Voilà un sujet photo tout à fait particulier et qui génère beaucoup d’idées reçues, qui pour la plupart sont fausses.

Avant même de commencer à vous expliquer comment faire pour obtenir un portrait en Low Key, je me dois de vous donner la définition exacte de ce style particulier en n’oubliant pas de balayer au passage les fausses informations que vous aurez pu entendre ou lire !

Car malheureusement, comme pour le High Key quand on cherche des infos sur le sujet on tombe sur des choses franchement farfelues et pour la plupart erronées !

À l’heure actuelle, si l’on tape les mots clefs : ”Photo Low Key” dans Google les liens que l’on trouve sur la première page donnent tous de fausses informations !

Mais voyons ça plus en détail.

Avant d’entrer clairement dans le vif du sujet, il faut préciser que ce que nous allons voir aujourd’hui est de la photo typiquement studio.

Cela ne change pas fondamentalement les choses, mais ça implique de votre part un soin particulier sur toutes les facettes de la prise de vue. Car ici, pas de lumière extérieure, pas de chose ou d’élément non contrôlé, tout ce qui fera votre photo viendra de vous. De la lumière à la pose du modèle, le tout devra être pensé et réfléchi à l’avance.

Ne vous lancez pas dans une séance studio, si vous n’avez pas déjà une bonne idée de ce que vous voulez obtenir !

Sans ça vous serez certainement déçu d’un résultat aléatoire dans un contexte où l’on est sensé contrôler presque tous les éléments.

Qu’est-ce que le Low Key :

Voici ce qui semble être la meilleure définition du Low Key :

Image dont la tonalité prédominante se situe dans les valeurs sombres.

Pourtant, quand on cherche sur internet, presque la totalité des sites vont vous donner comme définition quelque chose du genre :

Le low-key, c’est un style d’éclairage dans lequel seule une partie de l’image est éclairée. Le reste est laissé dans l’ombre.

En réalité, un Low Key se définit par la prédominance de tons foncés, et non pas par le type d’éclairage.

Beaucoup pensent que le Low Key est un clair obscur, sauf que si le style clair obscur est un Low Key, tous les low Key ne sont pas des clairs obscurs.

… Difficile n’est-ce pas ?

Ne cherchez pas trop à vous compliquer la vie, gardez simplement en tête que le Low Key est une image à prédominance sombre, qui peut comporter toutes sortes de tons, tant que la majorité de ceux-ci sont dans le sombre.

Pour vous faire une meilleure idée, l’image d’illustration est un Low Key, tout comme l’image ci-dessous :

Cliquez sur l’image pour la voir en grand format.

Comment obtenir un Low Key ?

Comme on vient de le voir, ce style demande de travailler dans les tons sombres, on va donc privilégier les fonds foncés.

Ce n’est pas obligatoire qu’ils soient noirs, mais pour débuter ce sera plus simple d’utiliser un fond noir.

Je vous rassure, pas besoin de dépenser des fortunes, un simple drap accroché à un mur et le tour est joué !

Où cela devient plus délicat, c’est pour l’éclairage de la scène.

La plupart des sites vont vous expliquer qu’un seul flash sera largement suffisant.

Pondérons ces propos en disant : C’est possible avec un flash, mais difficile, plusieurs sources lumineuses seront plus efficace.

Par exemple, voici le plan d’éclairage de la photo qui se trouve juste au-dessus :

Deux flashs studio avec softbox (pour adoucir la lumière) et deux réflecteurs pour éclairer le sujet, ainsi qu’un flash cobra derrière le modèle pour éclairer le fond.

On voit que cette photo a demandé un peu plus qu’un seul flash…

Mais, je vous rassure, je n’ai pas changé d’habitude, je vais vous expliquer comment faire au plus simple.

Nous verrons également comment procéder avec des éclairages plus complexes.

L’exposition (Flashmètre) :

L’expo est un des points clefs, il va falloir y faire particulièrement attention.

En premier lieu, quand on fait du studio, on essaye toujours de travailler avec les valeurs iso les plus basses et surtout en RAW pour garder le maximum d’info et ainsi avoir un contrôle absolu de l’expo quand le moment sera venu de développer vos images.

Pour mesurer parfaitement votre expo, l’idéal serait bien entendu d’utiliser un flashmètre.

Grâce à lui on peut faire des mesures fines et précises de la lumière incidente (celle qui vient sur le sujet, et non pas celle reflétée par le sujet, comme le ferait la cellule de votre reflex) sur des points donnés, aussi bien sur le modèle que sur le fond.

Malheureusement, pour la plupart d’entre eux, mes lecteurs ne possèdent pas un tel instrument, il faudra donc faire sans.

Dans ce cas, le mieux reste encore de shooter le boitier branché sur un ordinateur portable pour vérifier le résultat en direct sur un écran de bonne qualité.

Dans tous les cas, plus vous serez soigneux avec votre exposition, meilleur sera le rendu.

Travailler en mode M :

En studio, quand on utilise des flashs, on se doit de travailler en mode manuel.

En effet, après avoir trouvé la meilleure exposition, il faut impérativement garder les mêmes valeurs.

1. On trouve l’ouverture qui convient pour la PDC que l’on désire.
2. On trouve la vitesse d’obturation qui se marie bien avec la puissance de nos flashs.
3. On reporte ces valeurs en mode M et on ne bouge plus !

Étant donné que ce sont les flashs qui fournissent la lumière en quantité désirée, la vitesse d’obturation n’a que peu d’importance. Quant à l’ouverture, elle ne doit être réglée qu’en fonction de la profondeur de champ !

Le maitre mot en studio reste donc le mode manuel !

L’intensité des flashs et la lumière ambiante :

Avec les flashs cobras modernes, l’intensité de ceux-ci se règle automatiquement selon la scène et la lumière ambiante.

De ce fait, et pour avoir un contrôle parfait de l’éclairage, il faudra impérativement régler vos flashs cobras manuellement.

La question ne se pose pas avec les flashs studio, dont on règle forcément l’intensité soi-même.

Une des grandes inquiétudes de ceux qui commencent le studio, c’est de savoir qu’elle sera l’influence de la lumière ambiante qui existe déjà dans la pièce.

Vous pouvez vous rassurer à ce sujet, car à moins d’éclairer votre pièce avec un spot de 5’000 Watts, cette lumière sera toujours plus faible que celle produite par vos flashs.

Pour vous en convaincre, il vous suffira, une fois que tous vos réglages boitier et flash seront faits, de déclencher votre appareil sans flash.

Si la photo est noire ou presque, c’est que la lumière ambiante n’aura pas de conséquence sur votre image.

Avec un seul flash Cobra :

Pour obtenir un Low Key de qualité, le principe de base est d’utiliser la lumière pour modeler le portrait.

Le placement des sources et leur intensité sont primordiaux et peuvent tout changer.

Avec un seul flash, on va devoir un peu ruser et utiliser un accessoire magique, le réflecteur !

Pas besoin d’en acheter un, on va le fabriquer maison de façon très simple.

On a besoin que le réflecteur soit grand, au moins 80*60cm. Pour le fabriquer on va prendre un carton d’emballage (du type qu’on utilise pour envoyer des colis), l’aplatir et y mettre du papier alu que l’on va maintenir avec du ruban adhésif.

Et nous voilà avec un réflecteur de très bonne qualité pour lequel on n’aura dépensé presque rien.

Il y a bien entendu des dizaines d’autres façons de fabriquer un réflecteur maison, à vous de voir si vous avez, ou si vous trouvez de meilleures idées.

Maintenant que l’on a notre réflecteur, nous pouvons penser à nous occuper de notre flash.

La première difficulté va être de faire le maximum pour éviter d’éclairer le fond.

Si vous mettez votre flash en direction de votre sujet, qui est lui-même placé devant votre fond noir, celui-ci, éclairé par le flash, va vite devenir un fond gris, aussi noir soit-il à l’origine !

Pour éviter cela, nous allons essayer d’orienter la lumière de notre flash afin qu’elle ne touche pas, ou presque pas, le fond.

Le plan d’éclairage ci-dessus n’est pas à prendre au pied de la lettre. Il est ici pour vous orienter dans le placement de votre matériel.

Comme on peut le voir, le but est d’éclairer le sujet, et non pas le fond.

Le flash cobra (qu’il faudra impérativement diffuser, par exemple à l’aide d’un mouchoir en papier) ici placé à un peu moins de 45° par rapport à l’objectif, est orienté de façon à éclairer le côté gauche du modèle ainsi que le réflecteur, qui lui va renvoyer une partie de la lumière sur le côté droit du sujet, qui sans ça aurait été trop dans l’ombre.

À vous de chercher les meilleurs emplacements, réglages et autres, pour obtenir un éclairage qui vous convient.

N’hésitez pas à changer la position du réflecteur, l’orientation du flash, sa puissance, de déplacer votre modèle, afin d’obtenir ce vous désirez.

Petite précision, si vous avez un appareil tel que le 600D ou autre 7D (de même chez Nikon) qui gère les flashs à distance depuis leur flash pop-up, n’hésitez pas à vous offrir de la liberté et déportez le flash !

Multiflash (Cobra et Studio) :

Cliquez sur l’image pour la voir en grand format.

Si vous avez la chance d’avoir plusieurs flashs cobras, ou encore des flashs de studio, vous pourrez cette fois modeler la lumière avec beaucoup plus de finesse.

Ici, on va garder simplement le même principe que pour le flash unique, mais en ajustant chaque source pour qu’elle opère de façon précise et qu’elle joue un rôle dans la composition et le rendu final.

Chaque scène étant particulière, chaque portrait étant unique, il faut travailler sa lumière en fonction de vos attentes.

Comme il y a des dizaines et des dizaines de façons de modifier une lumière, comme il y a une infinité de possibilités de placer ses flashs par rapport au fond et au sujet… etc, on peut dire qu’il n’y a pas vraiment de recette toute faite.

Il suffit de garder la même façon de penser que pour le flash unique.

Cela peut sembler simpliste de ma part de dire que l’on garde le même principe, mais c’est pourtant bien la façon de procéder.

• Ne pas directement éclairer le fond avec les flashs qui éclairent le sujet (cela doit se faire à part dans le Low Key si on désire autre chose qu’un fond noir).
• Modeler la lumière en additionnant les différentes sources (avec flash, diffuseur, parapluie, softbox, réflecteur… etc.)
• Bien vérifier son expo pour rester dans des valeurs sombre sur la majorité de l’image (ce qui n’interdit pas les tons clairs tant qu’ils ne prédominent pas).

Pour vous faire une idée, je vous mets ci-dessous le plan d’éclairage de la photo d’illustration, ainsi qu’une photo du ”Making-off”.

Comme vous pouvez le constater, j’ai gardé le même principe de base. La disposition des éclairages change par rapport aux autres plans d’éclairages présentés dans cet article, mais il est toujours dans le même esprit.

Il ne faut pas hésiter à faire preuve d’imagination pour obtenir ce que l’on veut au final.

Par exemple, on peut remarquer sur la photo d’illustration de l’article que le bas de l’image, là où l’on voit le t-shirt rouge de la petite fille, est légèrement plus foncé.

Ceci n’a pas été obtenu en post-traitement, mais en jouant sur la vitesse de synchro de mon boitier.

En effet, ma synchro X est limitée à 1/300 de seconde. J’ai donc réglé la vitesse sur 1/320 de seconde pour que le rideau de l’obturateur assombrisse très légèrement le bas de l’image.

On peut aussi voir sur la photo du making-off que le fond est constitué d’un simple drap noir et que mon réflecteur est fait maison.

Un peu d’astuce est un gros plus pour obtenir ce que l’on désire.

