papier? Si oui, où en est ce projet?

Michael: Une édition papier n’est pas prévue pour le moment. L’ebook est fait pour ceux qui prennent le blog en cours. Dans le blog, il n’y a pas une évolution très logique dans les articles, ce qui peut dérouter le débutant et le nouvel arrivant sur le blog. L’ebook permet d’avoir les bonnes bases pour s’y retrouver ensuite sur le blog.

La seule possibilité d’édition que j’envisage pour le moment est d’en faire un livre sous Blurb (ou quelque chose du genre) et de publier le livre électronique gratuitement. Ceux qui voudraient une version papier n’auraient que les frais d’impression. Je suis pour l’échange libre, gratuit, accessible à tous. Beaucoup de ce que je raconte provient à la base de sites internet d’autres amateurs (ou professionnels). J’y ajoute simplement ma petite expérience. C’est au final de cette façon que tout le monde s’enrichit culturellement (enfin, ça frise l’utopie là !)

Darth: D’un point de vue technique, est-ce que tu utilises un matériel spécifique pour la photo au flash?

Michael: J’ai envie de dire oui et non … Oui, parce que, bien sûr, il faut un ou plusieurs flashes pour faire de la photo au flash. Et non, parce que n’importe quel appareil reflex fait l’affaire. Je pourrais même pousser encore en parlant de n’importe quel appareil photo (compact par exemple) si tant est qu’il soit équipé d’un flash interne, car ce flash peut très bien être utilisé pour en déclencher d’autres. J’ai écrit un article à ce sujet d’ailleurs. Il est tout de même évident que ceux qui veulent aller plus loin doivent investir un peu. Mais si on est à l’affut de bon plan, on peut s’en tirer pour pas trop cher. Les équipements de chez gadget infinity par exemple, très bon marché, sont très bien pour s’initier !

Darth: La photo au flash fait toujours peur aux débutants,et même souvent aux  amateurs, quelles seraient les conseils que tu pourrais donner pour les ”rassurer”?

Michael: Pourquoi la photo au flash fait peur aux débutants ? Parce que le flash intégré, le premier flash qu’on utilise dans sa vie de photographe, n’est absolument pas représentatif de ce qu’on peut obtenir avec un flash externe. Disons-le : le rendu est souvent très moche ! Sujets blafards, arrière-plans très sombres. Même s’il y a quelques méthodes pour améliorer ce rendu, ce n’est jamais la panacée !

Il y a essentiellement 3 raisons qui font que les photos au flash intégré sont mauvaises :

• Le flash est direct : le sujet prend l’éclair en pleine poire.
• Le flash est très petit : la lumière est très directionnelle et donc très dure, provoquant des ombres disgracieuses.
• Le flash est très blanc contrairement aux lumières nocturnes qui sont souvent orangées (on parle de lumière tungstène)

Difficile de donner de bons conseils en quelques lignes ! Mais je vais me risquer à résumer quelques points :

• Pour éviter le flash direct, on peut dévier le faisceau du flash pour le renvoyer sur un mur ou un plafond avec un objet plat et blanc (pour l’anecdote, lors d’un repas entre amis, je n’avais qu’un dessous de plat blanc à disposition et il m’a été bien utile, sinon une simple feuille de papier pliée en 2 ou 4 marche bien aussi). Ainsi, on obtient une lumière indirecte.
• On peut essayer de diffuser la lumière du flash, soit en dirigeant le faisceau ailleurs comme dans le point ci-dessus, soit en utilisant une feuille de calque devant le flash ou en utilisant les bouts de plastiques miracles vendus à prix d’or dans le commerce et qui n’ont pas grand-chose de miraculeux en fin de compte !
• Pour éviter d’avoir un flash trop blanc, on peut utiliser ce qu’on appelle une gélatine, de couleur orange pour réchauffer un peu la lumière et surtout la mettre en accord avec la lumière ambiante. Personnellement, j’ai imprimé ces gels sur une feuille de transparent pour rétroprojecteur … et ça marche très bien en plus d’avoir un rapport qualité/prix imbattable ! ;-)

Mais bien sûr, rien de remplacera l’utilisation d’un flash cobra. Certes un petit investissement, mais dés qu’on sait le maîtriser un peu, les résultats sont au rendez-vous !

Darth: Quels sont les précautions à prendre, les astuces à ne pas oublier, les petits trucs de l’expert?

Michael: Quelques trucs à retenir :

• Jamais de flash direct quand le flash est sur l’appareil (monté sur un pied en mode déporté, on peut se le permettre dans certaines situations).
• Toujours faire rebondir l’éclair sur un mur ou un plafond. Vous êtes en extérieur ? Un bout de tissu, un pull clair …(le flash indirect en extérieur est le sujet d’un de mes prochains articles…)
• Lors de la prise de vue, pour schématiser : Ouverture et sensibilité permettent de modifier l’expo du sujet flashé alors que le temps de pose permet de jouer sur l’exposition de l’arrière-plan. C’est vrai en mode manuel ; en mode TTL, on est un peu plus libre, l’expo du sujet étant faite pour nous par l’appareil et le flash, on se contente de jouer sur le temps de pose (n’hésite pas à renvoyer tes lecteurs sur mon blog pour quelques exemples, car dit comme ça … j’imagine que c’est flou, très flou !)

Darth: Est-ce qu’il y a des sujets qui se prêtent mieux que d’autre à ce type de photo ?

Michael: Personnellement, j’aime le portrait. Et je pense que c’est finalement le domaine par excellence du flash. Sinon, il y a également le packshot ou l’art d’éclairer des objets pour les mettre en valeur et en faire une bonne publicité ! Mais en y réfléchissant, tous les domaines s’y prêtent dès lors qu’on maîtrise un peu le flash : macro, concert, animaux … Il est par contre évident qu’on peut laisser son flash à la maison si on sort en randonnée pour faire des photos de paysage. Quoique le flash déporté offrant une grande souplesse, on peut imaginer éclairer un arbre à quelques dizaines de mètres de l’appareil … Je pense que finalement, tout est possible ! ;-)

Darth: Est-ce qu’il faut des connaissances spécifiques ? (quand on voit les formules de ton site, on se pose la question).

