Mais qu’est-ce qu’un Histogramme ?

Si vous vous êtes déjà posé la question, cette article est fait pour vous.

Si vous savez, mais vous avez besoin de précisions ou de revoir les bases, cet article est fait pour vous.

Ce billet est là pour vous faire entrer dans le monde de l’histogramme, à la fin du voyage ce mot barbare n’aura plus aucun secret pour vous.

Il a été écrit par un grand spécialiste  en la matière, Michel Garofano, que je remercie de tout coeur d’avoir pris le temps de vulgariser cette notion, un outil dont on ne peut plus se passer quand on sait l’utiliser.

Assez parlé, je vous laisse avec son explication … bonne lecture !

HISTORIQUE :

A sa création, l’image numérique c’est appuyée sur la conception argentique. Les éditeurs d’images (Photoshop et autres) ont donc placé « Luminosité » et « Contraste » dans les menus. Luminosité correspondant au temps d’exposition et contraste au gamma du papier.

Même s’ils existent toujours, ces curseurs se sont rapidement montrés insuffisant pour fournir un travail précis. De là est né l’idée d’un nouvel outil, l’histogramme.

Cette nouvelle fonction c’est développer pour se retrouver dans tout les logiciels mais aussi presque tout le matériel photo. Si en retouche il est INDISPENSABLE, il est également très utile en prise de vue.

PRINCIPE:

L’histogramme est un compteur à pixel, il met en évidence la répartition des niveaux de gris de l’image en les présentent répartis sur 2 axes :

Les X vont du noir au blanc (de 0 à 255)
Les Y , le nombre de pixels par niveaux

Pour qu’une image comporte un maximum de nuances sans pertes de détails, il faut une courbe la plus large possible sans que les extrémités ne soient coupées. Nous allons voir plus loin que de sa forme dépend le contraste et de sa position dépend la luminosité. La lecture est utile à la prise de vue pour optimiser l’exposition et en traitement pour modifier les valeurs de l’image

Certain histogramme sont en couleurs, ce qui facilite la lecture colorimétrique de l’image mais le principe reste identique. La courbe peut également varier selon le mode de calcul. Les différences n’ont aucune incidence pour l’utilisateur

LECTURE DE LA FORME :

La courbe peut prendre la forme d’une bosse ou d’un creux. Ceci en fonction du contraste de l’image…

Dans l’image ci-dessus :

• Les parties sombres (point A) sont incluses dans l’image.
• Pareil pour les parties claires (point B).
• Le sommet de la courbe est pratiquement centré, Il y a donc beaucoup de nuances de gris
• La pente est douce, en forme de cloche, la scène n’est pas très contrastée

Dans l’image ci-dessous, c’est le contraire. La courbe est en forme de cuvette. D’un coté les immeubles et de l’autre le ciel. Toute la plage utile est utilisée et même au-delà, la partie droite est tronquée. Quelques détails dans les nuages sont manquants, ils sont restitués par un aplat blanc

LECTURE DE LA POSITION :

La position horizontale définit la densité. Au moment de la prise de vue, trop à gauche et l’image risque d’être sous-exposée. Trop à droite et c’est la surexposition. Une bonne analyse doit tenir compte du sujet.

L’image ci-dessus n’est pas trop sombre, elle comporte simplement beaucoup de nuances foncées. Pareil pour l’image ci-dessous qui n’est pas trop claires. Je suis sur de ne pas me tromper parce que les courbes ne sont pas tronquées. Elles finissent en pente (en pointes) au début et à la fin.

A LA PRISE DE VUE :

L’histogramme est un outil complémentaire au système de mesure. Sa lecture permet de savoir si l’exposition est correcte. Malgré les progrès technique, les sujets et situations difficiles peuvent fausser le résultat de la mesure. Comprendre l’histogramme de son boitier corrige donc les erreurs et évite les pièges.

Voici une image « standard » et son histogramme sous l’éditeur (Photoshop)

Les valeurs sont moyennes, c’est à dire sans parties très sombres ni très claires. Si l’exposition est bonne, la courbe sera centrée et ne sera pas coupée aux extrémités. Ici c’est le cas.

Au moment de déclencher, j’ai fait un bracketing sur 3 diaphragmes :

CONSTATATIONS :

• La courbe est assez différente de celle présenté plus haut sous Photoshop. Ceci n’a pas d’importance et m’as permis d’apprécier l’expo juste.
• L’image est constituée de 2 masses que je retrouve sur le graphique par 2 sommets.
• J’ai déterminé l’expo en fonction de la répartition sur mon graphe.
• A +1 diaph, les parties les plus claires sont brulées, l’extrémité droite a disparue.
• A –1 diaph, je peux encore enregistrer tout les détails (pointe gauche présente) mais il faudra que je rééquilibre l’ensemble de l’image en l’éclaircissent avec une retouche.

J’ai ajouté un trait rouge (identique dans chaque image) pour visualiser la compression (-1) et l’extension (+1) des valeurs moyennes. Ceci est utile pour jouer sur le contraste (voir traitement).

Lorsque la scène est très contrastée, il faudra faire le choix de couper les noirs ou les blancs en fonction du sujet.

Exemple avec ce mur en contre-jour. J’ai choisi de sacrifier quelques nuances blanches (ciel sous l’arche) et ainsi de favoriser le mur.

A contrario, pour ce sujet clair sur un fond sombre, j’ai choisi de tasser les ombres pour ne pas bruler le pigeonnier.

Ci-dessous à gauche, l’histogramme de la prise de vue en mode manuel. A droite, celui obtenu en mode automatique.

On parle d’exposition à droite ou d’exposition à gauche lorsqu’on fait le choix d’aligner le pied de l’histogramme en butée mini ou maxi. Sur l’image ci-dessus, j’ai exposé à gauche et sur celle de l’ogive, j’ai exposé à droite.