Post-traitement :

Quand vous avez pris toutes vos photos, n’oubliez jamais qu’elles ne sont pas encore développées, et qu’il leur faudra passer par la moulinette d’un programme pour en tirer le meilleur.

Plus vous aurez été appliqué à la prise de vue, moins vous aurez de travail en post-traitement.

Les choses que vous devrez corriger devraient se résumer à cela :

• Petite retouche des imperfections de la peau (mais un bon éclairage ainsi qu’un bon maquillage devraient très largement limiter cette partie) toutefois, voici le lien d’un tuto que j’avais fait sur le sujet : Tuto Photoshop rendre la peau plus nette
• Contrôle de la balance des blancs pour avoir une température couleur qui correspond à l’idée que vous vous faites de votre image.
• Contrôle de la colorimétrie, du contraste et de l’accentuation.
• Ajustement très léger de l’expo (surtout si elle n’a pas été calculée avec un flashmètre).

Normalement, si vous avez bien suivi mes conseils, vous ne devriez pas avoir plus de choses à faire.

Conclusion :

Si vous êtes arrivé au bout de cet article un peu intense, je ne peux que vous féliciter.

J’espère surtout qu’il vous aura donné l’envie de vous essayer au studio, plus particulièrement au style Low Key.

Malheureusement, mon article est naturellement loin d’être exhaustif, bien que j’aie essayé d’être le plus complet possible.

Si vous avez donc des questions, des besoins de précisions, ou même des astuces et méthodes auxquels je n’aurais pas pensé, n’hésitez pas à m’en faire part dans les commentaires.

Sur ce, je vous dis bon courage et bonnes photos !

Je suis tout particulièrement content d’écrire cet article sur la photo d’oiseau et ceci pour deux raisons.

La première, c’est bien entendu le fait que c’est par-dessus tout mon sujet photo préféré.

La deuxième, c’est que pas mal de mes lecteurs me réclament cet article depuis un bon moment.

Dans cet article, nous allons nous pencher sur la prise de vue d’oiseaux que l’on croise moins fréquemment que les moineaux, pigeons ou autres mouettes. À mes yeux ces derniers sont tout aussi intéressants que d’autres oiseaux (j’adore faire des photos de moineaux) mais comme on les trouve facilement, la seule difficulté va être de les sublimer.

C’est d’ailleurs un très bon terrain d’entrainement.

Si vous êtes totalement néophyte en matière de photographie d’oiseau, je vous invite à lire les deux articles ci-dessous avant de continuer celui-ci:

Et si on commençait simplement!
Oiseaux en vol

Maintenant que tout le monde est plus ou moins au même niveau, on va pouvoir commencer et entrer dans le vif du sujet.

La toute première chose à savoir quand on fait de la photo d’animaux sauvage, oiseaux compris, c’est que le Maitre mot est Patience!

Une fois gravé ça quelque part dans votre tête, tout devient plus simple.

Choisir notre future star

Pourquoi commencer par choisir l’oiseau qui va nous intéresser?

S’il est vrai qu’au court d’une balade en été (en campagne) on a loisir de croiser beaucoup d’espèces, quand il s’agit de les photographier tout devient plus difficile.

En photo le but étant de figer l’instant, il faut être sûr que l’on va pouvoir obtenir la photo désirée.

Venir avec son matériel photo et rentrer bredouille (ça vous arrivera dans tous les cas) c’est frustrant, surtout si la semaine d’avant vous avez croisé plein d’oiseaux lors de votre balade dominicale.

Ceci vient d’une méconnaissance des oiseaux et des espèces qui peuplent l’endroit de votre choix.

Si je vous conseille de choisir une seule espèce, ce n’est pas pour vous brider, mais pour vous donnez toutes les chances de réussir vos futures photos.

Avec le temps et l’expérience, vous pourrez élargir votre choix et gérer plusieurs espèces à la fois.

Et n’oublions pas le coup de chance, celui qui fait que vous vouliez la photo de tel oiseau et que ce jour précisément ce fut un autre qui était d’humeur à poser pour vous.

Comment choisir ?

Avant même d’envisager un choix, il faut savoir quelles sont les oiseaux qui vivent dans votre région. Quelles sont ceux qui ne restent qu’une partie de l’année, qu’elles sont les espèces résidentes…etc.

Pour avoir toutes ces infos, je dirais qu’internet est votre ami. Tout particulièrement les forums spécialisés nature où vous allez pouvoir poser les questions sur les oiseaux de votre région, je pense entre autres à l’excellent forum Image&Nature.

Il y a aussi de très bons guides ornithologiques et le site très connu www.oiseaux.net qui seront des guides précieux.

Maintenant que vous avez un large éventail, votre choix va devoir se porter sur l’oiseau qui vous correspondra le mieux.

Si vous êtes débutant et que vous n’avez qu’un compact, il est évident que choisir le faucon pèlerin sera une très mauvaise idée.

Ici, il n’y a que la logique qui va primer et le fait de bien connaitre vos capacités.

Malheureusement, votre matériel va compter pour beaucoup.

Si vous êtes l’heureux propriétaire d’un 800mm avec un boitier qui a un AF de course, il n’y a plus que vos capacités qui vont entrer en ligne de compte. Si malheureusement votre matériel est plus modeste, il va falloir compter avec et choisir des oiseaux qui ne poussent pas votre matériel dans ses derniers retranchements.

Bien entendu, cela ne veut pas dire que vous n’allez pas un jour ramener une photo d’une buse variable en pleine chasse, mais il est évident que cela va être plus difficile.

Au final, ici, il n’y a que vous qui puissiez à travers vos questions et recherches savoir qu’est-ce qui sera le plus adapté pour vous.

Le connaitre parfaitement

Une fois le choix de l’oiseau, qui va être la star de vos photos durant quelque temps, fait, il faut le connaitre le mieux possible.

C’est en réalité 95% de la réussite de votre photo qui dépend de la connaissance que vous avez de l’espèce.

Plus vous allez connaitre de détails, plus vos chances de l’approcher seront grandes.

J’avais fait il y a quelque temps un article sur les hérons cendrés voir ICI où j’expliquais les bases pour le photographier. Si vous n’avez pas encore lu, je vous invite à le faire.

Dans cet article sur les Hérons, je vous expliquais les bases de ce qu’il faut savoir sur cet oiseau pour le photographier. Comme vous pouvez le constater, je parle de son habitat, de sa vue, de son ouïe, de ce qu’il mange…etc.

Ce sont ce genre d’informations (et bien d’autres) qu’il est important d’avoir.

Il vous faut engranger un maximum d’infos sur l’espèce qui vous intéresse pour mettre toutes les chances de votre côté.

De plus, en cherchant ces informations, vous allez peut-être découvrir des réserves naturelles ou vous serez dans les meilleures conditions pour photographier. Certaines ont même des affûts permanents posés pour l’observation et la photographie.

Vous pouvez aussi trouver des ”spots”, des endroits où l’oiseau qui vous intéresse se trouve facilement.

Soyons patients

Maintenant que vous êtes incollable sur votre oiseau (certainement devenu votre préféré) la première chose à faire n’est pas de courir prendre votre matériel photo en espérant lui tirer le portrait.

Il faut tout d’abord commencer par faire du repérage et de l’observation.

Pour cela, il faut aller à l’endroit où vous pensez trouver votre sujet. Prenez avec vous vos jumelles pour l’observation, et votre appareil photo, ne sait-on jamais.

Mais le but n’est pas de prendre des photos, mais bien d’observer l’oiseau.

Savoir géographiquement où il est, où il chasse, où il se repose, comprendre ses habitudes, son comportement et tous les détails qui pourront vous aider.

Il faut ensuite trouver l’endroit idéal où vous vous placerez pour vos futures photos.

Selon la méfiance et intelligence de l’oiseau choisi, il faudra peut-être l’habitué à votre affût (on parlera de l’affût plus bas) et à la présence des différents éléments qui composeront celui-ci.

Il ne faut pas hésiter à faire du repérage plusieurs jours de suite.

Plus votre préparation sera grande, plus vous aurez de patience, plus vos chances de faire de bonnes photos vont augmenter.

Vos Vêtements

Que vous photographiez en billebaude ou en affût, et même lors de vos repérages vos vêtements ont une grande importance.

Beaucoup d’oiseaux ont une très bonne vue et peuvent vous repérer de loin. Il faut donc, essayer le plus possible de se camoufler.

Attention, bien que c’est le must, je ne vous dis pas d’en arriver à la ghillie suit testé par notre cher Cédric.G sur son fameux blog Aube-Nature, mais tout de même d’avoir un minimum de camouflage.

Souvent s’habiller foncé est un très bon début, mais on peut trouver des vêtements de camouflage très facilement et bon marché dans les surplus militaires.

Plus vous serez discret, plus votre approche sera simple.

L’affût

Voilà un sujet qui mériterait un article à lui tout seul, voir même plusieurs articles tellement il y a de chose à dire.

Il y a toutes sortes d’affûts, ceux construits en ”dure” mis à disposition gratuitement ou moyennant monnaie Les Affûts payants et pour finir ceux que l’on peut transporter qui part de la simple couverture de camouflage bricolée (souvent attachée aux branchages pour fabriquer ”l’abri”) jusqu’aux luxueuses ”tentes” plusieurs places et même des affûts flottants.

Autant dire qu’il y en a pour tous les goûts, toutes les pratiques et toutes les bourses.

Vous aurez compris que sa fonction est de vous placer à un endroit stratégique pour attendre votre ”cible” sans que celle-ci vous voie.

Ce qui implique plusieurs choses selon la méfiance de l’oiseau.

Le placer plusieurs jours avant afin qu’il s’habitue à sa présence, entrer sans que l’oiseau ne vous voie…etc.

Le mieux encore une fois est de prendre conseil sur les forums auprès de spécialiste qui seront certainement heureux de vous donner quelques bons conseils et astuces.

C’est bien entendu les informations que vous aurez récoltées sur l’oiseau, comme le lieu où il se trouve, sa ”timidité”, ses réactions, etc, qui vont permettre de déterminer s’il faut un affût ou si une simple randonnée photographique (billebaude) peut s’avérer suffisante.

Le matériel

Comme vous le savez, depuis plus de deux ans que j’écris sur ce blog mon but premier est de vous donner des astuces sans vous faire dépenser d’argent (ou très peu) et en vous contentant de votre matériel.

Malheureusement, quand on touche à la photo animalière très vite deux besoins se font ressentir.

1. Une longue focale, idéalement au-dessus de 300mm pour les oiseaux.
2. Un Auto Focus vraiment performant (surtout pour les oiseaux en vol).

Ce sont ces deux éléments qui vont vite devenir indispensable si vous vous passionnez pour la photo d’oiseau (et animalière en général).

Bien entendu, on peut toujours essayer de se passer de ces deux atouts, mais selon les oiseaux cela devient très vite difficile pour ne pas dire impossible.

Malheureusement, plus le boitier est rapide et plus la focale est longue, plus le tout coûte cher.

Avant de vendre sa voiture ou ses enfants pour financer l’achat d’un 600mm F/4, vous pouvez tout à fait débuter avec un 70–300 qui vous permettra de vous débrouiller dans bien des situations.

Un objectif du genre sera aussi suffisant pour vous faire une idée sur la photo d’oiseau et savoir s’il devient indispensable pour vous de viser du matériel plus performant.

Les seuls appareils qui seront vraiment mis à mal seront les compacts et les bridges dont l’autofocus aura toutes les peines du monde à se montrer à la hauteur.

Sinon, à moins de n’avoir que des objectifs en dessous de 200mm, on peut s’arranger pour tirer de belles images.