Michael: Je crois qu’il y a deux façons d’aborder le flash. Une façon très expérimentale : on shoote et re-shoote, on rate et re-rate …ça prend du temps, mais on fini par comprendre comment se servir d’un flash et avec l’expérience, on vient à maitriser la bête. La seconde approche est plus théorique, plus abstraite également et nécessite quelques bases mathématiques (sans toutefois aller au-delà des notions de puissance et de racine carrée…) : on cherche déjà à comprendre quelques notions de propagation de la lumière, les bases de l’exposition de l’appareil. Ensuite, on teste : si ça marche, on sait pourquoi, si ça ne marche pas, on peut également savoir pourquoi. De toute façon, il faut privilégier la technique d’apprentissage qui nous convient, j’ai choisi la mienne, mais je suis loin de dire que c’est la meilleure. C’est également celle que je propose, même si je tends de plus en plus vers des choses expérimentales (que j’aime parfois démontrer en m’appuyant sur quelques formules théoriques). Il faut quand même rassurer les allergiques aux maths, on peut tout à fait comprendre le flash en zappant les pompeuses parties calculatoires !

Darth: Est-ce obligatoire selon toi d’avoir plusieurs flashs ?

Michael: Tout dépend de nos ambitions, des images que l’on souhaite réaliser. J’ai quatre flashes à ma disposition, pourtant, majoritairement, je n’en utilise qu’un. En fait, après avoir longuement privilégié le flash déporté en tout manuel avec deux, trois voire quatre flashes, je reviens et redécouvre quelque chose de bien plus simple : du flash on-camera indirecte en TTL.

Darth: As-tu lu des livres sur le sujet, si oui, lesquels nous conseillerais-tu ?

Michael: Internet reste une grande source d’information pour moi. Mais j’ai quand même deux livres sur le sujet : Hot Shoe Diaries de Joe McNally et On-Camera Flash Techniques for Digital Wedding and Portrait Photography de Neil Van Niekerk (mes deux idoles photographiques !! ;-). Ces livres sont malheureusement en anglais, je ne crois pas qu’il en existe une traduction française. A ce jour, je ne connais pas de bons livres en français sur le flash …

Darth: Est-ce que tes images on droit à un post traitement spécifique, ou tout vient vraiment de l’éclairage ?

Michael: Bien sûr, il y a toujours un peu de posttraitement. Plus ou moins selon les cas. Ceci dit, il est vrai que c’est l’éclairage qui constitue l’essentiel de l’image. On ne rattrape jamais la prise de vue avec du posttraitement. Il faut également bien imaginer le final de la photo. Ne pas se lancer dans quelque chose sans trop savoir où aller, je pense que c’est la meilleure façon de se planter, aussi bien dans l’éclairage à la prise de vue que dans le post traitement. Pour l’instant, je n’ai rien inventé dans le post-traitement, je cherche encore mon style … Et je n’ai pas honte de dire que j’aime bien essayer d’imiter ! Par exemple, ce que font Joel Grimes et Joey Lawrence.

Darth: Est-ce que tu continues à explorer de nouvelles idées, de nouvelles techniques inédites ?

Michael: Je suis en constante évolution, je fais toujours beaucoup d’essais, parfois c’est heureux, mais souvent, ça ne l’est pas ! Je crois qu’au début (personnellement, j’en suis toujours au début, même si ça commence à venir !), il vaut mieux s’en tenir à des positionnements de flashes classiques (en s’inspirant d’ultra classiques comme présentés ici : http://www.professionalphotography101.com/portrait_lighting/index.html). Une fois qu’on maîtrise bien tout ça, avec l’expérience, j’imagine qu’on peut devenir original !

Darth: Quels sont les photographes que tu admires ?

Michael: J’aime la photographie moderne, bien éclairée, bien travaillée, bien posttraitée. En fait, j’aime la photo à vocation publicitaire, voire faite pour des affiches de cinéma. À ce titre, je suis fan des photographes anglo-saxons Joe McNally, Neil Van Niekerk, Joey Lawrence, Joel Grimes. J’allais oublier David Hobby !

Darth: Qu’elle est ta photo préférée, de ta pro­duc­tion et d’un autre photographe ?

Michael: Je n’ai pas réellement de photo préférée dans ma production personnelle. D’une part parce que je suis un insatisfait chronique dans ce domaine, et d’autre part, parce que si je les ai publiées c’est que j’y trouve tout de même un intérêt, mais différent sur chaque image. Ceci dit, les photos que j’ai fournies pour illustrer l’article sont celles qui me plaisent le plus…

Pour celle d’un autre photographe, j’aime beaucoup les productions très strobistiennes de Joe McNally, en particulier une qui s’appelle « Creepy guy in alley » qu’on retrouve dans son livre et sur son blog. Il y en a plein d’autres également qui collent avec une ambiance de film, des clichés très colorés, bien mis en scène.

Darth: Que peut-on te sou­hai­ter pour ton ave­nir photographique ?

Michael: Un peu plus de temps libre pour pratiquer et partager ! Je suis souvent obligé à mon grand regret de refuser des propositions de shoot venant de modèles amateurs par manque de temps. Le travail, c’est tout de même chronophage !! ;-)

Darth: Un der­nier mot ?

Michael: J’espère avoir été intéressant, avoir donné envie à certains récalcitrants du flash de revenir sur leurs préjugés et d’aller un peu plus explorer le domaine et enfin, avoir réchauffé les débutants frileux ! Je reste bien sûr à disposition pour toute info complémentaire, au travers de la page contact de mon blog (même si visiblement, il y a beaucoup de demandes qui ne m’arrivent pas par ce biais : il faut que je remédie à ça d’ailleurs) ou d’une façon plus sûre sur Twitter (DeclicAndCo) ou Facebook (Michael Guarisco).

Darth: Encore une fois merci de m’avoir accordé un peu de temps pour cette interview.

Michael: Tout le plaisir était pour moi !

J’espère que vous avez pris autant de plaisir à lire cette interview que j’ai eu à la mener.

Et cela ne m’étonnerait qu’à moitié que vous ayez envie de faire quelques photos au flash, là, tout de suite !

Bon courage et bonne photo .… avec ou sans flash !

L’été est là et le beau temps qui va avec nous offre des soirées superbes avec des milliers d’étoiles au dessus de nos têtes.

Ne serait-ce pas le bon moment pour les immortaliser ?

Si vous avez envie de leur tirer le portrait et que vous ne savez pas trop comment vous y prendre pour réussir, vous êtes au bon endroit.

Surtout, que je vais vous expliquer comment faire ça sans avoir besoin de matériel spécifique.

Alors, suivez le guide !

Pour prendre en photo les étoiles, il y a quelques petits problèmes à surmonter, les deux principaux étant:

1. La pollution lumineuse.
   
2. Le mouvement apparent de la voute céleste.

La pollution lumineuse.