Pour optimiser la puissance des processeurs, les fabricants utilisent des modes de calcul par moyenne ou par sondage. Le résultat devient très variable d’un constructeur à l’autre. Il est donc impératif de bien connaitre les limites de sont boitier. Pour ce faire, il faudra comparer son l’histogramme à celui de votre éditeur d’image. Ce dernier utilise le dernier x2/x4 cores de votre unité, il a largement le temps de faire des calculs plus précis.

EN POST PRODUCTION :

INTRODUCTION

A l’origine l’histogramme a été créé pour la retouche. C’est ici qu’il prend tout son intérêt. Nous allons pouvoir modifier la densité, le contraste et la colorimétrie simplement en déplaçant trois curseurs.

Pour plus de compréhension, j’ai photographié une charte de gris avec 3 zones, blanc, noir et un gris qui réfléchi 18% de la lumière reçu. Faite un click droit « Enregistrer l’image sous …» si nécessaire :

Pour que la couleur ne vienne pas interférer, j’ai mis la charte en noir et blanc (niveau de gris). Trois vignettes (blanc, noir, gris 50%) ont été ajoutées pour servir de référence. Elles ne varient pas d’une illustration à l’autre.

LECTURE :

Le comptage des pixels et le graphisme qui en découle semble évident.

• La 1ere barre correspond à la partie sombre. Je constate que cette zone n’est pas tout à fait noire, elle commence après le noir pur.
• La 2eme barre, c’est celle du gris. Il ne reflète que 18% et est donc un peu décalé par rapport au repère 50% (curseur gris)
• La 3eme barre n’est pas en butée. Les blancs peuvent encore gagner de l’éclat

CORRECTION DU CONTRASTE :

En réduisant la courbe en largeur, je vais augmenter le contraste. Pour se faire, je déplace les curseurs noir et blanc.

Je constate qu’en supprimant les barres extrêmes, j’obtiens du noir et du blanc dans les zones concernées.

Application :

Cette porte semble correctement exposée mais les couleurs que j’ai vus ne correspondent pas au fichier brut. La forme en cloche m’informe qu’il y a très peu de noirs, beaucoup de gris et pas du tout de blancs.

Je supprime les détails sombres qui n’apportent pas réellement d’informations. Je déplace mon curseur blanc à la limite des tons les plus clairs.

J’ai gagné en contraste ! Les couleurs sont plus flatteuses et paraissent mieux répartis sur toute la gamme disponible. Je dis « paraissent » parce qu’en étirant les gris pour aller du noir au blanc, j’ai créé des trous dans mon histogramme.

Après correction, en ouvrant de nouveau mon histogramme, je constate une discontinuité des tons. On parle alors d’histogramme en peigne ou en râteau. Il y a donc des limites à la récupération d’une image.

A noter que ce phénomène est moins sensible avec des fichiers supérieurs à 8 bits / couches mais reste présent.

CORRECTION DE LA LUMINOSITE :

En déplaçant le curseur gris, la luminosité va changer. En l’occurrence ici, je transforme mon gris 18% en gris 50%. En conséquence l’image va s’éclaircir.

Application :

Ce paysage est trop lumineux. Sur l’histogramme, je peux lire qu’il n’y a aucuns noirs. Au vu de la partie droite, les zones claires de la scène sont devenues blanches sur l’image.

En déplaçant le curseur gris je récupère les tons moyens.

A noté que si les gris sont mieux restitués, je n’ai récupéré aucun détail dans les éléments surexposés. Façades et rochers resteront blancs à 100%

Je constate les mêmes limites de correction que pour le contraste. A gauche c’est comprimé, J’ai un râteau supérieur. A droite c’est dilaté, j’ai un peigne.

CORRECTION DE LA COULEUR :

La charte a été photographiée avec la balance des blancs automatique. Elle présente une légère dominante froide.

La aussi, l’histogramme va servir de guide pour rectifier le tir. L’affichage par couche montre un rouge un peu sombre et un bleu un peu clair.

L’ajustement du curseur gris dans chaque couche rééquilibrera le chromatisme.

Application avec variante :

La grange est éclairée par des néons (lumière discontinue) et il est très difficile d’obtenir un bon équilibre chromatique. La luminosité est très faible, sans ombre. Le résultat est une image terne.

Sur les histogrammes par couches, je constate un déficit de rouge. Pour obtenir une image plus punch et avoir des couleurs moins froides, je vais agir sur le contraste de chaque couche. Je déplace les curseurs blancs sur les dernières valeurs claires disponibles. Je fignole la couleur avec les curseurs gris.

Je pense que si vous lisez ces lignes, c’est que l’histogramme n’a plus de secret pour vous.

Du coup je suis sûr que vous allez faire de bonne photo, donc…

Bon courage !

PS: Encore merci à Michel pour le temps qu’il a passé à écrire cet article !

J’ai le plaisir de vous présenter le premier tutoriel vidéo de mon blog !

Vous allez y découvrir (si vous n’avez pas regardé la vidéo avant de lire le texte) comment rendre la peau plus nette des modèles de vos Votrait <-(je n’avais pourtant pas bu que j’ai fait la vidéo !)

Si vous voulez d’autres tutoriels vidéo sur différents sujets, n’hésitez pas à me faire vos propositions dans les commentaires.

En espérant que celui-ci vous pourra vous rendre service !

Bon courage, bonne photo et … bonne retouche.

(N’hésitez pas à mettre la vidéo en plein écran pour une meilleure lecture)

Le 12 mai 2009, il y a presque un an de ça, j’ai écrit un article qui se nommait ”La photo parfaite”.

Depuis cette date, j’ai beaucoup de visiteurs qui viennent de Google , après avoir tapé dans le moteur de recherche Faire la photo parfaite.

Malheureusement pour eux, mon article n’est pas un mode d’emploi pour faire la photo parfaite … mais rassurez-vous, cela ne les désespère pas le moins du monde, car s’ils ne trouvent pas la réponse sur le site, ils m’envoient des mails.