Il faut aussi penser à prendre un trépied (ou un monopode).

Le trépied est indispensable pour l’affût, attendre des heureux avec l’appareil sur les genoux n’est pas vraiment envisageable.

Le monopode quant à lui se trouve être fort pratique en billebaude (surtout avec des objectifs lourds).

Pour finir, n’oubliez pas une bonne paire de jumelles, de la boisson, de quoi grignoter.…etc.

N’oubliez pas qu’il est interdit de laisser vos déchets sur place.

Bien entendu, pas besoin de vous rappeler les choses évidentes, comme de bien charger votre batterie, ne pas oublier votre carte mémoire…etc.

Le moment de photographier

Maintenant que vous êtes prêt, que vous savez tout ce que vous avez à savoir sur l’oiseau, que vous avez préparé votre expédition, que vous avez tout le matériel et les ”à côté” nécessaire, vous voilà sur le point de prendre vos premières images.

Je ne vais pas vous redonner les bases de la photo, donc, il va falloir travailler sur vos acquis en faisant attention aux choses habituelles.

Faites attention à vos réglages, il serait dommage de rater une photo, car la veille vous avez photographié une fête et que vous êtes à 6’400 iso en mode M régler à F/32 pour 1/10s.

Vérifiez donc bien que vos réglages soient optimums pour la situation où vous vous trouvez.

Attention à certains plumages qui peuvent être de vrai piège pour l’expo, comme les oiseaux foncés ou très clairs.

Pour le reste, ne vous précipitez pas, prenez le temps de cadrer et de réfléchir à votre photo.

Rien de pire que de rentrer et se rendre compter qu’avec un peu plus d’attention on aurait pu compenser ce contre-jour avec une bonne mesure spot, on attendre un peu que l’oiseau ce déplace pour ne pas avoir cette branche qui passe devant l’oiseau, j’en passe et des meilleurs.

Il  va donc falloir compter sur votre expérience.

Si vous êtes un expert dans un autre domaine de la photo, je pense que cette partie ne sera pas la plus difficile pour vous.

En vole ou au repos?

Quand on débute avec ce genre de photos d’oiseau, on espère tous faire une photo de notre espèce préférée en vol.

Pourtant, même pour ceux qui ont de la pratique, c’est difficile.

En effet, il faut suivre l’oiseau lors de son déplacement, garder la mise au point sur lui…etc.

Autant dire que l’on cumule les difficultés.

Pour autant, il ne faut pas baisser les bras. Encore une fois, la connaissance de l’oiseau sera votre atout.

Connaitre son vol, savoir comment il agit avant de s’envoler, comment il se nourrit (eh oui, cela peut vous indiquer quand et comment il va s’envoler)…etc.

Je dirais qu’à choisir, mieux vaut une belle photo d’un oiseau statique, qu’une photo ratée d’un oiseau en vol.

À vous de savoir si les circonstances vous permettent de faire ce genre d’image.

Conclusion

En écrivant cet article, je me suis rendu compte que je n’ai fait que survoler le sujet.

En réalité, j’aurais pu donner encore bien plus de détails, aller encore plus loin dans les conseilles, mais cet article approche les 2’500 mots, ce qui en fait un des plus longs que j’ai écrits sur ce blog.

Je dirais même qu’il serait aisé d’écrire un livre complet sur le sujet!

Alors, si vous pensez qu’il vous manque des infos, que vous avez des questions à poser, n’hésitez pas.

Je terminerais en vous disant, attention, on prend très vite gout à la photo animalière, tout particulièrement à celle d’oiseau!

Je vous dis donc, bon courage et bonne photo!

PS: Pour les curieux, le nom des oiseaux présents dans l’article dans l’ordre d’apparition:

1. Buse Variable
2. Vanneau Huppé
3. Héron Cendré (à la tombé de la nuit)
4. Bernache
5. Milan Royal
6. Héron Cendré

Ce billet n’est pas un mode d’emploi pour être certain de gagner un concours, mais une petite aide pour bien se prépare et ainsi mettre un maximum de chances de son côté.

Une fois cette mise au point faite, on va pouvoir commencer.

Comme vous avez dû le remarquer, il y a de plus en plus de concours photo. De ce fait, la possibilité de se mesurer à d’autres photographes et en prime gagner un petit prix est devenue quelque chose de fort simple.

Mais justement, le nombre de concours est un point essentiel, car, bien préparer son concours commence par aussi bien le choisir … Suivez le guide !

Choisir son concours:

Le choix du concours auquel on va décider de participer, ou de ne pas participer est une des étapes les plus importantes.

Cela peut sembler bizarre, voire étrange, mais vous allez comprendre qu’il ne faut pas forcément se présenter à tous les concours que l’on croise.

Étape 1, choisir le bon sujet:

Cela semble être une évidence, mais le sujet principal du concours est d’une importance capitale. Il faut toujours choisir un thème qui nous convient.

Si je prends mon exemple, quand je vois un concours dont le sujet est la photo animalière, je sais que j’ai toutes les chances de participer, si au contraire il s’agit de style ”graphisme” je vais me détourner de ce concours.

La raison est simple, si l’idée est de gagner, autant choisir un domaine où l’on se sent à son aise.

Pour autant, on peut participer à un concours dont le thème nous pose problème si on a pas dans l’optique de forcément le gagner, mais de se confronter aux autres participants.

Étape 2, le niveau de difficulté:

Il y a concours photo et concours photo.

Quand un grand magasin pour fêter le printemps décide de faire un concours photo sur les oiseaux du jardin, le niveau des participants ne sera pas le même que celui Montier en Der.

Encore une fois, rien ne vous empêche de participer à un concours dont le niveau est très haut, parfois on a de très bonnes surprises (souvent le photographe se sous-estime), mais si on y va dans l’espoir le gagner, et non pas avec l’idée de ”connaitre” son niveau, on risque d’être déçu.

Alors, je vous conseille bien entendu de ne pas vous poser de limite, mais de garder un objectif réaliste.

Il ne faut rien s’interdire,l’important reste de s’amuser.

Nous pouvons passer à la suite du programme…

Le règlement du concours:

Voici une étape que bien trop de photographes ne font que survoler, et cela peut poser beaucoup de problèmes.

Quand on fait un concours, il faut prendre le temps de lire le règlement de A à Z même les petits paragraphes en petit qui ne semblent apporter aucune information qui puisse nous aider à bien se classer.

les deux choses importantes à relever sont:

1. Tout ce que l’on a le droit de faire et ce que l’on a pas le droit de faire. Ainsi, on pourra présenter une photo qui correspond le plus aux attentes.
2. Est-ce que ce concours ne cacherait pas quelque chose. Je ne peux que vous mettre en garde sur les concours qui vous demande explicitement de céder vos droits d’auteur au profit de l’organisateur. Je sais que malheureusement cette pratique est de plus en plus rependue. Le plus triste c’est que l’on cède, dans la grande majeure partie des fois, ses droits, que l’on gagne ou non, et bien souvent le premier prix est loin de valoir ce que votre photo pourrait rapporter à ceux qui organisent le concours. L’exemple le plus magistral est celui des agences de voyages qui remplissent leur catalogue grâce aux photos de leurs clients qui leur ont gracieusement cédé les droits en participant à un concours photo dont le premier prix se trouve très loin de valoir ce qu’ils auraient dû débourser pour acheter leurs images à un prix correct… c’est le genre de concours à fuir absolument !!!

Je tiens aussi à vous mettre en garde sur les concours payants. Certains sont très bien et ont une bonne renommée, mais ce n’est malheureusement pas le cas de tous, donc il faut bien se renseigner pour savoir où vous mettez les pieds.

Maintenant que l’on sait sur quel pied danser, on va voir qui va jouer la musique du bal !

Comment est jugée ma photo

Ce point est vraiment d’une importance capitale !

Je dirais que nous avons deux possibilités et demie (la demie étant le cumule des deux premières possibilités):

1. Le vote.
2. Le jury.
3. Le concours se passe par étape. Une première partie où les gens votent pour leur photo préférée, une deuxième partie ou un jury tranche entre les finalistes.

C’est ces trois formes de ”jugement” que l’on va le plus souvent rencontrer.

Personnellement, je n’en ai jamais vu d’autre, si quelqu’un a déjà des versions différentes, je serais curieux de les connaitre, et je l’invite à partager ça avec nous dans les commentaires.

Mais revenons à nos moutons, ou plutôt, à la façon dont notre photo sera jugée.

Le point 1:

C』 est celui qui me rebute le plus. Il faut avouer que dans ce genre de situation, la qualité intrinsèque de la photo n’est pas réellement un gage de réussite. La popularité de celui qui propose la photo est bien plus un facteur déterminant.

En effet, plus de monde va voter pour vous et plus vos chances de gagner vont monter. Autant dire que (tricheur mis à part) si vous avez un épais carnet d’adresses et que vous savez faire votre pub, vos qualités marketing auront toutes les chances de vous offrir la place sur le podium, bien plus sûrement qu’une photo magnifique.

Dans ce cas précis, le seul conseil que j’ai à vous donner, c’est celui de faire une bonne photo, mais de vous ”bouger les fesses” pour obtenir un maximum de vote. Dites-vous bien que la grande majeure partie de ceux qui participent va en faire tout autant, c’est donc à celui qui aura su le mieux se vendre.

Je dois reconnaitre que c’est le genre de concours que j’évite vraiment, pour moi, ce ne sont pas des concours photo.

Le point 2:

Ici, tout reprend sa place, notre photo sera jugée par une ou plusieurs personnes, mais toujours un nombre déterminé dont on connait souvent l’identité. Bien que connaitre le nom des jurys n’est pas une influence majeure (à moins qu’il soit l’un de vos amis )

L’important ici, est surtout de connaitre leur rapport à la photo.

Pour être plus explicite, un jury composé de photographe n’aura certainement pas le même regard sur votre image qu’un jury composé de politicien. (C’est juste pour l’exemple).

Dans le premier cas, les difficultés techniques, les règles qui régissent la photo, l’esthétique..etc, seront des facteurs déterminants. Dans le deuxième cas, seul le côté ”coup de coeur”, le côté subjectif entrera en ligne de compte.

Si le thème est le paysage, et que vous donnez un HDR au premier jury, je peux presque jurer qu’une partie va être légèrement sceptique sur le sujet, alors que les politiciens auront toutes les chances d’être impressionnés par une image hors norme qui attirera certainement beaucoup leur attention.

Bien sûr, cet exemple est schématisé, mais il est vraiment important de savoir pour qui on fait la photo.

Une photo qui techniquement est parfaite, avec de grosses difficultés surmontées, va séduire un jury de photographes avertis, mais pourra laisser froids des néophytes qui ne vont pas comprendre le challenge d’une telle image.

La troisième possibilité, qui au final est la plus simple, celle qui a tous les avantages, le jury mixte. Composé de photographes avertis et de personne qui ne sont pas passionnés. Ici on aura le côté spontané de ceux qui ne sont pas fans de photo et l’analyse technique de ceux qui connaissent le sujet.

Du coup, on évite l’enlisement, le trop technique et le trop spontané qui oublie la difficulté.

La composition du jury est donc une info doit donc être prise en compte quand on choisira la photo que l’on va proposer.

Le point 3:

Je n’aime toujours pas l’idée du vote, mais nous pouvons admettre que la finalité est moins terrible que lorsqu’il n’y a pas de jury.

Ici, on devra mettre la double casquette, celle du pro marketing pour faire monter les votes et finir parmi les finalistes, et celle du bon photographe qui devra bien connaitre le public cible qui compose le jury.

Parfois c’est le genre de concours qui offre une double montée d’adrénaline, celle du aux votes et celle du à la délibération du jury, ce qui au final d’un point de vu émotionnel peut-être très sympa.