C’est la lumière de la ville. Pour ceux qui ne connaissent pas l’effet, cela se traduit par une très disgracieuse coloration du ciel en orange. En prime cette lumière escamote une bonne partie des étoiles visibles.

Pour remédier à ça, il n’existe qu’une solution, s’éloigner le plus possible des grandes villes. La période des vacances étant propice au déplacement, n’hésitez pas à aller le plus loin possible de toutes sources lumineuses.

Juste avant de quitter la ville, regardez le ciel, une fois arrivé à l’endroit que vous savez préservé de toutes lumières, attendez que vos yeux s’habituent à l’obscurité, et regardez la voute céleste, le spectacle va certainement vous impressionner.

Vous allez découvrir des étoiles que vous n’aviez jamais vues !

L’endroit idéal pour faire ce genre de photo, est, comme vous l’avez compris, loin de la lumière des villes et villages, retirés dans un endroit où il y a peu, voir pas du tout, d’éclairage public.

Monter en altitude aide aussi à avoir un ciel clair, donc, les abords de la montagne est l’endroit idéal. Mais on peut tout aussi bien prendre ce genre de photo au bord de la mer. Je vous donne juste les informations pour mettre toutes les chances de votre côté.

Le mouvement apparent de la voute céleste.

Comme vous le savez, la terre tourne. De ce fait, les étoiles ont un mouvement apparent.

Ce mouvement nous empêche de prendre des photos en très longue pause sans compenser la rotation. Pour compenser la rotation, il faut du matériel spécifique (que l’on appelle monture équatoriale, un trépied motorisé qui suit le mouvement et la rotation des étoiles).

Comme nous ne voulons pas utiliser de matériel spécifique, comment allons-nous faire ?

Nous n’allons tout simplement pas compenser ce mouvement, mais profiter de la marge de temps que l’on peut obtenir sans que le déplacement des étoiles ne se voie sur l’image.

Pour cela il faut savoir deux trois petites choses:

• Plus l’angle de champ est large, plus le temps de pause pourra être long.
• Moins la photo est grande (format dans laquelle vous allez la montrer) plus le temps de pose pourra être long.
• Plus la partie visée est éloignée de l’équateur céleste, plus le temps de pause pourra être long.

Pour les deux premiers points, l’astuce est simplement de réduire la taille apparente des étoiles, ainsi limiter l’effet filé que laisse l’astre si la pose est trop longue.

Par logique, plus l’apparence de l’étoile est petite, moins on verra qu’elle ”s’étale” sur l’image.

Le dernier point quant à lui est juste un phénomène physique qui fait que les étoiles semblent aller plus vite vers l’équateur céleste que si on s’en éloigne.

Le matériel

Ici, pas besoin de grand-chose.

• Votre appareil photo avec le capteur le plus large (pour perdre le moins possible de mm sur les grands-angles).
• Votre plus grand-angle.
• Un bon trépied que vous n’oublierez pas de lester en y accrochant quelque chose de lourd (votre sac à dos par exemple).
• Une bonne couverture.
• De la boisson et de la nourriture.
  
• Des sacs-poubelle pour récupérer vos déchets.
  
• Une (ou des) personne avec qui partager cette nuit astro.
• Une carte du ciel (on en trouve à imprimer sur internet, ou sur des applications pour vos smartphones).
  
• Une lampe de poche.
  

Et voilà tout ce don vous avez besoin !

La prise de vue.

Ici, rien de compliqué !

La première partie de votre travail se fera chez vous. Elle consiste à prendre plusieurs photos de nuit (pas forcément des étoiles, mais où il y a le plus de noir possible) pour connaitre la sensibilité jusqu’à laquelle vous pouvez pousser votre appareil sans remord.

Cela permettra aussi de voir si votre appareil à des points chauds sur les longues pauses où il y a beaucoup de noir. Cela se traduit par des lueurs violettes sur la photo, comme si une source lumineuse de couleur pourpre était venue perturber l’image.

Si votre appareil est récent, cela ne devrait pas arriver.

Quand vous avez noté les paramètres avec lesquels votre appareil est le plus à l’aise, on pourra les reproduire en situation réelle.

Arrivé dans votre havre de paix étendez la couverture, c’est très sympa d’observer le ciel couché sur le sol.

Montez votre trépied en le lestant pour avoir un maximum de stabilité.Toujours dans un souci de stabilité, installez-le le plus bas possible.

Avant même de commencer la photo, nous allons faire la mise au point, pour cela, demandez à la personne qui vous accompagne de s’éloigner d’une quinzaine de mètres et de s’éclairer avec une lampe de poche. Faites le point sur elle, puis enlevez l’autofocus, et surtout ne touchez plus à la bague de mise au point.

Une fois ce réglage fait, montez votre appareil sur le trépied, pointez une zone du ciel qui vous plait, réglez le retardateur sur deux secondes. Allez dans les options pour lever le miroir, ou utilisé le mode liveview (qui en fait monte aussi le miroir) On fait cela pour évier au maximum les vibrations.

Mettez votre balance des blancs sur ”lumière du jour”.

Restez en mode RAW et assurez-vous que votre appareil soit réglé pour ”corriger” les pauses longues. En réalité, cette correction est une simple photo faite par votre appareil l’obturateur fermé du même temps de pause que l’image qu’il vient de prendre. De cette façon, il va soustraire les pixels chauds de la photo finale.

Réglez les iso à la valeur que vous avez trouvée chez vous.

Passez en mode M et ouvrez au maximum votre diaph, puis commencez par une pause de 10 secondes.

Regardez le résultat à l’aide de la loupe pour voir à quoi ressemblent vos étoiles.

Recommencez en augmentant le temps de pause jusqu’à que les étoiles soient trop déformées à votre gout.

Une fois le bon temps de pause trouvé … jouez les paparazzi du ciel !

N’hésitez pas à intégrer des premiers plans, cela peut encore embellir l’image.

Une fois la soirée finit et de retour à la maison, il vous restera à passer sur l’ordinateur pour quelques retouches afin de tirer le meilleur de vos images.

Si vous avez beaucoup de déchet, ou si vous n’obtenez pas exactement ce que vous voulez, c’est normal, les premières images de ce type sont toujours un peu difficiles.

Bon courage et bonne photo … de jour comme de nuit !

Comme vous le savez, ou peut-être pas, il y a plusieurs modes de prise de vue sur un appareil photo. Même sur les compacts, bien qu’il soit plus accessible sur un reflex.