C’est ainsi que je reçois en moyenne 4 ou 5 mails par mois me demandant:

Mais comment faire la photo parfaite ?

Bien, par amour de mes lecteurs et pour ne plus les laisser chercher ainsi le Graal de la photo, la licorne du numérique, le dahu de la chambre noire, je leur offre le tutoriel pour faire LA photo parfaite !

Avant toute chose, pour faire une photo parfaite, il faut réunir quelques éléments sans lesquels on ne pourra pas espérer aller au bout de notre entreprise.

Le sujet:

Il faut en premier lieu et avant quoi que ce soit d’autre trouver le sujet parfait. Sans sujet parfait, pas de photo parfaite.

Attention, c’est un travail difficile, car un objet parfait, tel que le trombone (si, si, il est parfait … je ne parle bien sûr pas de celui pour la musique) n’est pas un sujet parfait pour la photo !

Pour preuve, essayez de photographier un trombone, et je peux vous garantir que les retours ne seront pas extatiques !

Donc, à vous de trouver le sujet parfait.

L’arrière-plan :

C’est encore une difficulté, car, même si on a un sujet parfait, si l’arrière-plan n’est pas parfait, la photo parfaite ne pourra pas se faire !

Souvent, le plus dur est de réunir l’arrière-plan parfait et le sujet parfait … mais attention, un arrière-plan parfait ne se marie pas forcément avec votre sujet parfait !

Prenez un trombone photographié devant un fond représentant un cercle (si, si, un cercle c’est parfait) cela ne va pas non plus enchanter les foules.

Il faut donc trouver un arrière-plan parfait qui se marie très bien avec votre sujet parfait.

Reste ensuite à les réunir, en espérant qu’on peut les déplacer et qu’ils ne soient pas trop loin l’un de l’autre !

La lumière:

On n’a pas fini de s’embêter, et on n’a même pas commencé une seule prise de vue !

Pourtant, on ne peut pas oublier la lumière, surtout que la photographie veut dire:

Le mot « photographie » est composé de deux racines d’origine grecque :

le préfixe « photo– » (φωτoς, photos : lumière, clarté) — qui procède de la lumière, qui utilise la lumière ;

le suffixe « –graphie » (γραφειν, graphein : peindre, dessiner, écrire) — qui écrit, qui aboutit à une image.

On retrouve là le même souci que pour l’arrière-plan et le sujet, la difficulté de réunir les trois au même endroit en même temps !

Le matériel:

Bien entendu, pas de photo parfaite sans du matériel parfait.

Avec la recherche du sujet, c’est une des quêtes les plus difficiles de la photo parfaite.

Car, tout le monde à son avis sur le sujet, pour les uns c’est une marque qui est parfaite, pour les autres, c’est une autre marque, pour certains c’est un peu des deux.

Le mieux, c’est de faire fabriquer un appareil et un objectif parfait en prenant le meilleur de toutes les marques … Je n’ai jamais dit que la photo parfaite serait bon marché !

Après montage de cet appareil par des pros, vérifiez tout de même qu’il est en parfait état de marche, on n’est jamais trop prudent !

Sans oublier qu’il faut choisir le format parfait par rapport à votre sujet parfait, ainsi que l’objectif parfait par rapport à votre sujet parfait et votre arrière-plan parfait.

Ce qui me pousse à vous parler des différents réglages.

Le cadrage:

Il est parfaitement compréhensible que le cadrage devra être soigné à l’extrême pour obtenir une com­po­si­tion aux pro­por­tions par­faites pour un rendu optimum … voire même maximum, je vous conseille d’ailleurs pour l’occasion de vous offrir un trépied de fabrication parfaite.

Exposition:

Je ne parle pas de l’exposition de votre future œuvre parfaite, mais des réglages qui vont conduire à obtenir une photo parfaitement exposée.

Il faut faire très attention à ça, pas de photo parfaite sans une expo parfaite.

Le pire étant qu’il faut compter dans l’expo parfaite que la PDC (Profondeur De Champ) devra être parfaite, ce qui m’amène à vous parler de l’ouverture.

L’ouverture (PDC):

Un réglage des plus importants qui devra être fait à la perfection. En réalité comme l’ouverture contrôle, et la quantité de lumière, et la profondeur de champ, ce sera un des réglages les plus difficiles. Une profondeur de champ parfaite pour mettre le sujet en avant et tout de même laisser en valeur l’arrière-plan.

Pour réussir un tel coup, il faut aussi penser à la MAP (Mise Au Point)

La Mise Au Point:

La mise au point devra subtilement être réglée pour obtenir une parfaite netteté sur les endroits désirés et un flou esthétique sur d’autres.

L’objectif devra, pour obtenir une telle perfection de mise au point, avoir plusieurs bascules et pouvoir être décentré en différents points (on peut parfaitement décentrer leS centreS … non mais !)

La prise de vue:

Maintenant que tous les réglages sont faits, vous pouvez déclencher dans un parfait synchronisme avec la scène pour enfin obtenir une photo parfaite … ou presque !

Post-traitement:

Je dis une photo presque parfaite, car, il est de notoriété mondiale qu’une photo parfaite ne peut être prise qu’en RAW, il ne saurait exister de photo parfaite en JPEG, c’est une pure hérésie !

Et qui dit RAW dit passage obligé sur un ordinateur, je ne saurais que trop vous conseiller un Apple ! (car, comme tout le monde le sait, les Mac sont parfaits !)

Pour le programme, qui pourrait faire sortir toute la quintessence de votre œuvre, je pense que vous devriez contacter quelques informaticiens qui maîtrisent parfaitement leur sujet pour qu’ils vous créassent un programme spécialement fait pour cette photo dans le plus parfait esprit de collaboration entre eux et vous.

La photo:

SI vous avez suivi mes instructions à la lettre, vous devriez bientôt admirer une photo parfaite !

Bien entendu, moi-même étant loin de la perfection, mon explication à peut-être quelques défauts, comme mes photos.