Le choix de la photo:

Je me suis longtemps posé la question de savoir s’il y avait une bonne méthode pour choisir LA photo qui mérite de participer au concours.

Au final, comme le choix d’un jury et le nôtre sont principalement subjectifs, il n’y a pas de méthode qui assure de choisir la bonne photo.

Pour autant, on peut faire des choix judicieux.

Avant même de savoir s’il on devra prendre la photo spécialement pour le concours où s’il l’on peut piocher dans notre stock, il faudra déterminer quel est dans le thème du concours le style d’image que l’on voit le plus souvent.

Cette démarche va être entreprise pour deux raisons qui paradoxalement, sont opposées.

Pour sortir du lot, il faut savoir être original. Une photo vue et revue ne va pas spécialement attirer l’attention. Dans un autre sens, une photo ”trop” originale risque de poser aussi des problèmes. Le bon choix est donc de trouver un entre-deux, et c’est aussi en regardant ce qui a déjà été fait que l’on va trouver l’inspiration.

La photo:

Je vais vous perturber, car je vous ai parlé du choix de la photo et maintenant de la photo même.

Pourquoi ?

Car, tout simplement je vous parlais de réfléchir à la photo, de savoir comment elle va se présenter, ce qu’elle va contenir …etc.

Maintenant, reste deux choix:

1. Prendre la photo depuis notre stock.
2. Faire la photo.

Qu’est-ce qui va déterminer l’une ou l’autre des approches ?

Bien entendu, notre stock, si on n’a pas la photo du sujet, on va être obligé de la faire, la question ne se pose pas.

Ou si le sujet est d’une précision absolue, par exemple ”lions dans la savane” si on habite en Europe et qu’on n’envisage pas un voyage en Afrique, on devra se contenter du stock.

Mis à part ses deux cas précis, si l’on a une photo en stock et qu’on peut en faire une autre, que choisir comme option?

Mon côté fainéant aurait tendance à dire:

Si t’as la photo, pourquoi te fatiguer à en faire une autre ?!

Mon côté plus pragmatique vous conseille lui de faire une nouvelle photo dans tous les cas.

La raison est simple, même si au final on se rend compte que la photo de notre stock était mieux et qu’on finit par l’envoyer, on met plus de chance de notre côté en faisant une photo spécialement pour le concours.

En effet, cela peut provoquer deux choses. Une inspiration que l’on aurait pas eue si on avait pas faire l’effort de faire l’image (comme une lumière particulière, un cadrage auquel on a pas pensé…etc.) et la possibilité d’avoir un choix plus large.

Il ne faut pas oublier que le but premier lorsqu’on participe à un concours, c’est de faire le mieux possible.

Plus on a de choix dans la photo que l’on va envoyer, moins on laisse de place au hasard.

C’est d’autant plus vrai avec les concours qui n’acceptent aucune retouche et qui exigent le visionnage du RAW pour être sûrs que le ”développement” n’a pas été trop poussé.

Donc, si vous en avez l’occasion n’hésitez jamais à faire une photo spécialement pour un concours.

Le rendu:

Non pas l’action de rendre la photo, mais plutôt l’application d’un traitement spécifique selon le support sur lequel sera publiée votre photo.

Attention, cela peut paraitre d’une logique si évidente que ce chapitre est inutile, mais il faut parfois se méfier.

Il parait évident pour tout photographe amateur que l’on ne va pas ”traiter” la photo de la même façon pour une version imprimée en 10*15 que pour une impression en 30*45, de même un fichier visible pour un écran en 600px de large ne sera pas fait de la même façon qu’en 1’200px de large. Et je ne parle même pas des différences entre une photo dont la finalité est d’être imprimée et une qui ne restera que sur un écran.

Pourtant, on peut très bien envoyer une photo par fichier électronique et qui au final se retrouvera imprimée (typiquement le concours mensuel d’Image Nature).

Il est donc très important de savoir sur quel support final votre photo sera jugée.

Soigner vos tirages, qu’il soit sur papier ou pour un écran.

Tenez en compte que sur un écran l’accentuation passe beaucoup mieux que sur un tirage papier, et qu’un écran est rétroéclairé, ce qui change l’aspect de l’image quand elle est imprimée.

Je sais que pour beaucoup cette partie est une évidence, mais comme on le sait:

Ce qui va sans dire, va mieux en le disant.

Quand rendre la photo:

On a notre photo prête, on sait que c’est la bonne, alors, quand l’envoyer?

Vous allez vous dire, dès que c’est prêt !

Je vous dirais qu’il faut user d’une certaine stratégie.

Il y a le plus souvent une période d’envois pour rendre ses photos.

Si le concours comporte une partie votation, le mieux est de le poster le plus tôt possible. Ainsi, on aura plus de temps pour récolter les votations.

Si au contraire le concours n’a que la partie jury, il faut s’arranger pour ne pas envoyer sa photo trop tôt … mais attention pas trop tard non plus.

En fait, on va travailler sur l’effet psychologique. C’est humain de prendre la première photo comme une sorte d’étalon

Dernière ligne droite:

Maintenant on a fait tout ce qu’on pouvait, il ne nous reste plus qu’à attendre.

À partir de là, le seul conseil qui me reste à vous donner, ne pas trop penser au résultat, cela ne vous apportera rien de plus sinon de vous faire de fausses idées.

D’autres conseils:

Si mes chers lecteurs ont des conseils supplémentaires, surtout, n’hésitez pas à les partager avec nous

Bon courage, bonne photo et bon concours.

Mais qu’est-ce qu’un Histogramme ?

Si vous vous êtes déjà posé la question, cette article est fait pour vous.

Si vous savez, mais vous avez besoin de précisions ou de revoir les bases, cet article est fait pour vous.

Ce billet est là pour vous faire entrer dans le monde de l’histogramme, à la fin du voyage ce mot barbare n’aura plus aucun secret pour vous.

Il a été écrit par un grand spécialiste  en la matière, Michel Garofano, que je remercie de tout coeur d’avoir pris le temps de vulgariser cette notion, un outil dont on ne peut plus se passer quand on sait l’utiliser.

Assez parlé, je vous laisse avec son explication … bonne lecture !

HISTORIQUE :

A sa création, l’image numérique c’est appuyée sur la conception argentique. Les éditeurs d’images (Photoshop et autres) ont donc placé « Luminosité » et « Contraste » dans les menus. Luminosité correspondant au temps d’exposition et contraste au gamma du papier.

Même s’ils existent toujours, ces curseurs se sont rapidement montrés insuffisant pour fournir un travail précis. De là est né l’idée d’un nouvel outil, l’histogramme.

Cette nouvelle fonction c’est développer pour se retrouver dans tout les logiciels mais aussi presque tout le matériel photo. Si en retouche il est INDISPENSABLE, il est également très utile en prise de vue.

PRINCIPE:

L’histogramme est un compteur à pixel, il met en évidence la répartition des niveaux de gris de l’image en les présentent répartis sur 2 axes :

Les X vont du noir au blanc (de 0 à 255)
Les Y , le nombre de pixels par niveaux

Pour qu’une image comporte un maximum de nuances sans pertes de détails, il faut une courbe la plus large possible sans que les extrémités ne soient coupées. Nous allons voir plus loin que de sa forme dépend le contraste et de sa position dépend la luminosité. La lecture est utile à la prise de vue pour optimiser l’exposition et en traitement pour modifier les valeurs de l’image

Certain histogramme sont en couleurs, ce qui facilite la lecture colorimétrique de l’image mais le principe reste identique. La courbe peut également varier selon le mode de calcul. Les différences n’ont aucune incidence pour l’utilisateur

LECTURE DE LA FORME :

La courbe peut prendre la forme d’une bosse ou d’un creux. Ceci en fonction du contraste de l’image…

Dans l’image ci-dessus :

• Les parties sombres (point A) sont incluses dans l’image.
• Pareil pour les parties claires (point B).
• Le sommet de la courbe est pratiquement centré, Il y a donc beaucoup de nuances de gris
• La pente est douce, en forme de cloche, la scène n’est pas très contrastée

Dans l’image ci-dessous, c’est le contraire. La courbe est en forme de cuvette. D’un coté les immeubles et de l’autre le ciel. Toute la plage utile est utilisée et même au-delà, la partie droite est tronquée. Quelques détails dans les nuages sont manquants, ils sont restitués par un aplat blanc

LECTURE DE LA POSITION :

La position horizontale définit la densité. Au moment de la prise de vue, trop à gauche et l’image risque d’être sous-exposée. Trop à droite et c’est la surexposition. Une bonne analyse doit tenir compte du sujet.

L’image ci-dessus n’est pas trop sombre, elle comporte simplement beaucoup de nuances foncées. Pareil pour l’image ci-dessous qui n’est pas trop claires. Je suis sur de ne pas me tromper parce que les courbes ne sont pas tronquées. Elles finissent en pente (en pointes) au début et à la fin.

A LA PRISE DE VUE :

L’histogramme est un outil complémentaire au système de mesure. Sa lecture permet de savoir si l’exposition est correcte. Malgré les progrès technique, les sujets et situations difficiles peuvent fausser le résultat de la mesure. Comprendre l’histogramme de son boitier corrige donc les erreurs et évite les pièges.

Voici une image « standard » et son histogramme sous l’éditeur (Photoshop)

Les valeurs sont moyennes, c’est à dire sans parties très sombres ni très claires. Si l’exposition est bonne, la courbe sera centrée et ne sera pas coupée aux extrémités. Ici c’est le cas.

Au moment de déclencher, j’ai fait un bracketing sur 3 diaphragmes :

CONSTATATIONS :

• La courbe est assez différente de celle présenté plus haut sous Photoshop. Ceci n’a pas d’importance et m’as permis d’apprécier l’expo juste.
• L’image est constituée de 2 masses que je retrouve sur le graphique par 2 sommets.
• J’ai déterminé l’expo en fonction de la répartition sur mon graphe.
• A +1 diaph, les parties les plus claires sont brulées, l’extrémité droite a disparue.
• A –1 diaph, je peux encore enregistrer tout les détails (pointe gauche présente) mais il faudra que je rééquilibre l’ensemble de l’image en l’éclaircissent avec une retouche.

J’ai ajouté un trait rouge (identique dans chaque image) pour visualiser la compression (-1) et l’extension (+1) des valeurs moyennes. Ceci est utile pour jouer sur le contraste (voir traitement).

Lorsque la scène est très contrastée, il faudra faire le choix de couper les noirs ou les blancs en fonction du sujet.

Exemple avec ce mur en contre-jour. J’ai choisi de sacrifier quelques nuances blanches (ciel sous l’arche) et ainsi de favoriser le mur.

A contrario, pour ce sujet clair sur un fond sombre, j’ai choisi de tasser les ombres pour ne pas bruler le pigeonnier.

Ci-dessous à gauche, l’histogramme de la prise de vue en mode manuel. A droite, celui obtenu en mode automatique.

On parle d’exposition à droite ou d’exposition à gauche lorsqu’on fait le choix d’aligner le pied de l’histogramme en butée mini ou maxi. Sur l’image ci-dessus, j’ai exposé à gauche et sur celle de l’ogive, j’ai exposé à droite.

Pour optimiser la puissance des processeurs, les fabricants utilisent des modes de calcul par moyenne ou par sondage. Le résultat devient très variable d’un constructeur à l’autre. Il est donc impératif de bien connaitre les limites de sont boitier. Pour ce faire, il faudra comparer son l’histogramme à celui de votre éditeur d’image. Ce dernier utilise le dernier x2/x4 cores de votre unité, il a largement le temps de faire des calculs plus précis.