Le plus souvent ces modes se définissent ainsi:

• Les modes auto, ou appelé aussi mode scène, paysage, portrait, photo de nuit, de sport …etc.
• Le mode P qui est aussi un mode automatique, où l’on n’a rien à faire.
• Priorité vitesse, qui permet comme son nom l’indique de contrôler la vitesse d’obturation.
• Priorité ouverture, pour contrôler le diaph, donc la PDC.
• Le mode M qui est le mode manuel, c’est nous qui réglons ouverture et vitesse.
• Puis, pose B sur certains appareils, pour les pauses de plus de trente secondes.

Tous ces modes sont bien pratiques, pourtant, après cet article vous allez n’en aimer plus qu’un ! Et je sais que pour pas mal de mes lecteurs c’est déjà le cas.

Ils pourront donc confirmer dans les commentaires…on va les mettre un peu à contribution nos experts !

D’ailleurs, une des premières choses que je montre à mes élèves, c’est la priorité ouverture, je scotch leur appareil pour plus qu’ils ne puissent changer … je plaisante … quoi que !

Si vous prenez les photos de mon blog une par une, et que vous regardez les exif de chaque image, vous pourrez constater que 95% ont été réalisées en priorité ouverture.

Pour le reste des images, la plus grosse partie sera en manuel, il traine peut-être une ou deux photos d’aviation avec une priorité vitesse.

Mais pourquoi photographier en priorité ouverture ?

Pour bien comprendre l’intérêt de la priorité ouverture, permettez-moi de parler des autres modes.

Commençons par les modes scène. Ils sont généralement utiles quand on débute pour se rassurer. Il reste peu intuitif, mais surtout nous empêche d’avoir un contrôle sur le rendu de l’image, nous voilà bridé.

Autant essayer de s’en passer le plus rapidement possible.

La priorité vitesse est très utile quand on a besoin de contrôler la vitesse d’obturation. Typiquement pour les photos de sport, pour les photos où l’action est rapide. Que ce soit pour figer le mouvement ou au contraire obtenir un flou bougé volontaire (typiquement les fonds filés).

Le mode M quant à lui, est très utile pour la photo au flash … pour le reste, il peut être utile, très efficace, mais il faut bien comprendre son fonctionnement, ce qui ne se fait pas non plus en un jour. Je ferais prochainement un article complet sur ce mode qui le mérite amplement.

Nous voilà donc arrivés à la priorité ouverture. Elle va nous permettre en premier lieu de contrôler un point plus qu’important de la photo, la PDC ! Pour ceux qui auraient des problèmes avec la notion de profondeur de champ, je vous conseille d’aller voir par ICI.

Le contrôle de la PDC reste à mon sens la chose la plus primordiale qui soit. C’est grâce à elle que l’on peut mettre en valeur certains points clefs d’une image.

La photo de cette bougie à beaucoup moins d’intérêt quand la PDC est grande, le fond trop net perturbe l’image, alors que dans le premier cas, seule la bougie à notre intérêt.

Avec les autres modes (mis à part le mode M un peu trop compliqué au début) on ne peut pas gérer cette variable.

En réalité, on peut faire varier l’ouverture en priorité vitesse, mais cela va sous ou surexposer notre photo.

De même, en priorité ouverture, jouer sur la vitesse va sur ou sous-exposer la photo. À la différence près, qu’on ne va pas changer la PDC, mais qu’on pourra utiliser cette possibilité pour ”corriger” l’expo. Par exemple à la montagne quand il y a un beau ciel bleu et de la neige, on va surexposer pour obtenir une belle neige blanche plutôt que grise.

Si on était en priorité vitesse, cela raccourcirait notre PDC, car on serait obligé pour surexposer d’ouvrir le diaph.

Sans essayer de vous faire mal à la tête, je dirais pour résumer qu’on est bien plus créatif en priorité ouverture qu’avec les autres modes. M mise à part, mais comme je l’ai dit plus haut, ce mode est plus compliquer à utiliser. Il faut avoir le temps de réagir si on veut être en mode M.

Je ne sais pas si j’ai réussi à vous convaincre, mais si vous doutez encore un peu, passez une journée en priorité ouverture, si à la fin de cette journée vous n’êtes pas devenu fan, je veux bien courir en string sur la rade de Genève … heu … enfin, pas tout à fait quand même.

Bon courage et bonne photo !

Quand on fait de la photo ”Nature”, on est toujours très heureux de prendre certains oiseaux en photo.

C’est souvent plusieurs difficultés à surmonter et la plus grande reste la timidité de ces oiseaux qui au moindre mouvement, au moindre bruit s’envolent.

C’est donc avec beaucoup d’admiration que j’ai découvert les photos de Denis Brodeur qui en plus de photographier ces très jolies petites bêtes, le fait alors qu’elle lui mange dans la main.

Si comme moi ce genre d’image vous laisse sans voix et les yeux plein d’étoiles, si comme moi vous voulez tous savoir sur sa technique, lisez son interview qui va certainement vous passionner !

Suivez le guide…

Darth: en pre­mier lieu, merci d’avoir accepté cette interview.

Denis B. : Tout le plaisir est pour moi et je te remercie d’avoir choisi de parler d’une de mes passions.

Darth: La ques­tion clas­sique, com­ment es-tu venu à la photo?

Denis B. : J’ai été initié par mon frère aîné, lui ayant racheté son premier boîtier reflex : un Practica L ainsi qu’une cellule à main Sixtar de Gossen. Il n’y avait aucun automatisme. J’ai vite maîtrisé la technique. Lumière réfléchie et lumière incidente n’ont plus de secret pour moi. À cette époque, on faisait du N&B. On s’est équipé d’un petit labo pour les développements et tirages papier. Lorsque le prix de l’argent a beaucoup augmenté et que cela devenait plus économique de faire de la photo couleurs, je suis passé à la Kodachrome 64. Pendant mes études universitaires en Géographie, la photographie m’a permis d’illustrer mes sujets d’étude ainsi que des présentations scientifiques lors de congrès. Dans les années ’80, chacun arrivait à sa conférence avec son carrousel de diapos. Disons qu’à cette époque, j’étais plus presse bouton. Les règles de la composition et le côté esthétique me faisaient cruellement défaut. J’ai délaissé la photo pendant quelques années et m’y suis remis très sérieusement à partir de 1998 lorsque j’ai commencé à acheter les revues Chasseurs d’images, Réponses Photo et Popular Photography.