Mais j’avoue que c’est bien ces petits défauts qui me font penser parfois que mes photos sont réussies.

Mais je n’ai pas l’esprit parfait … voilà pourquoi j’ai de si honteuses pensées !

J’invite donc tout ceux qui ont des conseils pour parfaire mon tuto de ne pas hésiter à les partager avec nous par le biais des commentaires.

Bon courage et bonne photo … Parfaite, cela va sans dire !

PS: La photo représente M-45 plus connu sous le nom ”des Pléiades”

Que ce soit pour le choisir, ou pour savoir comment conseiller, vous êtes au bon endroit!

Si je prends le temps d’écrire cet article, c’est que la question m’est très souvent posée.

Je vois aussi sur différent forum toujours la même question.

Si vous êtes de ceux qui ne savent pas comment choisir, ou si vous êtes de ceux qui ne savent plus quoi dire quand on vous demande un conseil, je pense que cette lecture vous sera salutaire !

Tout d’abord, première chose à savoir, PERSONNE ne peut choisir un appareil à la place de quelqu’un, tout au plus on peut l’aider à l’orienter dans le choix qu’il va faire.

Une fois cette chose bien en tête, on peut commencer!

Je vous conseille de prendre une feuille, et de noter chaque point, afin d’avoir un aperçu global à la fin de tous les détails qui vont vous aider à choisir (ou à faire choisir) le bon reflex.

La base:

Avant même de penser budget, ou autre, la première chose qu’il faut avoir en tête, c’est ce qu’on veut faire de son appareil photo.

Bien entendu, le budget sera déterminant, mais on ne va pas dépenser son argent de la même façon si l’on veut faire que du portrait, ou si l’on veut être touche-à-tout.

Ce n’est pas tant le boitier qui va être déterminant, mais bien l’objectif qu’on va lui donner.

Car, n’oublions pas que la chose la plus importante en photo, c’est l’objectif !!!

Vous pouvez avoir le meilleur reflex de la création, si vous lui mettez un cul-de-bouteille devant le capteur, vos photos seront de qualité médiocre.

L’objectif:

De manière implicite, c’est lui qui va déterminer la marque qui va être la vôtre pour le futur.

En effet, à moins d’être riche, on change plus volontiers de boitier que d’objectif, du coup, le choix de son premier reflex quelque par nous ”lie” à une marque.

Plus vous allez augmenter le nombre de vos objectifs, et moins vous aurez de chance de pouvoir changer.

Partant de ce constat, autant choisir votre objectif dans la bonne marque.

Pour choisir la marque, il va falloir tenir compte de deux choses principalement.

1. La palette d’objectif que celle-ci peut vous fournir, aussi bien en neuf qu’en occasion. Rien de plus terrible que de finir dans une marque qui ne propose pas un choix assez large. Cela peut sembler sans importance au début, mais il ne faut pas oublier que votre passion va évoluer, et si un jour vous avez besoin d’un objectif à décentrement et que vous êtes coincé chez un fabricant qui n’en fait pas, et qui n’en fera jamais, car ce n’est pas un produit que cherche ces clients cible…vous allez bien regretter votre choix, et dépenser bien plus d’argent pour migrer dans une marque qui propose un produit qui correspond à vos attentes.
2. La marque que possèdent vos proches. Toujours en tenant compte du point 1, vous avez tout intérêt à choisir une marque que possède l’un de vos proches, histoire de profiter des ”prêts ” qu’il pourra vous faire.

Pour le choix même de votre premier objectif, à savoir quel sera celui qui va finir sur votre boitier, le budget ainsi que votre orientation sont des points primordiaux.

Ici, je ne vais pas pouvoir vous donner une liste exhaustive de chaque objectif qui convient pour chaque situation et pour un prix déterminé.

Le mieux, quand vous savez qu’elle est votre orientation, et qu’elle est votre budget, c’est d’aller sur un forum et de poser la question ainsi:

Je peux mettre xxx € dans un objectif de la marque yyy et je désire faire tel ou tel style de photo, qu’est-ce que vous pouvez me conseiller.

Dans ce cas, il est bien plus simple pour connaisseur de guider la personne sur un choix, il sait ce que vous voulez faire de l’objectif (un peu de tout, portrait, macro, que sais-je encore) et il sait aussi le budget et la marque, ce qui va facilité sont travail pour vous orienter.

Ergonomie:

Comme je l’ai dit au début, vous allez certainement rester une grande partie de votre vie photographique avec la même marque, une chose devient donc capitale, celle de se sentir bien avec son appareille.

Pour ça, il est impératif d’essayer l’ergonomie des boitiers.

Selon la marque, les molettes et autres boutons ne sont pas placés de la même façon.

Ce qui peut sembler n’être qu’un détail peut vite devenir quelque chose de difficile à vivre.

C’est pour une simple raison d’ergonomie que je suis passé personnellement de Nikon à Canon, car malgré plusieurs années de vie commune avec du matériel Nikon, leur ergonomie ne me convenait pas, alors qu’a d’autre, c’est celle de Canon qui leur semble tout à fait un ingérable.

L’ergonomie est donc un point essentiel pour le choix de son reflex, on doit se sentir bien avec.

Là, pas de secret pour trouver, il faut essayer, aller dans des magasins et prendre le boitier en main et voir s’il vous correspond.

Le budget:

C’est bien entendu lui qui va déterminer à quel point on va se laisser aller.

Quelqu’un qui est riche ne va pas trop se poser de question, quelqu’un qui n’est pas fortuné va quant à lui devoir faire des concessions.

Vous savez de combien vous disposez, ou disons de combien vous êtes prêt à mettre dans votre achat.

Comment répartir l’argent ?

La plus grande part de votre pactole devra être alloué à l’objectif, il n’y a pas un ratio tout fait, la bonne logique veut qu’il vous reste assez d’argent pour mettre un boitier derrière votre objectif.