EN POST PRODUCTION :

INTRODUCTION

A l’origine l’histogramme a été créé pour la retouche. C’est ici qu’il prend tout son intérêt. Nous allons pouvoir modifier la densité, le contraste et la colorimétrie simplement en déplaçant trois curseurs.

Pour plus de compréhension, j’ai photographié une charte de gris avec 3 zones, blanc, noir et un gris qui réfléchi 18% de la lumière reçu. Faite un click droit « Enregistrer l’image sous …» si nécessaire :

Pour que la couleur ne vienne pas interférer, j’ai mis la charte en noir et blanc (niveau de gris). Trois vignettes (blanc, noir, gris 50%) ont été ajoutées pour servir de référence. Elles ne varient pas d’une illustration à l’autre.

LECTURE :

Le comptage des pixels et le graphisme qui en découle semble évident.

• La 1ere barre correspond à la partie sombre. Je constate que cette zone n’est pas tout à fait noire, elle commence après le noir pur.
• La 2eme barre, c’est celle du gris. Il ne reflète que 18% et est donc un peu décalé par rapport au repère 50% (curseur gris)
• La 3eme barre n’est pas en butée. Les blancs peuvent encore gagner de l’éclat

CORRECTION DU CONTRASTE :

En réduisant la courbe en largeur, je vais augmenter le contraste. Pour se faire, je déplace les curseurs noir et blanc.

Je constate qu’en supprimant les barres extrêmes, j’obtiens du noir et du blanc dans les zones concernées.

Application :

Cette porte semble correctement exposée mais les couleurs que j’ai vus ne correspondent pas au fichier brut. La forme en cloche m’informe qu’il y a très peu de noirs, beaucoup de gris et pas du tout de blancs.

Je supprime les détails sombres qui n’apportent pas réellement d’informations. Je déplace mon curseur blanc à la limite des tons les plus clairs.

J’ai gagné en contraste ! Les couleurs sont plus flatteuses et paraissent mieux répartis sur toute la gamme disponible. Je dis « paraissent » parce qu’en étirant les gris pour aller du noir au blanc, j’ai créé des trous dans mon histogramme.

Après correction, en ouvrant de nouveau mon histogramme, je constate une discontinuité des tons. On parle alors d’histogramme en peigne ou en râteau. Il y a donc des limites à la récupération d’une image.

A noter que ce phénomène est moins sensible avec des fichiers supérieurs à 8 bits / couches mais reste présent.

CORRECTION DE LA LUMINOSITE :

En déplaçant le curseur gris, la luminosité va changer. En l’occurrence ici, je transforme mon gris 18% en gris 50%. En conséquence l’image va s’éclaircir.

Application :

Ce paysage est trop lumineux. Sur l’histogramme, je peux lire qu’il n’y a aucuns noirs. Au vu de la partie droite, les zones claires de la scène sont devenues blanches sur l’image.

En déplaçant le curseur gris je récupère les tons moyens.

A noté que si les gris sont mieux restitués, je n’ai récupéré aucun détail dans les éléments surexposés. Façades et rochers resteront blancs à 100%

Je constate les mêmes limites de correction que pour le contraste. A gauche c’est comprimé, J’ai un râteau supérieur. A droite c’est dilaté, j’ai un peigne.

CORRECTION DE LA COULEUR :

La charte a été photographiée avec la balance des blancs automatique. Elle présente une légère dominante froide.

La aussi, l’histogramme va servir de guide pour rectifier le tir. L’affichage par couche montre un rouge un peu sombre et un bleu un peu clair.

L’ajustement du curseur gris dans chaque couche rééquilibrera le chromatisme.

Application avec variante :

La grange est éclairée par des néons (lumière discontinue) et il est très difficile d’obtenir un bon équilibre chromatique. La luminosité est très faible, sans ombre. Le résultat est une image terne.

Sur les histogrammes par couches, je constate un déficit de rouge. Pour obtenir une image plus punch et avoir des couleurs moins froides, je vais agir sur le contraste de chaque couche. Je déplace les curseurs blancs sur les dernières valeurs claires disponibles. Je fignole la couleur avec les curseurs gris.

Je pense que si vous lisez ces lignes, c’est que l’histogramme n’a plus de secret pour vous.

Du coup je suis sûr que vous allez faire de bonne photo, donc…

Bon courage !

PS: Encore merci à Michel pour le temps qu’il a passé à écrire cet article !

J’ai le plaisir de vous présenter le premier tutoriel vidéo de mon blog !

Vous allez y découvrir (si vous n’avez pas regardé la vidéo avant de lire le texte) comment rendre la peau plus nette des modèles de vos Votrait <-(je n’avais pourtant pas bu que j’ai fait la vidéo !)

Si vous voulez d’autres tutoriels vidéo sur différents sujets, n’hésitez pas à me faire vos propositions dans les commentaires.

En espérant que celui-ci vous pourra vous rendre service !

Bon courage, bonne photo et … bonne retouche.

[En cas de problème de lecture de la vidéo, cliquez ICI]
(Vidéo : Regardez cette vidéo sur la page des articles)

(N’hésitez pas à mettre la vidéo en plein écran pour une meilleure lecture)

Le 12 mai 2009, il y a presque un an de ça, j’ai écrit un article qui se nommait ”La photo parfaite”.

Depuis cette date, j’ai beaucoup de visiteurs qui viennent de Google , après avoir tapé dans le moteur de recherche Faire la photo parfaite.

Malheureusement pour eux, mon article n’est pas un mode d’emploi pour faire la photo parfaite … mais rassurez-vous, cela ne les désespère pas le moins du monde, car s’ils ne trouvent pas la réponse sur le site, ils m’envoient des mails.

C’est ainsi que je reçois en moyenne 4 ou 5 mails par mois me demandant:

Mais comment faire la photo parfaite ?

Bien, par amour de mes lecteurs et pour ne plus les laisser chercher ainsi le Graal de la photo, la licorne du numérique, le dahu de la chambre noire, je leur offre le tutoriel pour faire LA photo parfaite !

Avant toute chose, pour faire une photo parfaite, il faut réunir quelques éléments sans lesquels on ne pourra pas espérer aller au bout de notre entreprise.

Le sujet:

Il faut en premier lieu et avant quoi que ce soit d’autre trouver le sujet parfait. Sans sujet parfait, pas de photo parfaite.

Attention, c’est un travail difficile, car un objet parfait, tel que le trombone (si, si, il est parfait … je ne parle bien sûr pas de celui pour la musique) n’est pas un sujet parfait pour la photo !

Pour preuve, essayez de photographier un trombone, et je peux vous garantir que les retours ne seront pas extatiques !

Donc, à vous de trouver le sujet parfait.

L’arrière-plan :

C’est encore une difficulté, car, même si on a un sujet parfait, si l’arrière-plan n’est pas parfait, la photo parfaite ne pourra pas se faire !

Souvent, le plus dur est de réunir l’arrière-plan parfait et le sujet parfait … mais attention, un arrière-plan parfait ne se marie pas forcément avec votre sujet parfait !

Prenez un trombone photographié devant un fond représentant un cercle (si, si, un cercle c’est parfait) cela ne va pas non plus enchanter les foules.

Il faut donc trouver un arrière-plan parfait qui se marie très bien avec votre sujet parfait.

Reste ensuite à les réunir, en espérant qu’on peut les déplacer et qu’ils ne soient pas trop loin l’un de l’autre !

La lumière:

On n’a pas fini de s’embêter, et on n’a même pas commencé une seule prise de vue !

Pourtant, on ne peut pas oublier la lumière, surtout que la photographie veut dire:

Le mot « photographie » est composé de deux racines d’origine grecque :

le préfixe « photo– » (φωτoς, photos : lumière, clarté) — qui procède de la lumière, qui utilise la lumière ;

le suffixe « –graphie » (γραφειν, graphein : peindre, dessiner, écrire) — qui écrit, qui aboutit à une image.

On retrouve là le même souci que pour l’arrière-plan et le sujet, la difficulté de réunir les trois au même endroit en même temps !

Le matériel:

Bien entendu, pas de photo parfaite sans du matériel parfait.

Avec la recherche du sujet, c’est une des quêtes les plus difficiles de la photo parfaite.

Car, tout le monde à son avis sur le sujet, pour les uns c’est une marque qui est parfaite, pour les autres, c’est une autre marque, pour certains c’est un peu des deux.

Le mieux, c’est de faire fabriquer un appareil et un objectif parfait en prenant le meilleur de toutes les marques … Je n’ai jamais dit que la photo parfaite serait bon marché !

Après montage de cet appareil par des pros, vérifiez tout de même qu’il est en parfait état de marche, on n’est jamais trop prudent !

Sans oublier qu’il faut choisir le format parfait par rapport à votre sujet parfait, ainsi que l’objectif parfait par rapport à votre sujet parfait et votre arrière-plan parfait.

Ce qui me pousse à vous parler des différents réglages.

Le cadrage:

Il est parfaitement compréhensible que le cadrage devra être soigné à l’extrême pour obtenir une com­po­si­tion aux pro­por­tions par­faites pour un rendu optimum … voire même maximum, je vous conseille d’ailleurs pour l’occasion de vous offrir un trépied de fabrication parfaite.

Exposition:

Je ne parle pas de l’exposition de votre future œuvre parfaite, mais des réglages qui vont conduire à obtenir une photo parfaitement exposée.

Il faut faire très attention à ça, pas de photo parfaite sans une expo parfaite.

Le pire étant qu’il faut compter dans l’expo parfaite que la PDC (Profondeur De Champ) devra être parfaite, ce qui m’amène à vous parler de l’ouverture.

L’ouverture (PDC):

Un réglage des plus importants qui devra être fait à la perfection. En réalité comme l’ouverture contrôle, et la quantité de lumière, et la profondeur de champ, ce sera un des réglages les plus difficiles. Une profondeur de champ parfaite pour mettre le sujet en avant et tout de même laisser en valeur l’arrière-plan.

Pour réussir un tel coup, il faut aussi penser à la MAP (Mise Au Point)

La Mise Au Point:

La mise au point devra subtilement être réglée pour obtenir une parfaite netteté sur les endroits désirés et un flou esthétique sur d’autres.

L’objectif devra, pour obtenir une telle perfection de mise au point, avoir plusieurs bascules et pouvoir être décentré en différents points (on peut parfaitement décentrer leS centreS … non mais !)

La prise de vue:

Maintenant que tous les réglages sont faits, vous pouvez déclencher dans un parfait synchronisme avec la scène pour enfin obtenir une photo parfaite … ou presque !

Post-traitement:

Je dis une photo presque parfaite, car, il est de notoriété mondiale qu’une photo parfaite ne peut être prise qu’en RAW, il ne saurait exister de photo parfaite en JPEG, c’est une pure hérésie !

Et qui dit RAW dit passage obligé sur un ordinateur, je ne saurais que trop vous conseiller un Apple ! (car, comme tout le monde le sait, les Mac sont parfaits !)

Pour le programme, qui pourrait faire sortir toute la quintessence de votre œuvre, je pense que vous devriez contacter quelques informaticiens qui maîtrisent parfaitement leur sujet pour qu’ils vous créassent un programme spécialement fait pour cette photo dans le plus parfait esprit de collaboration entre eux et vous.

La photo:

SI vous avez suivi mes instructions à la lettre, vous devriez bientôt admirer une photo parfaite !

Bien entendu, moi-même étant loin de la perfection, mon explication à peut-être quelques défauts, comme mes photos.

Mais j’avoue que c’est bien ces petits défauts qui me font penser parfois que mes photos sont réussies.