Darth: Qu’est-ce qui t’a poussé vers la photo d’oiseaux, et en particulier mangeant dans tes mains ?

Denis B. : C’est tout à fait par hasard. J’étais allé photographier des cerfs de Virginie, en enclos, dans un parc près de chez moi, en hiver. Sur place, il y avait des gens qui nourrissaient les oiseaux en leur offrant des graines dans leur main. J’ai tendu la main, sans graine et une Mésange à tête noire est venue s’y poser. Ce fut le moment déclencheur et j’ai vite constaté que les oiseaux de ce parc s’étaient habitués à la présence des humains. J’y suis retourné de nombreuses fois avec des graines et c’est devenu une passion. Notons qu’au début, je photographiais en argentique. Le bruit du déclenchement et l’avance motorisée du film faisait fuir les oiseaux. Ils ont fini par s’y habituer en commençant un entraînement mutuel à partir du mois d’octobre. Ce faisant, j’ai aussi appris identifier les quelques espèces présentes sur les lieux et à parfaire ma technique suite à de nombreux essais.

Darth: Je sais que tu fais d’autres photos que celles d’oiseaux, mais est-ce ton sujet de prédilection ?

Denis B. : Pas nécessairement. J’y vais surtout en fonction des saisons et des sujets disponibles. Pendant plusieurs années : c’était la macro (fleurs et insectes) en été, paysages en automne (les belles couleurs de l’Été des indiens au Québec) et les oiseaux sur la main de fin octobre à fin mars. Depuis mon passage au numérique (fin 2008), je m’intéresse également aux filés de cascades, en toutes saisons.

Darth: Tu n’as pas de site internet, est-ce que ce ne serait pas une bonne idée d’exposer tes photos sur un blog ou une galerie ?

Denis B. : J’aimerais bien mais pour l’instant, les compétences et surtout le temps à y consacrer me manquent. Pour ce qui est des photos d’oiseaux sur la main, je dois aussi dire qu’il me manque de la diversité à illustrer. Je n’ai que trois espèces : Mésange à tête noire (Poecile atricapillus) , Sittelle à poitrine rousse (Sitta canadensis) , et Sittelle à poitrine blanche (Sitta carolinensis). Au fil des ans, cela devient vite redondant.

Darth: N’as-tu jamais pensé à écrire un livre sur le sujet, ou bien monter une expo ?

Denis B. : Pour le livre, je crois que cela a déjà été fait. Je ne retrouve plus la référence mais je l’avais feuilleté en librairie et n’y ayant rien trouvé de plus que ce que j’avais expérimenté par moi-même, je ne l’ai pas acheté. Pour l’expo, je crois que cela va finir par se faire. Par ailleurs, j’ai de nombreuses photos qui défilent quotidiennement dans des cadres numériques d’une boutique photo et les réactions des clients sont très positives.

Darth: Comment t’es venue l’idée de ces photos ?

Denis B. : Disons que jusqu’à date, mon matériel photographique a dicté le type de photos d’oiseaux que je fais. Comme je ne possède pas de long télé, je me suis rabattu sur les focales fixes que je possède. En argentique, j’utilisais le SP Tamron 90 macro f/2.8 et en numérique le 50mm suffit amplement sur capteur APS-C. Maintenant, on peut obtenir deux types de photos. D’une part, l’oiseau figé sur la main en position statique et d’autre part, ce que je trouve plus dynamique, l’oiseau avec les ailes déployées. Dans ce cas, je suis satisfait lorsque j’arrive à avoir l’œil et la tête nets. Par contre, les oiseaux qui acceptent ma main le font parce qu’il y a des graines à prendre ; ce qui implique que l’offrande est souvent visible sur les clichés. Dans mon cas, s’il n’y a pas de graines dans ma main, les oiseaux n’y viendront pas. J’essaie aussi de photographier les oiseaux dans leur environnement mais c’est dans la limite de ce que me permet soit le 55–200 mm ou encore le 80–320 mm (peu lumineux). Ma plus grande facilité demeure donc la photographie des oiseaux sur la main lorsque ceux-ci collaborent. A partir de là, on peut expérimenter avec ou sans flash, synchro flash haute vitesse ou vitesse lente, sur le premier ou le second rideau, etc.

Darth: La grande question, mais comment fais-tu pour les attirer ainsi ?

Denis B. : J’ai la chance de photographier des oiseaux qui sont habitués aux humains. En milieu naturel sauvage, cela peut être très différent. D’abord, je suis toujours à découvert, jamais en affût. Je laisse les oiseaux venir à moi. Les mésanges et sittelles sont opportunistes et elles ont appris, dans ce parc, que les humains peuvent être source de nourriture facilement disponible (surtout en hiver). Dès que je quitte la voiture pour entrer en forêt, des oiseaux commencent à me suivre. Je tends la main avec des graines de tournesol décortiquées et le processus commence. Au début, j’évite les photos afin de préserver la confiance des oiseaux. Les mésanges et les sittelles vont effectuer plusieurs allers-retours entre ma main et les endroits où elles cachent les graines pour consommation ultérieure. Lorsqu’elles sont plusieurs (entre 10 et 12), selon les secteurs de la forêt, il se fait que j’ai continuellement un oiseau sur la main, à tour de rôle. Certains (des jeunes de l’année peu habitués ou trop timides) refusent la main et préfèrent recueillir les graines tombées au sol. Il m’arrive aussi d’effectuer une sortie photos d’oiseaux sur la main et ce sans rencontrer un seul oiseau. Tout ça pour dire que ce n’est jamais gagné d’avance et que chaque rencontre avec les oiseaux est une nouvelle aventure même après plusieurs années.

Darth: D’un point de vue technique, est-ce que tu utilises un matériel spécifique ?