Je dirais simplement qu’il est préférable d’avoir un boitier entrée de gamme et un objectif moyen voir bon, que de vouloir un reflex haut de gamme et un objectif moyen voir mauvais.

Je sais que pour l’égo, se promener avec de l’entrée de gamme et un objectif de très bonne qualité peut être difficile…mais quand vous verrez la qualité des photos, vous n’allez pas regretter ce choix.

D’autant, qu’un boitier à une espérance de vie bien plus courte qu’un objectif !

Pour preuve, mon 70–200 a été acheté en 2002, depuis trois nouveaux boitiers ont transité par mon sac photo, et lui est toujours en place et risque de l’être encore de nombreuses années.

Le reflex:

On arrive au bout de processus, vous avez maintenant sur votre papier vos choix les plus importants, dont la marque et de ce fait, le reflex qui va vous intéresser va être simple à trouver.

Il reste deux solutions :

1. Vu l’objectif que vous voulez acquérir, vous ne pouvez vous offrir que les premiers modèles, dans ce cas, pas trop besoin de réfléchir.
2. Vous avez assez d’argent pour hésiter entre plusieurs modèles. Ce qui va conclure votre choix sera vos besoins. Il n’est pas nécessaire de prendre un appareil qui vous offre 8 images par seconde si vous ne voulez photographier que des bibelots, pas plus que vous n’aurez besoin d’un capteur full frame si vous ne voulez faire que de la macro…etc.

Le choix de votre reflex sera donc dicté par vos finances et vos besoins.

Il vaut mieux un appareil un peu moins performant qu’on utilise à 100%, qu’un appareil pro qu’on ne prend jamais, car trop compliqué.

Conclusion:

Dans tous les cas, si on arrive à déterminer nos besoins et que l’on comprend les priorités, le choix d’un reflex se fait presque tout seul, sans trop de complication.

Après, il reste toujours une part de satisfaction personnelle, l’envie d’un certain objet qui nous fait plaisir pour une raison ou une autre.

Avant tout, il faut savoir se faire plaisir, mais il faut aussi être raisonnable sur ce plaisir.

Il n’y a rien de pire qu’un appareil photo qui reste dans son sac, car il ne satisfait pas nos attentes.

Avant de conseiller ou d’acheter un appareil, il faut juste bien se connaitre et savoir ce qu’on attend de celui-ci !

Bon courage et bonne photo !

PS: Voir aussi Les vendeurs photo, cliquez ICI

C’est bien peu original de rappeler que le noir & blanc met l’accent sur la lumière et la composition.
Ce n’est pas faux mais, en quoi la couleur nuirait elle à la lumière et à la composition ?
Certes, les couleurs peuvent être disharmonieuses. Ou elles peuvent contrecarrer l’intention de l’auteur. C’est, de plus, délicat à gérer avec ces réglages de température de couleur et de saturation … Bref, une photographie déplaisante en couleur pourrait paraître agréable en noir & blanc… Admettons …
En fait, mon propos n’est pas d’opposer couleur à monochromie.
J’aime le noir & blanc !
Tout comme j’aime le dessin, le fusain et le lavis. Ce qui ne m’interdit pas d’apprécier le pastel. C’est simplement différent.

N’évoquons plus la photographie en couleur mais bien la couleur dans la photo monochrome. Car il s’agit bien de cela : créer une image composée de nuances de gris à partir d’une réalité colorée, que le capteur numérique mémorise d’ailleurs tel quel dans le fichier RAW.

Je n’ai pas de prétentions encyclopédiques et suis bien incapable de tenir un discours scientifique. Je prends plaisir à photographier et ma pratique est essentiellement basée sur l’empirisme, qui se transforme en compétence sous les strates du temps. Mais ce n’est qu’une compétence à usage personnel, qui me permet, à force de routine, de concrétiser mon désir de photo.

Je me propose donc tout simplement de vous faire partager ma façon de voir, exemples à l’appui.

A ce propos, distinguez vous bien sur cette mire tous les dégradés, y compris la très faible nuance entre le dernier, presque noir, et la bordure vraiment noire ?

”Si c’est non et que les écarts sont importants, vous aurez peut-être quelques difficultés à appréhender mes exemples. Je conseille de se servir de cette mire pour régler le moniteur en contraste et luminosité, ou tout simplement en jouant avec l’inclinaison de l’écran du portable, cela suffit parfois. Il faut bien avouer que les exigences pour la bureautique sont éloignées des réglages optimum permettant d’apprécier la photographie sur écran…
Pour en savoir plus, ce site sur la calibration déjà indiqué par Darth dans l’un de ses articles : http://www.photographe-de-mode.com/calibration-ecran.htm”

Et comme j’ai abandonné l’argentique depuis un bon moment, je n’en parlerai pas, sauf sous forme de références esthétiques.

NEGATIF ET TIRAGE NUMERIQUE

Selon le sujet et l’envie du moment, on peut privilégier un rendu dynamique et contrasté, appliqué à une vue nette et propre

… Ou bien à l’opposé, choisir des dégradés subtils de nuances de gris associés à la matière ajoutée sous forme de bruit gaussien :

Pour moi, ces deux rendus sont satisfaisants.

Mais pas celui-là ! :

C’est pourtant ce qui est passé initialement de la carte mémoire à l’ordinateur. Et, camouflé au s*ein de ce prétraitement exécuté par le software de l’appareil photo numérique dès la prise de vue, il y avait en fait ceci :

qui est le RAW comportant le moins de traitement possible que l’on puisse obtenir ; c’est le « négatif numérique » d’origine, que j’aime bien désigner comme étant le « brut de capteur ».

Enregistrer en mode RAW : c’est le conseil que je donne à quiconque envisage d’avoir un jour à traiter un cliché en noir & blanc. Quant à moi, je fais systématiquement du RAW + JPEG : le JPEG me sert immédiatement pour le catalogage ou pour imprimer sans délai un tirage de lecture, le RAW est mon point de départ pour le post-traitement.