Mais je n’ai pas l’esprit parfait … voilà pourquoi j’ai de si honteuses pensées !

J’invite donc tout ceux qui ont des conseils pour parfaire mon tuto de ne pas hésiter à les partager avec nous par le biais des commentaires.

Bon courage et bonne photo … Parfaite, cela va sans dire !

PS: La photo représente M-45 plus connu sous le nom ”des Pléiades”

Que ce soit pour le choisir, ou pour savoir comment conseiller, vous êtes au bon endroit!

Si je prends le temps d’écrire cet article, c’est que la question m’est très souvent posée.

Je vois aussi sur différent forum toujours la même question.

Si vous êtes de ceux qui ne savent pas comment choisir, ou si vous êtes de ceux qui ne savent plus quoi dire quand on vous demande un conseil, je pense que cette lecture vous sera salutaire !

Tout d’abord, première chose à savoir, PERSONNE ne peut choisir un appareil à la place de quelqu’un, tout au plus on peut l’aider à l’orienter dans le choix qu’il va faire.

Une fois cette chose bien en tête, on peut commencer!

Je vous conseille de prendre une feuille, et de noter chaque point, afin d’avoir un aperçu global à la fin de tous les détails qui vont vous aider à choisir (ou à faire choisir) le bon reflex.

La base:

Avant même de penser budget, ou autre, la première chose qu’il faut avoir en tête, c’est ce qu’on veut faire de son appareil photo.

Bien entendu, le budget sera déterminant, mais on ne va pas dépenser son argent de la même façon si l’on veut faire que du portrait, ou si l’on veut être touche-à-tout.

Ce n’est pas tant le boitier qui va être déterminant, mais bien l’objectif qu’on va lui donner.

Car, n’oublions pas que la chose la plus importante en photo, c’est l’objectif !!!

Vous pouvez avoir le meilleur reflex de la création, si vous lui mettez un cul-de-bouteille devant le capteur, vos photos seront de qualité médiocre.

L’objectif:

De manière implicite, c’est lui qui va déterminer la marque qui va être la vôtre pour le futur.

En effet, à moins d’être riche, on change plus volontiers de boitier que d’objectif, du coup, le choix de son premier reflex quelque par nous ”lie” à une marque.

Plus vous allez augmenter le nombre de vos objectifs, et moins vous aurez de chance de pouvoir changer.

Partant de ce constat, autant choisir votre objectif dans la bonne marque.

Pour choisir la marque, il va falloir tenir compte de deux choses principalement.

1. La palette d’objectif que celle-ci peut vous fournir, aussi bien en neuf qu’en occasion. Rien de plus terrible que de finir dans une marque qui ne propose pas un choix assez large. Cela peut sembler sans importance au début, mais il ne faut pas oublier que votre passion va évoluer, et si un jour vous avez besoin d’un objectif à décentrement et que vous êtes coincé chez un fabricant qui n’en fait pas, et qui n’en fera jamais, car ce n’est pas un produit que cherche ces clients cible…vous allez bien regretter votre choix, et dépenser bien plus d’argent pour migrer dans une marque qui propose un produit qui correspond à vos attentes.
2. La marque que possèdent vos proches. Toujours en tenant compte du point 1, vous avez tout intérêt à choisir une marque que possède l’un de vos proches, histoire de profiter des ”prêts ” qu’il pourra vous faire.

Pour le choix même de votre premier objectif, à savoir quel sera celui qui va finir sur votre boitier, le budget ainsi que votre orientation sont des points primordiaux.

Ici, je ne vais pas pouvoir vous donner une liste exhaustive de chaque objectif qui convient pour chaque situation et pour un prix déterminé.

Le mieux, quand vous savez qu’elle est votre orientation, et qu’elle est votre budget, c’est d’aller sur un forum et de poser la question ainsi:

Je peux mettre xxx € dans un objectif de la marque yyy et je désire faire tel ou tel style de photo, qu’est-ce que vous pouvez me conseiller.

Dans ce cas, il est bien plus simple pour connaisseur de guider la personne sur un choix, il sait ce que vous voulez faire de l’objectif (un peu de tout, portrait, macro, que sais-je encore) et il sait aussi le budget et la marque, ce qui va facilité sont travail pour vous orienter.

Ergonomie:

Comme je l’ai dit au début, vous allez certainement rester une grande partie de votre vie photographique avec la même marque, une chose devient donc capitale, celle de se sentir bien avec son appareille.

Pour ça, il est impératif d’essayer l’ergonomie des boitiers.

Selon la marque, les molettes et autres boutons ne sont pas placés de la même façon.

Ce qui peut sembler n’être qu’un détail peut vite devenir quelque chose de difficile à vivre.

C’est pour une simple raison d’ergonomie que je suis passé personnellement de Nikon à Canon, car malgré plusieurs années de vie commune avec du matériel Nikon, leur ergonomie ne me convenait pas, alors qu’a d’autre, c’est celle de Canon qui leur semble tout à fait un ingérable.

L’ergonomie est donc un point essentiel pour le choix de son reflex, on doit se sentir bien avec.

Là, pas de secret pour trouver, il faut essayer, aller dans des magasins et prendre le boitier en main et voir s’il vous correspond.

Le budget:

C’est bien entendu lui qui va déterminer à quel point on va se laisser aller.

Quelqu’un qui est riche ne va pas trop se poser de question, quelqu’un qui n’est pas fortuné va quant à lui devoir faire des concessions.

Vous savez de combien vous disposez, ou disons de combien vous êtes prêt à mettre dans votre achat.

Comment répartir l’argent ?

La plus grande part de votre pactole devra être alloué à l’objectif, il n’y a pas un ratio tout fait, la bonne logique veut qu’il vous reste assez d’argent pour mettre un boitier derrière votre objectif.

Je dirais simplement qu’il est préférable d’avoir un boitier entrée de gamme et un objectif moyen voir bon, que de vouloir un reflex haut de gamme et un objectif moyen voir mauvais.

Je sais que pour l’égo, se promener avec de l’entrée de gamme et un objectif de très bonne qualité peut être difficile…mais quand vous verrez la qualité des photos, vous n’allez pas regretter ce choix.

D’autant, qu’un boitier à une espérance de vie bien plus courte qu’un objectif !

Pour preuve, mon 70–200 a été acheté en 2002, depuis trois nouveaux boitiers ont transité par mon sac photo, et lui est toujours en place et risque de l’être encore de nombreuses années.

Le reflex:

On arrive au bout de processus, vous avez maintenant sur votre papier vos choix les plus importants, dont la marque et de ce fait, le reflex qui va vous intéresser va être simple à trouver.

Il reste deux solutions :

1. Vu l’objectif que vous voulez acquérir, vous ne pouvez vous offrir que les premiers modèles, dans ce cas, pas trop besoin de réfléchir.
2. Vous avez assez d’argent pour hésiter entre plusieurs modèles. Ce qui va conclure votre choix sera vos besoins. Il n’est pas nécessaire de prendre un appareil qui vous offre 8 images par seconde si vous ne voulez photographier que des bibelots, pas plus que vous n’aurez besoin d’un capteur full frame si vous ne voulez faire que de la macro…etc.

Le choix de votre reflex sera donc dicté par vos finances et vos besoins.

Il vaut mieux un appareil un peu moins performant qu’on utilise à 100%, qu’un appareil pro qu’on ne prend jamais, car trop compliqué.

Conclusion:

Dans tous les cas, si on arrive à déterminer nos besoins et que l’on comprend les priorités, le choix d’un reflex se fait presque tout seul, sans trop de complication.

Après, il reste toujours une part de satisfaction personnelle, l’envie d’un certain objet qui nous fait plaisir pour une raison ou une autre.

Avant tout, il faut savoir se faire plaisir, mais il faut aussi être raisonnable sur ce plaisir.

Il n’y a rien de pire qu’un appareil photo qui reste dans son sac, car il ne satisfait pas nos attentes.

Avant de conseiller ou d’acheter un appareil, il faut juste bien se connaitre et savoir ce qu’on attend de celui-ci !

Bon courage et bonne photo !

PS: Voir aussi Les vendeurs photo, cliquez ICI

C’est bien peu original de rappeler que le noir & blanc met l’accent sur la lumière et la composition.
Ce n’est pas faux mais, en quoi la couleur nuirait elle à la lumière et à la composition ?
Certes, les couleurs peuvent être disharmonieuses. Ou elles peuvent contrecarrer l’intention de l’auteur. C’est, de plus, délicat à gérer avec ces réglages de température de couleur et de saturation … Bref, une photographie déplaisante en couleur pourrait paraître agréable en noir & blanc… Admettons …
En fait, mon propos n’est pas d’opposer couleur à monochromie.
J’aime le noir & blanc !
Tout comme j’aime le dessin, le fusain et le lavis. Ce qui ne m’interdit pas d’apprécier le pastel. C’est simplement différent.

N’évoquons plus la photographie en couleur mais bien la couleur dans la photo monochrome. Car il s’agit bien de cela : créer une image composée de nuances de gris à partir d’une réalité colorée, que le capteur numérique mémorise d’ailleurs tel quel dans le fichier RAW.

Je n’ai pas de prétentions encyclopédiques et suis bien incapable de tenir un discours scientifique. Je prends plaisir à photographier et ma pratique est essentiellement basée sur l’empirisme, qui se transforme en compétence sous les strates du temps. Mais ce n’est qu’une compétence à usage personnel, qui me permet, à force de routine, de concrétiser mon désir de photo.

Je me propose donc tout simplement de vous faire partager ma façon de voir, exemples à l’appui.

A ce propos, distinguez vous bien sur cette mire tous les dégradés, y compris la très faible nuance entre le dernier, presque noir, et la bordure vraiment noire ?

”Si c’est non et que les écarts sont importants, vous aurez peut-être quelques difficultés à appréhender mes exemples. Je conseille de se servir de cette mire pour régler le moniteur en contraste et luminosité, ou tout simplement en jouant avec l’inclinaison de l’écran du portable, cela suffit parfois. Il faut bien avouer que les exigences pour la bureautique sont éloignées des réglages optimum permettant d’apprécier la photographie sur écran…
Pour en savoir plus, ce site sur la calibration déjà indiqué par Darth dans l’un de ses articles : http://www.photographe-de-mode.com/calibration-ecran.htm”

Et comme j’ai abandonné l’argentique depuis un bon moment, je n’en parlerai pas, sauf sous forme de références esthétiques.

NEGATIF ET TIRAGE NUMERIQUE

Selon le sujet et l’envie du moment, on peut privilégier un rendu dynamique et contrasté, appliqué à une vue nette et propre

… Ou bien à l’opposé, choisir des dégradés subtils de nuances de gris associés à la matière ajoutée sous forme de bruit gaussien :

Pour moi, ces deux rendus sont satisfaisants.

Mais pas celui-là ! :

C’est pourtant ce qui est passé initialement de la carte mémoire à l’ordinateur. Et, camouflé au s*ein de ce prétraitement exécuté par le software de l’appareil photo numérique dès la prise de vue, il y avait en fait ceci :

qui est le RAW comportant le moins de traitement possible que l’on puisse obtenir ; c’est le « négatif numérique » d’origine, que j’aime bien désigner comme étant le « brut de capteur ».

Enregistrer en mode RAW : c’est le conseil que je donne à quiconque envisage d’avoir un jour à traiter un cliché en noir & blanc. Quant à moi, je fais systématiquement du RAW + JPEG : le JPEG me sert immédiatement pour le catalogage ou pour imprimer sans délai un tirage de lecture, le RAW est mon point de départ pour le post-traitement.