Denis B. : Actuellement, j’utilise un boîtier numérique Pentax K 10D sur lequel est monté un smc-Pentax FA 50 mm f/1.4. Un objectif AF est primordial car je dois tenir le boîtier d’une seule main, l’autre servant de mangeoire/perchoir. La plupart du temps les photos sont faites avec l’apport du flash intégré muni d’un diffuseur de flash Soft Screen de LumiQuest. Ce dernier sert à adoucir les ombres portées sur la main par les oiseaux et à obtenir l’étincelle dans l’œil de l’oiseau (catch light), dans la mesure du possible. Par ailleurs, l’avantage de la «main mangeoire/perchoir» c’est qu’elle est toujours disponible et orientable à volonté selon la lumière ambiante. Par contre, je suis limité à une vitesse synchro flash maxi de 1/180 sec avec le flash intégré. Je possède aussi un flash cobra Pentax AF360FGZ que je n’utilise pas pour les photos d’oiseaux sur la main. Trop puissant et sa distance minimale d’efficacité est de 70 cm. En deçà, la mesure d’exposition risque d’être aléatoire donc j’évite car je suis toujours autour de 50 cm avec le smc-Pentax 50 mm f/1.4. Dernier point : si votre appareil est en P-TTL, I-TTL ou E-TTL, le pré-éclair du flash suffit à faire décoller l’oiseau. De même que le «bip» de confirmation de l’AF (à désactiver). Moins il y a de bruit auxquels les oiseaux ne sont pas familiers, mieux c’est. N’hésitez pas à leur parler d’une voix douce et accueillante, cela attire leur attention et ils demeurent un petit peu plus longtemps sur votre main.

Darth: Quelles seraient les conseils que tu pourrais donner à une personne désirant ce lancer dans ce type de photo.

Denis B. : Tout d’abord, il faut être patient et persévérant. Si les oiseaux fréquentent les mangeoires aménagées dans votre jardin, c’est déjà un début. Il faudra ensuite les habituer à votre présence donc sans affût. Par grand froid, lorsque les oiseaux viennent visiter vos mangeoires assidûment, il faudra restreindre l’accès à ces dernières pour ne leur laisser le choix que de votre main avec des graines. Surtout pas de photos au début. Il faut établir un lien de confiance entre les oiseaux et vous. Si les oiseaux finissent par accepter vos offrandes sur la main, un grand pas est franchi. Ne faites jamais de gestes brusques car cela les effraye. Et surtout attendre que les oiseaux reviennent à plusieurs reprises avant de tenter la moindre photo. Juste le fait d’avoir un oiseau sur la main est indescriptible. Ils sont si légers… Si c’est le cas, comptez-vous privilégiés. Les photos ce sera pour plus tard lorsqu’ils se seront habitués à vous. Par la suite, ce sera l’entraînement mutuel : habituer les oiseaux au son du déclenchement, au pré-éclair du flash mais ils finiront par revenir s’ils ont faim et que vous les alimentiez de votre main et ayez coupé l’accès aux mangeoires. Car ne nous leurrons pas : si les oiseaux ont le choix entre la mangeoire ou des graines au sol, ils vont privilégier ces dernières au détriment de votre main.

Darth: Quelles sont les précautions à prendre pour ne pas blesser ces oiseaux ?

Denis B. : Il n’y a pas de précautions particulières à prendre si ce n’est de ne jamais tenter de refermer la main sur l’oiseau qui accepte vos offrandes en toute confiance. Ce faisant, le lien de confiance établi sera rompu et l’oiseau ne reviendra jamais plus sur votre main.

Darth: Est-ce qu’il faut des connaissances spécifiques ?

Denis B. : Bien maîtriser son appareil photo et prévoir son comportement dans telle ou telle situation. Par la suite, c’est plus plaisant de connaître l’espèce d’oiseau qui fréquente votre main…Pour cela, il existe des guides ornithologiques sur le sujet. Enfin, il faut être conscient que ce ne sont pas toutes les espèces qui accepteront vos offrandes sur la main. Plus les oiseaux seront habitués à vous, meilleurs seront les chances de les photographier.

Darth: Y a t’il une période plus approprié qu’une autres ?

Denis B. : Personnellement, je commence l’entraînement autour de la fin du mois d’octobre. Cela permet aux oiseaux de «faire connaissance» avec le pourvoyeur de graines. De plus, cela permet de s’entraîner aux déclenchements intempestifs et de se faire une «musculation» appropriée car ne l’oublions pas, il s’agit, ici, de travailler d’une seule main. À l’hiver, lorsque la nourriture se fait rare, les oiseaux seront plus enclins à s’approcher s’ils vous «connaissent» et reconnaissent déjà comme pourvoyeur de graines. Les sorties répétés contribuent à cette reconnaissance mutuelle. Au printemps et à l’été, je laisse les oiseaux se débrouiller avec la nourriture disponible selon leur alimentation spécifique (insectes et graines).

Darth: Existe-t-il des ouvrages qui parlent de ça, ou est-ce une technique que tu as élaborée tout seul ?

Denis B. : Il y a plusieurs ouvrages qui traitent du sujet «comment attirer les oiseaux du jardin» mais peu sur la technique de la photographie des oiseaux sur la main. Il n’y a pas de recette toute faite. À partir du moment où les oiseaux acceptent vos offrandes sur la main, il faudra expérimenter selon le matériel à votre disposition. Au fil des ans et des expériences acquises vous élaborerez votre propre technique en fonction des espèces disponibles. Tout dépendra du résultat souhaité : oiseaux en position statique ou oiseaux en position dynamique. Avec ou sans flou du sujet. Et ne vous surprenez pas : il y aura de nombreux déchets dans votre production ne serait-ce que des photos de votre main sans oiseau car ils sont tellement rapides. Il faudra donc déterminer le rendu souhaité en fonction de ce vous recherchez comme photo finale. Et ne dit-on pas que tous les goûts sont dans la nature ? Voir aussi quelques références à la fin de l’interview.

Darth: Est-ce que tes images ont droit à un post traitement spécifique ?

Denis B. : Je photographie toujours en format RAW (PEF). Je «développe» mes PEF avec le logiciel fournit par Pentax (Pentax Photo Laboritory). Puis sous Photoshop CS3, j’ajuste les niveaux, courbes, netteté optimisée et j’enregistre pour le WEB. De là, un petit coup de Neat Image pour débruiter [en fonction du profil Ad Hoc selon la sensibilité ISO choisie] (version demo donc par de méta données) et redimensionnent pour le WEB.

Darth : Est-ce que tu conti­nues à explo­rer de nou­velles idées, ou préfères-tu res­ter maître de ton domaine ?

Denis B. : J’essaie surtout d’attirer de nouvelles espèces sur ma main afin de les photographier. J’ai aussi tenté la vidéo à l’aide d’un petit compact numérique et j’y ai trouvé plein de possibilités mais je demeure avant tout un adepte de l’image fixe. Il y a plein de gens, ici au Québec, qui photographient les oiseaux sur la main (la leur ou celle d’autrui) et je ne pense pas revendiquer le titre de maître dans ce domaine. J’ai diffusé des images sur quelques forums photo et cela surprend souvent les lecteurs qui se demandent comment je m’y prends. Il faut juste tenter l’expérience et arriver à exploiter au mieux son matériel photo. Sans oublier que les oiseaux doivent coopérer un tant soi peu…

Darth : Quels sont les pho­to­graphes que tu admires ?