En effet, le fichier RAW échantillonne les informations sur les 12 ou 14 bits natifs de l’appareil photo, alors que le JPEG ne comporte que 8 bits. Voyez à ce propos l’explication de Darth : Cliquez ICI

Pour illustrer l’importance de disposer d’un brut de capteur comportant une grande profondeur d’échantillonnage, voici, à partir d’un même point de départ figurant au milieu en bas, ce que j’obtiens en appliquant la même courbe, s’il s’agit du JPEG 8 bits (à droite) et ce que j’obtiens s’il s’agit du TIFF 16 bits issu du RAW :

En sus du manque de nuances, vous remarquerez des artéfacs sous forme de cercles concentriques au dessus de la fleur sur l’image issue du JPEG.

En résumé, le meilleur échantillonnage permet de récupérer dans le noir des informations qui ne semblaient a priori pas y être, tout en limitant la montée du bruit numérique. Il permet également, mais dans une moindre mesure, de récupérer de la matière dans les zones de haute lumière apparemment grillées.
Au final, on obtient un fichier prêt pour l’impression qui dispose, si on le souhaite, d’une dynamique plus large et, dans tous les cas, on pourra obtenir beaucoup plus facilement le rendu désiré pour chacune des zones constitutives de la photographie.

LA PRISE DE VUE EN MODE MONOCHROME

A gauche un point de départ, et à droite un résultat après post-traitement:

Vous constaterez que ce que je nomme point de départ est en noir & blanc et que cela semble en contradiction avec ce que je viens d’affirmer sur le RAW qui contient les données couleur.
En fait, c’est parce que depuis qu’existent les styles d’image CANON, j’applique, avec le développeur de RAW dédié – DPP – un prétraitement tel qu’il a été défini par paramétrage lors de la prise de vue.
J’en suis satisfait et je ne passe donc plus par l’étape du mélangeur de couches mais j’utilise le style d’image monochrome avec application de filtres virtuels coloré.
En effet, le rendu, paramétrable à souhait, est vraiment parfait si l’on ne néglige pas la balance des blancs.
Il présente également un avantage ”psychologique” : visualiser à l’écran les vues en noir & blanc est bien plus confortable, c’est l’équivalent de charger son boîtier de TriX ou de Xpan, et l’on ne fait pas les mêmes photos en ce cas qu’avec du kodachrome.

Pour les filtres, je trouve que le résultat obtenu est bluffant, et rappelle vraiment l’argentique. Regardez ce que devient le carré rouge sur mon exemple avec le filtre rouge puis avec le vert (les 2 derniers exemples en bas à droite).

Et bien entendu, puisque l’on part d’un fichier RAW, c’est entièrement réversible sous DPP ; à un filtre rouge défini à la prise de vue peut être substitué un jaune ou pas de filtre du tout. Et Il y a la solution consistant à finalement revenir au style d’image neutre et à traiter intégralement son noir et blanc dans photoshop …

Après enregistrement du fichier RAW développé en TIFF 16 bits, il est temps de passer au post-traitement sous photoshop (ou autre n’est ce pas ?), dont on peut rarement se dispenser en noir & blanc. Mais au moins, le rendu des gris en fonction du sujet est validé depuis la prise de vue, via les réglages que j’aurai choisi pour le style d’image monochrome ; c’est un choix de photographe et non de tireur.

LE POST-TRAITEMENT

Nous entrons maintenant dans le vif du sujet. Je reste persuadé qu’en noir & blanc, et sauf exception, le travail n’est qu’au tiers accompli si l’on se contente du résultat issu de l’appareil photo.

Enfin, travail n’est peut-être pas le mot. C’est pour moi un véritable plaisir de poursuivre devant l’écran de l’ordinateur l’acte de création entamé à la prise de vue.

Je ne souhaite pas faire dériver cet article en tutoriel photoshop mais simplement vous faire part de ma conviction selon laquelle une photographie en noir & blanc trouve sa concrétisation au post-traitement sur l’ordinateur.

C’est ici que je veux revenir à l’analogie avec l’argentique et le travail sous l’agrandisseur. Un négatif s’interprète, un fichier RAW aussi, en voici quelques exemples :

Sur ce dernier exemple extrait de ma série en cours sur les livres, j’affiche l’original — à gauche — à la même taille que le résultat pour spécifier que, dans mon esprit, le post-traitement ne doit pas nécessairement être radical …

Si on ne veut pas entendre parler de post-traitement, on fait en quelque sorte de la diapositive numérique. C’est tout à fait honorable. Mais très réducteur en mode noir et blanc.

Une précision technique : si j’ai une idée du résultat recherché, il y a également une bonne part d’improvisation, et de renoncements. A ce propos, il convient de disposer d’une réserve suffisante de mémoire vive afin de pouvoir revenir en arrière et repartir dans une autre direction, sans pour autant remettre en question l’étape précédente du post-traitement.

Au fait, cela va sans dire mais … tout ceci doit être fait sur un écran correctement réglé, n’est ce pas ?

LE TIRAGE

Voilà, l’interprétation du RAW est terminée. Si l’on possède un écran calibré, une jolie dalle matte, on prend certainement plaisir à y regarder son image finalisée.
Mais enfin, je ne parviens pas à admettre qu’on puisse en rester là ! Pour moi, une photo doit être vue sur du papier. C’est peut-être une question de génération ? Je ne sais pas.

Sur des labos en ligne, je fais tirer en 10 x 15 cm chacune de mes photos retenues et les range dans des petites boîtes ad hoc, qui ressemblent à des boîtes à chaussures. C’est donc à nouveau de l’argentique, la boucle est bouclée. A condition d’être vigilant sur le sérieux du prestataire et de bien cocher, lors de la commande sur le site, les différentes options qui interdisent au laboratoire d’ajouter ses propres post-traitements automatisés à ceux que l’on a préparé, le résultat est très convainquant, bien meilleur et moins cher à mon avis que ce que l’on aura chez soi avec une imprimante photo de moyenne gamme et des encres sensibles au métamérisme.