En effet, le fichier RAW échantillonne les informations sur les 12 ou 14 bits natifs de l’appareil photo, alors que le JPEG ne comporte que 8 bits. Voyez à ce propos l’explication de Darth : Cliquez ICI

Pour illustrer l’importance de disposer d’un brut de capteur comportant une grande profondeur d’échantillonnage, voici, à partir d’un même point de départ figurant au milieu en bas, ce que j’obtiens en appliquant la même courbe, s’il s’agit du JPEG 8 bits (à droite) et ce que j’obtiens s’il s’agit du TIFF 16 bits issu du RAW :

En sus du manque de nuances, vous remarquerez des artéfacs sous forme de cercles concentriques au dessus de la fleur sur l’image issue du JPEG.

En résumé, le meilleur échantillonnage permet de récupérer dans le noir des informations qui ne semblaient a priori pas y être, tout en limitant la montée du bruit numérique. Il permet également, mais dans une moindre mesure, de récupérer de la matière dans les zones de haute lumière apparemment grillées.
Au final, on obtient un fichier prêt pour l’impression qui dispose, si on le souhaite, d’une dynamique plus large et, dans tous les cas, on pourra obtenir beaucoup plus facilement le rendu désiré pour chacune des zones constitutives de la photographie.

LA PRISE DE VUE EN MODE MONOCHROME

A gauche un point de départ, et à droite un résultat après post-traitement:

Vous constaterez que ce que je nomme point de départ est en noir & blanc et que cela semble en contradiction avec ce que je viens d’affirmer sur le RAW qui contient les données couleur.
En fait, c’est parce que depuis qu’existent les styles d’image CANON, j’applique, avec le développeur de RAW dédié – DPP – un prétraitement tel qu’il a été défini par paramétrage lors de la prise de vue.
J’en suis satisfait et je ne passe donc plus par l’étape du mélangeur de couches mais j’utilise le style d’image monochrome avec application de filtres virtuels coloré.
En effet, le rendu, paramétrable à souhait, est vraiment parfait si l’on ne néglige pas la balance des blancs.
Il présente également un avantage ”psychologique” : visualiser à l’écran les vues en noir & blanc est bien plus confortable, c’est l’équivalent de charger son boîtier de TriX ou de Xpan, et l’on ne fait pas les mêmes photos en ce cas qu’avec du kodachrome.

Pour les filtres, je trouve que le résultat obtenu est bluffant, et rappelle vraiment l’argentique. Regardez ce que devient le carré rouge sur mon exemple avec le filtre rouge puis avec le vert (les 2 derniers exemples en bas à droite).

Et bien entendu, puisque l’on part d’un fichier RAW, c’est entièrement réversible sous DPP ; à un filtre rouge défini à la prise de vue peut être substitué un jaune ou pas de filtre du tout. Et Il y a la solution consistant à finalement revenir au style d’image neutre et à traiter intégralement son noir et blanc dans photoshop …

Après enregistrement du fichier RAW développé en TIFF 16 bits, il est temps de passer au post-traitement sous photoshop (ou autre n’est ce pas ?), dont on peut rarement se dispenser en noir & blanc. Mais au moins, le rendu des gris en fonction du sujet est validé depuis la prise de vue, via les réglages que j’aurai choisi pour le style d’image monochrome ; c’est un choix de photographe et non de tireur.

LE POST-TRAITEMENT

Nous entrons maintenant dans le vif du sujet. Je reste persuadé qu’en noir & blanc, et sauf exception, le travail n’est qu’au tiers accompli si l’on se contente du résultat issu de l’appareil photo.

Enfin, travail n’est peut-être pas le mot. C’est pour moi un véritable plaisir de poursuivre devant l’écran de l’ordinateur l’acte de création entamé à la prise de vue.

Je ne souhaite pas faire dériver cet article en tutoriel photoshop mais simplement vous faire part de ma conviction selon laquelle une photographie en noir & blanc trouve sa concrétisation au post-traitement sur l’ordinateur.

C’est ici que je veux revenir à l’analogie avec l’argentique et le travail sous l’agrandisseur. Un négatif s’interprète, un fichier RAW aussi, en voici quelques exemples :

Sur ce dernier exemple extrait de ma série en cours sur les livres, j’affiche l’original — à gauche — à la même taille que le résultat pour spécifier que, dans mon esprit, le post-traitement ne doit pas nécessairement être radical …

Si on ne veut pas entendre parler de post-traitement, on fait en quelque sorte de la diapositive numérique. C’est tout à fait honorable. Mais très réducteur en mode noir et blanc.

Une précision technique : si j’ai une idée du résultat recherché, il y a également une bonne part d’improvisation, et de renoncements. A ce propos, il convient de disposer d’une réserve suffisante de mémoire vive afin de pouvoir revenir en arrière et repartir dans une autre direction, sans pour autant remettre en question l’étape précédente du post-traitement.

Au fait, cela va sans dire mais … tout ceci doit être fait sur un écran correctement réglé, n’est ce pas ?

LE TIRAGE

Voilà, l’interprétation du RAW est terminée. Si l’on possède un écran calibré, une jolie dalle matte, on prend certainement plaisir à y regarder son image finalisée.
Mais enfin, je ne parviens pas à admettre qu’on puisse en rester là ! Pour moi, une photo doit être vue sur du papier. C’est peut-être une question de génération ? Je ne sais pas.

Sur des labos en ligne, je fais tirer en 10 x 15 cm chacune de mes photos retenues et les range dans des petites boîtes ad hoc, qui ressemblent à des boîtes à chaussures. C’est donc à nouveau de l’argentique, la boucle est bouclée. A condition d’être vigilant sur le sérieux du prestataire et de bien cocher, lors de la commande sur le site, les différentes options qui interdisent au laboratoire d’ajouter ses propres post-traitements automatisés à ceux que l’on a préparé, le résultat est très convainquant, bien meilleur et moins cher à mon avis que ce que l’on aura chez soi avec une imprimante photo de moyenne gamme et des encres sensibles au métamérisme.

A nouveau une précision technique : avant d’enregistrer le fichier 10 x 15 à 300 dpi pour transmission au labo, je veille, via une routine prédéfinie, à lui appliquer une désaturation et à le convertir en mode Srvb. Je m’épargne ainsi bien des déconvenues.

Pour les agrandissements, je les confie désormais à des professionnels pour une sortie sur papier « fine art » au moyen d’encres spécialement dédiées au noir et blanc. J’ai ainsi récemment découvert le papier BAMBOO d’Hahnemuhle … C’est bluffant !
Je fais confiance à mon post-traitement et, à la condition de bien s’entendre avec l’imprimeur sur les caractéristiques du fichier qu’on lui confie, le résultat est là :

Bonne photo noir & blanc !

Visiter le site de Jérôme Delfosse cliquez ICI

S’il y a une chose qui est importante en photo, c’est bien la couleur…et même quand on fait du noir et blanc (j’y reviendrais dans un prochain article consacré au sujet)

Une question que l’on m’a posée il y a pas mal de temps m’a fait réfléchir à cet article.

Un ami qui débute en photo en voyant sur mon écran une de mes photos que je lui avais envoyée par mail m’a dit: ”mais elle n’a pas les mêmes couleurs”

Et sa question fut ”Est-ce qu’on voit tous les mêmes couleurs?”

Bonne question n’est-ce pas? Les amateurs experts en lisant ces lignes se disent (bien sûr que non, tout dépend de son écran et du calibrage de celui-ci)

Et ils auront raison, tout dépend de l’écran, du calibrage.…mais aussi du profil utiliser pour transmettre l’image et de la capacité qu’a votre programme de visionnage de lire se profil.

Mais avant d’aller plus loin, petite piqure de rappel pour tout le monde, qu’est-ce que la couleur?

La couleur basiquement c’est: la perception que nous avons des différentes longueurs d’onde ce déplaçant à une vitesse limitée qui constitue la lumière visible par l’oeil humain, ces ondes sont comprise entre 790 et 405 THz. (Du violet ou rouge). Au-delà de ces longueurs d’onde, la lumière devient invisible à notre oeil, c’est ce qu’on appelle les ultraviolets et les infrarouges.

C’est vraiment barbare vous trouvez pas?

C’est pourtant cette donnée qui nous permet de comprendre la lumière et comment elle agit, réagit.

Mais comme je ne veux pas faire fuir la moitié de mes lecteurs, je vais éviter de rentrer trop profondément dans les bases de la physique, on est là pour parler photo.

Comment notre oeil perçoit-il la couleur?

Voici une question plus intéressante et dont la réponse reste assez simple.

La couleur est la perception que nous avons des différentes longueurs d’onde qui constituent la lumière visible.

La couleur est une sensation traduite par notre cerveau grâce aux informations de trois types de cône (rouge, vert et bleu) qui servent à décomposer la lumière en couleur.

Tien donc, des cônes spécialisés dans les couleurs rouge, vert et bleu.…ça ne vous rappelle rien?

Le fameux capteur de notre appareil photo ne fonctionnerait-il pas de la même façon? (Cliquez ici pour ceux qui auraient raté la leçon)

Donc, on retrouve nos fameux (rouge, vert et bleu) mieux connus sous le nom familier de RVB.

Le format RVB est en fait le mélange des trois couleurs dites primaires pour former tout le spectre couleur.

C’est le physicien Yong qui à découvert ce qu’on appel la synthèse additive des couleurs qui consiste à former toutes les couleurs (visible par l’oeil humain) en partant de la lumière des trois couleurs primaires.

C’est par exemple de cette façon que fonctionne votre écran.

Quand vous imprimez une de vos photos sur du papier, celui-ci ne produit pas de lumière, les couleurs sont donc formées différemment. Elles sont créées par synthèse soustractive.

J’y reviendrais plus en détail dans un prochain article sur l’impression.

Pour survoler très vite, je dirais que tout le monde a appris qu’en mélangeant du jaune et du bleu sur une feuille, on obtient du vert.

Les couleurs de base, qui ne sont plus des couleurs dites ”primaires ”, mais fondamentales sont le cyan, le mangata et le jaune.

Mais revenons à notre écran.

Celui-ci grâce à la synthèse additive nous offre tout le spectre de couleur visible par l’oeil humain.

On définit généralement la couleur avec les trois termes suivants.

• La teinte
• La saturation
• La luminosité (ou valeur)

La teinte: C’est l’impression chromatique. C’est cette sensation qui va vous faire dire le nom de la couleur de façon basique, c’est bleu, c’est vert, c’est jaune, c’est.…etc.

La saturation: C’est la vivacité de la couleur, ou ce qu’on appelle aussi sa pureté. C’est la saturation qui va vous faire dire, ”ce rouge est très intense” où au contraire ”ce rouge est très pâle ”…etc.

La luminosité: C’est l’amplitude lumineuse définissant la couleur. Noir absence de couleur. Puis on trouve toutes les nuances jusqu’au blanc.

Maintenant qu’on sait ça, comment notre écran va-t-il nous restituer toutes ces couleurs?

Lui, il ne va pas faire grand-chose, il va écouter les instructions d’un programme.

Imaginons que notre écran soit un écran parfait sans le moindre défaut et qu’il restitue à la perfection les informations qu’on va lui donner. Il a été calibré, tout est ok de son côté.

On ouvre alors un programme pour visionner nos images. Et là le programme va parler à l’écran pour lui dire à quel endroit il doit afficher quelle couleur.

Petit problème, l’image parle une langue, votre programme en parle une autre!

Vous vous demandez ce que je raconte?

Petite expérience:

Merci à Michel Pirotte (Optimage) de m’avoir autorisé à utiliser son image (cliquez ICI)

De quelle couleur voyez-vous le coeur de la marguerite?

Si vous le voyez violet plutôt que jaune, c’est que votre navigateur ne parle pas la même langue que votre image!