Denis B. : Les photographes (amateurs ou pros) dont les images viennent remuer de vives émotions, somme toute des images qui me parlent et cela, peu importe le sujet traité.

Chez les pros, j’admire que ce que produit Art Wolf.

Chez les amateurs experts, sans vouloir vexer qui que ce soit, j’avoue que Polygraphe (Philippe LAGABBE) m’inspire par sa maîtrise de la gestion de la lumière (paysages et champignons) et ses compositions / cadrages ciselés au millimètre.

Darth : Qu’elle est ta photo pré­fé­rée, de ta pro­duc­tion et d’un autre photographe ?

Denis B. : Pour les miennes et dans le sujet, c’est la première photo que j’ai réussie d’une mésange à tête noire, sur ma main, les ailes déployées et le reste du corps net. Une deuxième serait celle d’une sittelle à poitrine blanche obtenue après 5 années de persévérance et d’obstination à l’attirer sur ma main. Il y a la photo mais il ne faut pas oublier le contexte qui l’y a mené.

Darth : Que peut-on te sou­hai­ter pour ton ave­nir photographique ?

Denis B. : Pour moi, la photographie demeure un passe-temps passionnant. Un moyen de prendre l’air et faire de l’exercice et de s’en mettre plein les yeux. Souhaitez-moi de conserver cette passion malgré toutes les heures que cela implique à passer devant l’ordinateur…

Darth : Un der­nier mot ?

Denis B. :  Pour ceux et celles qui voudront se lancer dans la photo d’oiseaux sur la main, les pré requis sont la patience et la persévérance et restez à découvert afin que les oiseaux vous voient et vous reconnaissent.

Darth : Encore une fois merci de m’avoir accordé un peu de temps pour cette interview.

Denis B. : Tout le plaisir a été pour moi dans ce partage des plus courtois.

J’espère que vous avez tous pris autant de plaisir que moi avec cette interview.

Personnellement ça m’a beaucoup donné envie d’essayer l’aventure, mais je sens que le jour où je publierais une telle photo sur ce blog n’est pas tout près d’arriver !

Bon courage et bonne photo !

Mais qu’est-ce qu’un Histogramme ?

Si vous vous êtes déjà posé la question, cette article est fait pour vous.

Si vous savez, mais vous avez besoin de précisions ou de revoir les bases, cet article est fait pour vous.

Ce billet est là pour vous faire entrer dans le monde de l’histogramme, à la fin du voyage ce mot barbare n’aura plus aucun secret pour vous.

Il a été écrit par un grand spécialiste  en la matière, Michel Garofano, que je remercie de tout coeur d’avoir pris le temps de vulgariser cette notion, un outil dont on ne peut plus se passer quand on sait l’utiliser.

Assez parlé, je vous laisse avec son explication … bonne lecture !

HISTORIQUE :

A sa création, l’image numérique c’est appuyée sur la conception argentique. Les éditeurs d’images (Photoshop et autres) ont donc placé « Luminosité » et « Contraste » dans les menus. Luminosité correspondant au temps d’exposition et contraste au gamma du papier.

Même s’ils existent toujours, ces curseurs se sont rapidement montrés insuffisant pour fournir un travail précis. De là est né l’idée d’un nouvel outil, l’histogramme.

Cette nouvelle fonction c’est développer pour se retrouver dans tout les logiciels mais aussi presque tout le matériel photo. Si en retouche il est INDISPENSABLE, il est également très utile en prise de vue.

PRINCIPE:

L’histogramme est un compteur à pixel, il met en évidence la répartition des niveaux de gris de l’image en les présentent répartis sur 2 axes :

Les X vont du noir au blanc (de 0 à 255)
Les Y , le nombre de pixels par niveaux

Pour qu’une image comporte un maximum de nuances sans pertes de détails, il faut une courbe la plus large possible sans que les extrémités ne soient coupées. Nous allons voir plus loin que de sa forme dépend le contraste et de sa position dépend la luminosité. La lecture est utile à la prise de vue pour optimiser l’exposition et en traitement pour modifier les valeurs de l’image

Certain histogramme sont en couleurs, ce qui facilite la lecture colorimétrique de l’image mais le principe reste identique. La courbe peut également varier selon le mode de calcul. Les différences n’ont aucune incidence pour l’utilisateur

LECTURE DE LA FORME :

La courbe peut prendre la forme d’une bosse ou d’un creux. Ceci en fonction du contraste de l’image…

Dans l’image ci-dessus :

• Les parties sombres (point A) sont incluses dans l’image.
• Pareil pour les parties claires (point B).
• Le sommet de la courbe est pratiquement centré, Il y a donc beaucoup de nuances de gris
• La pente est douce, en forme de cloche, la scène n’est pas très contrastée

Dans l’image ci-dessous, c’est le contraire. La courbe est en forme de cuvette. D’un coté les immeubles et de l’autre le ciel. Toute la plage utile est utilisée et même au-delà, la partie droite est tronquée. Quelques détails dans les nuages sont manquants, ils sont restitués par un aplat blanc

LECTURE DE LA POSITION :

La position horizontale définit la densité. Au moment de la prise de vue, trop à gauche et l’image risque d’être sous-exposée. Trop à droite et c’est la surexposition. Une bonne analyse doit tenir compte du sujet.

L’image ci-dessus n’est pas trop sombre, elle comporte simplement beaucoup de nuances foncées. Pareil pour l’image ci-dessous qui n’est pas trop claires. Je suis sur de ne pas me tromper parce que les courbes ne sont pas tronquées. Elles finissent en pente (en pointes) au début et à la fin.

A LA PRISE DE VUE :

L’histogramme est un outil complémentaire au système de mesure. Sa lecture permet de savoir si l’exposition est correcte. Malgré les progrès technique, les sujets et situations difficiles peuvent fausser le résultat de la mesure. Comprendre l’histogramme de son boitier corrige donc les erreurs et évite les pièges.

Voici une image « standard » et son histogramme sous l’éditeur (Photoshop)

Les valeurs sont moyennes, c’est à dire sans parties très sombres ni très claires. Si l’exposition est bonne, la courbe sera centrée et ne sera pas coupée aux extrémités. Ici c’est le cas.