A nouveau une précision technique : avant d’enregistrer le fichier 10 x 15 à 300 dpi pour transmission au labo, je veille, via une routine prédéfinie, à lui appliquer une désaturation et à le convertir en mode Srvb. Je m’épargne ainsi bien des déconvenues.

Pour les agrandissements, je les confie désormais à des professionnels pour une sortie sur papier « fine art » au moyen d’encres spécialement dédiées au noir et blanc. J’ai ainsi récemment découvert le papier BAMBOO d’Hahnemuhle … C’est bluffant !
Je fais confiance à mon post-traitement et, à la condition de bien s’entendre avec l’imprimeur sur les caractéristiques du fichier qu’on lui confie, le résultat est là :

Bonne photo noir & blanc !

Visiter le site de Jérôme Delfosse cliquez ICI

S’il y a une chose qui est importante en photo, c’est bien la couleur…et même quand on fait du noir et blanc (j’y reviendrais dans un prochain article consacré au sujet)

Une question que l’on m’a posée il y a pas mal de temps m’a fait réfléchir à cet article.

Un ami qui débute en photo en voyant sur mon écran une de mes photos que je lui avais envoyée par mail m’a dit: ”mais elle n’a pas les mêmes couleurs”

Et sa question fut ”Est-ce qu’on voit tous les mêmes couleurs?”

Bonne question n’est-ce pas? Les amateurs experts en lisant ces lignes se disent (bien sûr que non, tout dépend de son écran et du calibrage de celui-ci)

Et ils auront raison, tout dépend de l’écran, du calibrage.…mais aussi du profil utiliser pour transmettre l’image et de la capacité qu’a votre programme de visionnage de lire se profil.

Mais avant d’aller plus loin, petite piqure de rappel pour tout le monde, qu’est-ce que la couleur?

La couleur basiquement c’est: la perception que nous avons des différentes longueurs d’onde ce déplaçant à une vitesse limitée qui constitue la lumière visible par l’oeil humain, ces ondes sont comprise entre 790 et 405 THz. (Du violet ou rouge). Au-delà de ces longueurs d’onde, la lumière devient invisible à notre oeil, c’est ce qu’on appelle les ultraviolets et les infrarouges.

C’est vraiment barbare vous trouvez pas?

C’est pourtant cette donnée qui nous permet de comprendre la lumière et comment elle agit, réagit.

Mais comme je ne veux pas faire fuir la moitié de mes lecteurs, je vais éviter de rentrer trop profondément dans les bases de la physique, on est là pour parler photo.

Comment notre oeil perçoit-il la couleur?

Voici une question plus intéressante et dont la réponse reste assez simple.

La couleur est la perception que nous avons des différentes longueurs d’onde qui constituent la lumière visible.

La couleur est une sensation traduite par notre cerveau grâce aux informations de trois types de cône (rouge, vert et bleu) qui servent à décomposer la lumière en couleur.

Tien donc, des cônes spécialisés dans les couleurs rouge, vert et bleu.…ça ne vous rappelle rien?

Le fameux capteur de notre appareil photo ne fonctionnerait-il pas de la même façon? (Cliquez ici pour ceux qui auraient raté la leçon)

Donc, on retrouve nos fameux (rouge, vert et bleu) mieux connus sous le nom familier de RVB.

Le format RVB est en fait le mélange des trois couleurs dites primaires pour former tout le spectre couleur.

C’est le physicien Yong qui à découvert ce qu’on appel la synthèse additive des couleurs qui consiste à former toutes les couleurs (visible par l’oeil humain) en partant de la lumière des trois couleurs primaires.

C’est par exemple de cette façon que fonctionne votre écran.

Quand vous imprimez une de vos photos sur du papier, celui-ci ne produit pas de lumière, les couleurs sont donc formées différemment. Elles sont créées par synthèse soustractive.

J’y reviendrais plus en détail dans un prochain article sur l’impression.

Pour survoler très vite, je dirais que tout le monde a appris qu’en mélangeant du jaune et du bleu sur une feuille, on obtient du vert.

Les couleurs de base, qui ne sont plus des couleurs dites ”primaires ”, mais fondamentales sont le cyan, le mangata et le jaune.

Mais revenons à notre écran.

Celui-ci grâce à la synthèse additive nous offre tout le spectre de couleur visible par l’oeil humain.

On définit généralement la couleur avec les trois termes suivants.

• La teinte
• La saturation
• La luminosité (ou valeur)

La teinte: C’est l’impression chromatique. C’est cette sensation qui va vous faire dire le nom de la couleur de façon basique, c’est bleu, c’est vert, c’est jaune, c’est.…etc.

La saturation: C’est la vivacité de la couleur, ou ce qu’on appelle aussi sa pureté. C’est la saturation qui va vous faire dire, ”ce rouge est très intense” où au contraire ”ce rouge est très pâle ”…etc.

La luminosité: C’est l’amplitude lumineuse définissant la couleur. Noir absence de couleur. Puis on trouve toutes les nuances jusqu’au blanc.

Maintenant qu’on sait ça, comment notre écran va-t-il nous restituer toutes ces couleurs?

Lui, il ne va pas faire grand-chose, il va écouter les instructions d’un programme.

Imaginons que notre écran soit un écran parfait sans le moindre défaut et qu’il restitue à la perfection les informations qu’on va lui donner. Il a été calibré, tout est ok de son côté.

On ouvre alors un programme pour visionner nos images. Et là le programme va parler à l’écran pour lui dire à quel endroit il doit afficher quelle couleur.

Petit problème, l’image parle une langue, votre programme en parle une autre!

Vous vous demandez ce que je raconte?

Petite expérience:

Merci à Michel Pirotte (Optimage) de m’avoir autorisé à utiliser son image (cliquez ICI)

De quelle couleur voyez-vous le coeur de la marguerite?