En fait, cette image est dans un espace colorimétrique particulier.

Si vous enregistrez cette image sur votre ordinateur et que vous la regardez avec un programme qui sait lire tous les espaces colorimétriques. (Ce que fait normalement très bien la visionneuse de Microsoft sous Vista) vous verrez alors que le centre de la fleur est jaune.

En réalité, toute image qui est sur un ordinateur à un profil de couleur qui lui est propre. Ce qu’on appelle l’espace colorimétrique.

Expliqué de façon simple, l’espace colorimétrique est une sorte de langue propre à chaque espace qui indique comment former la couleur.

Selon l’espace colorimétrique utilisé les informations pour former une couleur ne seront pas les même.

En règle général sur internet l’espace colorimétrique utilisé est le sRVB (ou sRGB).

La plupart des navigateurs sont bien incapables de lire un autre format dans leur version de base.

On peut trouver quelques plug-ins pour arranger cela, mais il n’est pas nécessaire de le faire.

Le plus important c’est que votre visionneuse, ou programme de retouche soient capable eux de lire correctement tous les espaces colorimétriques.

Dans un article futur, je vous parlerais de l’impression. Ici encore nous aborderons l’espace colorimétrique et comment réagissent les couleurs selon la surface sur laquelle elles sont imprimées.

La couleur est très importante en photo.

Une photo est faite pour être vue, autant tout faire pour qu’elle soit perçue de la même façon par tout le monde.…bien que ce soit quelque par impossible, il faut mettre toutes les chances de notre côté!

Je me rends bien compte que mon article est loin d’être exhaustif. C’est, disons, une bonne base pour comprendre la couleur.

Si vous êtes comme moi curieux et que vous voulez en savoir plus, je vous conseille d’aller faire un tour sur ce site (cliquez ICI) où les explications sur la couleur les espaces colorimétrique, les profils ICC…etc sont abordés de façon simple et ultra complète.

Bon courage et bonne photo

Après avoir gagné le concours de février, Steve54 a demandé un tutoriel sur le HDR. Donc, chose promise…

Avant de commencer, nous allons mieux voir ce qu’est le HDR

Petites explications ICI et LA

Nous pouvons maintenant entrer dans le vif du sujet, et voir comment produire ce genre d’image.

Qu’est-ce qu’il faut pour faire une image HDR?

• Un sujet qui se prête à ce style d’image.
• Un appareil photo.
• Un programme de retouche, ou spécialisé HDR.
• Un trépied.

Comme on peut le voir dans cette petite liste, en vert foncé les éléments indispensables, en vert clair, nécessaire, mais on peut s’en passer. Pourtant, je le conseille plus que vivement.

Par contre, on ne peut pas se passer d’un appareil photo…pas besoin de vous expliquer pourquoi. On ne peut pas plus se passer d’un programme de retouche ou d’un programme spécialisé dans le HDR. Pour la raison évidente que c’est grâce à lui que l’on va pouvoir monter son image.

Parlant de programme, il faut savoir qu’il y en a beaucoup.

Personnellement, je favorise Photomatix Pro. C’est un programme spécialisé qui laisse beaucoup de liberté et qui va très loin dans la conception d’image HDR. On peut utiliser directement des fichiers RAW, plus fort encore, on peut créer avec ce programme en quelques cliques un HDR à partir d’une seule image RAW!

Je ne peux que le conseiller.

Pour les programmes de retouche habituelle, comme photoshop, ils intègrent aussi des options HDR. Je les trouve malheureusement moins performantes. On peut aussi monter ses HDR avec ce genre de programme en utilisant les calques. Je vous donnerais le lien d’un tutoriel efficace.

Pour le tutoriel du jour, je vais utiliser photomatix, qui, comme je l’ai dit plus haut, me semble le plus performant pour la création d’HDR.

Vous trouverez le programme téléchargeable en démo ICI

Je vous rassure, je ne gagne rien à conseiller ce programme, je ne suis pas sponsorisé!…Mais si le patron de cette boite passe par là et veut m’offrir quelque chose, il est le bienvenu

Plus sérieusement, passons au dernier point, un sujet qui se prête à ce style d’image.

Pourquoi je vous parle de ça?

En fait, je vois souvent des images HDR faites avec des photos dont la dynamique d’origine n’est pas très étendue. Du coup, sans HDR l’image aurait donné parfaitement bien. Donc, à moins de chercher un rendu bien particulier, je conseille d’utiliser le HDR que pour des images qui ont une forte dynamique. C’est avec ce genre de photo qu’on obtiendra les meilleures images.

Pour l’exemple, voici une photo qui cumule les difficultés pour un appareil photo. Vous pardonnerez à cette image d’être d’un banal et d’une mocheté absolue, elle n’est pas là dans un but artistique, mais bien pour mettre en avant les difficultés techniques d’une telle prise de vue.

Comme on peut le constater, entre le ciel clair, le mur en plein soleil et la partie dans l’ombre, l’expo était très difficile.

Il est impossible pour un appareil photo normal d’encaisser de telles différences de dynamique. Les écarts entre les hautes et basses lumières sont bien trop grands.

Commence ici le travail.

La création d’une image HDR

La prise de vue:

Après avoir choisi son sujet, le lieu, le bon moment…eh oui, c’est du travail, on peut commencer.

1. Prendre son trépied, l’installer et peaufiner le cadrage (pas comme je l’ai fait moi)
2. Régler son appareil sous le format RAW. Je conseille ici le RAW, car son encodage 12 ou 14 bits va permettre au programme d’aller chercher des détails dans les hautes et basses lumières.
3. Commencer la prise de vue. Ici, on va prendre le réglage d’origine et changer la vitesse d’exposition entre chaque vue. Beaucoup d’appareils photo ont le bracketing auto qui permet de justes déclencher et l’appareil s’occupe seul de faire les changements qu’il faut. Il faut trois vues au minimum, j’en conseille sept, ce qui permet d’avoir le top en dynamique.

La conception du HDR:

De retour à la maison, on va décharger les images de son appareil. Ensuite nous allons ouvrir photomatix.

Vous allez alors cliquer sur Créer image HDR. Une boite de dialogue va s’ouvrir, cliquez sur Explorer, puis sélectionnez les images qui vont composer votre HDR. Vous pouvez directement les importer dans leur format RAW d’origine. Puis finalement, appuyez sur OK.

Une autre boite de dialogue va alors s’ouvrir:

Je vous conseille les mêmes réglages que moi. (En bleu).

Le programme va alors travailler un petit moment (selon la puissance de votre ordinateur). Puis vous ouvrir une image proprement HORRIBLE!

Ne vous faites pas de souci, c’est normal!

Enregistrez cette image, elle vous permettra de procéder à plusieurs développements possibles sans refaire à chaque fois le travail d’importation des photos.

Cliquez alors sur l’icône ”Tone Mapping”.

C’est à partir de là que le vrai travail commence.

Votre image va alors s’ouvrir, elle sera mieux que la première fois. Il va donc falloir maintenant jouer des curseurs pour arriver à un réglage optimal de notre photo.

A partir de là, le rendu ne tient qu’à vous.

Pas de recette miracle, selon ce que vous aimer, selon votre envie vous pourrez obtenir à peu près tout ce qui vous passe par la tête.

Mais je vais commencer par vous détailler la boite de dialogue bloc par bloc.

En haut nous avons ça:

Le HDR-Compresseur est une autre façon de créer son HDR, mais il offre moins de possibilités, je vais donc passer par-dessus.

Nous allons donc nous concentrer sur le HDR Révélateur.

Regardons les trois premiers curseurs :

• Intensité: Il va permettre de régler la valeur du tone mapping appliqué à l’image. En d’autres termes, plus on va le pousser loin sur la droite, plus l’effet sera fort et la dynamique étendue. Et plus on va le pousser vers la gauche, et moins l’effet sera fort.
• Saturation des couleurs: Comme son nom l’indique, ce curseur permet de plus ou moins saturer les couleurs. Je conseillerais d’utiliser ce curseur en tout dernier!
• Lissage du contraste: Il permet de doser plus ou moins fort l’effet d’intensité. Je dirais que pour régler le rendu de l’image il faut jouer de pair avec intensité et lissage des contrastes. Plus le lissage sera bas plus l’effet sera marqué. Ce qui va aussi provoquer ces forts effets de halo. Plus il sera haut, moins il sera marqué. Le contraste étant moins important, le dégrader entre chaque zone sera plus doux.
• Luminosité: Pour régler la luminosité. Je vous déconseille de le toucher, car on verra un peu plus bas, qu’un curseur permet de faire ça bien mieux.

Passons à la suite de la boite de dialogue:

Onglet Ton:

• Le curseur point blanc va donner plus ou moins de force aux tons clairs.
• Le curseur point noir va donner plus ou moins de force aux tons foncés.
• Le curseur gamma va lui jouer sur le gamma, autrement dit, sur la luminosité de l’ensemble de l’image.

Onglet Couleur:

• Le curseur température va jouer sur le rendu de l’image. Poussé sur la droite il va donner une atmosphère plus chaude. Poussez à gauche, plus froide.
• Le curseur saturation des hautes lumières va, comme son nom l’indique, plus ou moins saturer les hautes lumières.
• Le curseur saturation des ombres, va plus ou moins saturé les basses lumières.

Onglet Micro:

• Le curseur Micro-contraste va augmenter l’accentuation de l’image
• Le curseur Micro-Lissage va diminuer le bruit numérique (notamment dans les ombres)

C’est deux réglages qu’il vaut mieux effectuer sur un programme de retouche spécialisé si vous en avez un. Car leur performance ici est plutôt limitée.

Onglet O/L:

• Le curseur Lissage des hautes lumières permet de diminuer le bruit chromatique dans les hautes lumières, fait perdre aussi en contraste.
• Le curseur Lissage des ombres permet de diminuer le bruit chromatique dans les parties plus denses, fait perdre aussi en contraste.
• Le curseur Coupure des ombres permet une transition entre les basses et hautes lumières plus en douceur.

Finalement:

Je dirais qu’il n’y a pas de recette miracle. On peut obtenir un peu tout ce que l’on veut, il suffit de tester, d’essayer de bouger les curseurs et regarder ce qu’il se passe.

On peut obtenir des rendus diamétralement opposés avec les mêmes images.

Premier exemple, un rendu bien connut. Celui qui signe le HDR. Très contrasté qui ressemble à un dessin. Avec une photo qui aurait plus de couleur, l’effet serait encore plus surprenant.

A l’opposé, une image bien plus naturelle. Difficile ici de savoir sans indication qu’il s’agit d’un HDR. La dynamique est certes étendue, mais elle n’est pas choquante. Cette image reste très réaliste.

Quand on compare ces deux images à celle de base, que l’on préfère un rendu saturé ou naturel, on voit tout de suite l’avantage que peut amener le HDR dans nos prises de vue.

Dès que l’on est en présence d’une forte dynamique, le HDR est un outil redoutable!

Le HDR est une histoire de gout.

Personnellement, je suis plus fan des HDR de nuit discrets (comme l’image de lustration de ce billet) que des HDR clinquants plein de couleurs et très saturé qui sont très proches des dessins.

Attention, je parle bien de les faires, et non pas de les admirer.

Car si j’aime faire des HDR tout en douceur, j’aime beaucoup admirer les ouvres de certains photographes qui poussent très loin le rendu.

Je vous conseille de bien vous amuser, de faire un maximum d’essais. Car, comme pour toute chose, c’est l’expérience qui vous permettra d’obtenir le meilleur.

Bon courage et bonne photo.

PS: Pour faire un HDR avec différent calque sur Photoshop, cliquer ICI