Au moment de déclencher, j’ai fait un bracketing sur 3 diaphragmes :

CONSTATATIONS :

• La courbe est assez différente de celle présenté plus haut sous Photoshop. Ceci n’a pas d’importance et m’as permis d’apprécier l’expo juste.
• L’image est constituée de 2 masses que je retrouve sur le graphique par 2 sommets.
• J’ai déterminé l’expo en fonction de la répartition sur mon graphe.
• A +1 diaph, les parties les plus claires sont brulées, l’extrémité droite a disparue.
• A –1 diaph, je peux encore enregistrer tout les détails (pointe gauche présente) mais il faudra que je rééquilibre l’ensemble de l’image en l’éclaircissent avec une retouche.

J’ai ajouté un trait rouge (identique dans chaque image) pour visualiser la compression (-1) et l’extension (+1) des valeurs moyennes. Ceci est utile pour jouer sur le contraste (voir traitement).

Lorsque la scène est très contrastée, il faudra faire le choix de couper les noirs ou les blancs en fonction du sujet.

Exemple avec ce mur en contre-jour. J’ai choisi de sacrifier quelques nuances blanches (ciel sous l’arche) et ainsi de favoriser le mur.

A contrario, pour ce sujet clair sur un fond sombre, j’ai choisi de tasser les ombres pour ne pas bruler le pigeonnier.

Ci-dessous à gauche, l’histogramme de la prise de vue en mode manuel. A droite, celui obtenu en mode automatique.

On parle d’exposition à droite ou d’exposition à gauche lorsqu’on fait le choix d’aligner le pied de l’histogramme en butée mini ou maxi. Sur l’image ci-dessus, j’ai exposé à gauche et sur celle de l’ogive, j’ai exposé à droite.

Pour optimiser la puissance des processeurs, les fabricants utilisent des modes de calcul par moyenne ou par sondage. Le résultat devient très variable d’un constructeur à l’autre. Il est donc impératif de bien connaitre les limites de sont boitier. Pour ce faire, il faudra comparer son l’histogramme à celui de votre éditeur d’image. Ce dernier utilise le dernier x2/x4 cores de votre unité, il a largement le temps de faire des calculs plus précis.

EN POST PRODUCTION :

INTRODUCTION

A l’origine l’histogramme a été créé pour la retouche. C’est ici qu’il prend tout son intérêt. Nous allons pouvoir modifier la densité, le contraste et la colorimétrie simplement en déplaçant trois curseurs.

Pour plus de compréhension, j’ai photographié une charte de gris avec 3 zones, blanc, noir et un gris qui réfléchi 18% de la lumière reçu. Faite un click droit « Enregistrer l’image sous …» si nécessaire :

Pour que la couleur ne vienne pas interférer, j’ai mis la charte en noir et blanc (niveau de gris). Trois vignettes (blanc, noir, gris 50%) ont été ajoutées pour servir de référence. Elles ne varient pas d’une illustration à l’autre.

LECTURE :

Le comptage des pixels et le graphisme qui en découle semble évident.

• La 1ere barre correspond à la partie sombre. Je constate que cette zone n’est pas tout à fait noire, elle commence après le noir pur.
• La 2eme barre, c’est celle du gris. Il ne reflète que 18% et est donc un peu décalé par rapport au repère 50% (curseur gris)
• La 3eme barre n’est pas en butée. Les blancs peuvent encore gagner de l’éclat

CORRECTION DU CONTRASTE :

En réduisant la courbe en largeur, je vais augmenter le contraste. Pour se faire, je déplace les curseurs noir et blanc.

Je constate qu’en supprimant les barres extrêmes, j’obtiens du noir et du blanc dans les zones concernées.

Application :

Cette porte semble correctement exposée mais les couleurs que j’ai vus ne correspondent pas au fichier brut. La forme en cloche m’informe qu’il y a très peu de noirs, beaucoup de gris et pas du tout de blancs.

Je supprime les détails sombres qui n’apportent pas réellement d’informations. Je déplace mon curseur blanc à la limite des tons les plus clairs.

J’ai gagné en contraste ! Les couleurs sont plus flatteuses et paraissent mieux répartis sur toute la gamme disponible. Je dis « paraissent » parce qu’en étirant les gris pour aller du noir au blanc, j’ai créé des trous dans mon histogramme.

Après correction, en ouvrant de nouveau mon histogramme, je constate une discontinuité des tons. On parle alors d’histogramme en peigne ou en râteau. Il y a donc des limites à la récupération d’une image.

A noter que ce phénomène est moins sensible avec des fichiers supérieurs à 8 bits / couches mais reste présent.

CORRECTION DE LA LUMINOSITE :

En déplaçant le curseur gris, la luminosité va changer. En l’occurrence ici, je transforme mon gris 18% en gris 50%. En conséquence l’image va s’éclaircir.

Application :

Ce paysage est trop lumineux. Sur l’histogramme, je peux lire qu’il n’y a aucuns noirs. Au vu de la partie droite, les zones claires de la scène sont devenues blanches sur l’image.

En déplaçant le curseur gris je récupère les tons moyens.

A noté que si les gris sont mieux restitués, je n’ai récupéré aucun détail dans les éléments surexposés. Façades et rochers resteront blancs à 100%

Je constate les mêmes limites de correction que pour le contraste. A gauche c’est comprimé, J’ai un râteau supérieur. A droite c’est dilaté, j’ai un peigne.

CORRECTION DE LA COULEUR :

La charte a été photographiée avec la balance des blancs automatique. Elle présente une légère dominante froide.

La aussi, l’histogramme va servir de guide pour rectifier le tir. L’affichage par couche montre un rouge un peu sombre et un bleu un peu clair.

L’ajustement du curseur gris dans chaque couche rééquilibrera le chromatisme.

Application avec variante :

La grange est éclairée par des néons (lumière discontinue) et il est très difficile d’obtenir un bon équilibre chromatique. La luminosité est très faible, sans ombre. Le résultat est une image terne.

Sur les histogrammes par couches, je constate un déficit de rouge. Pour obtenir une image plus punch et avoir des couleurs moins froides, je vais agir sur le contraste de chaque couche. Je déplace les curseurs blancs sur les dernières valeurs claires disponibles. Je fignole la couleur avec les curseurs gris.

Je pense que si vous lisez ces lignes, c’est que l’histogramme n’a plus de secret pour vous.

Du coup je suis sûr que vous allez faire de bonne photo, donc…

Bon courage !

PS: Encore merci à Michel pour le temps qu’il a passé à écrire cet article !