Si vous le voyez violet plutôt que jaune, c’est que votre navigateur ne parle pas la même langue que votre image!

En fait, cette image est dans un espace colorimétrique particulier.

Si vous enregistrez cette image sur votre ordinateur et que vous la regardez avec un programme qui sait lire tous les espaces colorimétriques. (Ce que fait normalement très bien la visionneuse de Microsoft sous Vista) vous verrez alors que le centre de la fleur est jaune.

En réalité, toute image qui est sur un ordinateur à un profil de couleur qui lui est propre. Ce qu’on appelle l’espace colorimétrique.

Expliqué de façon simple, l’espace colorimétrique est une sorte de langue propre à chaque espace qui indique comment former la couleur.

Selon l’espace colorimétrique utilisé les informations pour former une couleur ne seront pas les même.

En règle général sur internet l’espace colorimétrique utilisé est le sRVB (ou sRGB).

La plupart des navigateurs sont bien incapables de lire un autre format dans leur version de base.

On peut trouver quelques plug-ins pour arranger cela, mais il n’est pas nécessaire de le faire.

Le plus important c’est que votre visionneuse, ou programme de retouche soient capable eux de lire correctement tous les espaces colorimétriques.

Dans un article futur, je vous parlerais de l’impression. Ici encore nous aborderons l’espace colorimétrique et comment réagissent les couleurs selon la surface sur laquelle elles sont imprimées.

La couleur est très importante en photo.

Une photo est faite pour être vue, autant tout faire pour qu’elle soit perçue de la même façon par tout le monde.…bien que ce soit quelque par impossible, il faut mettre toutes les chances de notre côté!

Je me rends bien compte que mon article est loin d’être exhaustif. C’est, disons, une bonne base pour comprendre la couleur.

Si vous êtes comme moi curieux et que vous voulez en savoir plus, je vous conseille d’aller faire un tour sur ce site (cliquez ICI) où les explications sur la couleur les espaces colorimétrique, les profils ICC…etc sont abordés de façon simple et ultra complète.

Bon courage et bonne photo

Après avoir gagné le concours de février, Steve54 a demandé un tutoriel sur le HDR. Donc, chose promise…

Avant de commencer, nous allons mieux voir ce qu’est le HDR

Petites explications ICI et LA

Nous pouvons maintenant entrer dans le vif du sujet, et voir comment produire ce genre d’image.

Qu’est-ce qu’il faut pour faire une image HDR?

• Un sujet qui se prête à ce style d’image.
• Un appareil photo.
• Un programme de retouche, ou spécialisé HDR.
• Un trépied.

Comme on peut le voir dans cette petite liste, en vert foncé les éléments indispensables, en vert clair, nécessaire, mais on peut s’en passer. Pourtant, je le conseille plus que vivement.

Par contre, on ne peut pas se passer d’un appareil photo…pas besoin de vous expliquer pourquoi. On ne peut pas plus se passer d’un programme de retouche ou d’un programme spécialisé dans le HDR. Pour la raison évidente que c’est grâce à lui que l’on va pouvoir monter son image.

Parlant de programme, il faut savoir qu’il y en a beaucoup.

Personnellement, je favorise Photomatix Pro. C’est un programme spécialisé qui laisse beaucoup de liberté et qui va très loin dans la conception d’image HDR. On peut utiliser directement des fichiers RAW, plus fort encore, on peut créer avec ce programme en quelques cliques un HDR à partir d’une seule image RAW!

Je ne peux que le conseiller.

Pour les programmes de retouche habituelle, comme photoshop, ils intègrent aussi des options HDR. Je les trouve malheureusement moins performantes. On peut aussi monter ses HDR avec ce genre de programme en utilisant les calques. Je vous donnerais le lien d’un tutoriel efficace.

Pour le tutoriel du jour, je vais utiliser photomatix, qui, comme je l’ai dit plus haut, me semble le plus performant pour la création d’HDR.

Vous trouverez le programme téléchargeable en démo ICI

Je vous rassure, je ne gagne rien à conseiller ce programme, je ne suis pas sponsorisé!…Mais si le patron de cette boite passe par là et veut m’offrir quelque chose, il est le bienvenu

Plus sérieusement, passons au dernier point, un sujet qui se prête à ce style d’image.

Pourquoi je vous parle de ça?

En fait, je vois souvent des images HDR faites avec des photos dont la dynamique d’origine n’est pas très étendue. Du coup, sans HDR l’image aurait donné parfaitement bien. Donc, à moins de chercher un rendu bien particulier, je conseille d’utiliser le HDR que pour des images qui ont une forte dynamique. C’est avec ce genre de photo qu’on obtiendra les meilleures images.

Pour l’exemple, voici une photo qui cumule les difficultés pour un appareil photo. Vous pardonnerez à cette image d’être d’un banal et d’une mocheté absolue, elle n’est pas là dans un but artistique, mais bien pour mettre en avant les difficultés techniques d’une telle prise de vue.

Comme on peut le constater, entre le ciel clair, le mur en plein soleil et la partie dans l’ombre, l’expo était très difficile.

Il est impossible pour un appareil photo normal d’encaisser de telles différences de dynamique. Les écarts entre les hautes et basses lumières sont bien trop grands.

Commence ici le travail.

La création d’une image HDR

La prise de vue:

Après avoir choisi son sujet, le lieu, le bon moment…eh oui, c’est du travail, on peut commencer.

1. Prendre son trépied, l’installer et peaufiner le cadrage (pas comme je l’ai fait moi)
2. Régler son appareil sous le format RAW. Je conseille ici le RAW, car son encodage 12 ou 14 bits va permettre au programme d’aller chercher des détails dans les hautes et basses lumières.
3. Commencer la prise de vue. Ici, on va prendre le réglage d’origine et changer la vitesse d’exposition entre chaque vue. Beaucoup d’appareils photo ont le bracketing auto qui permet de justes déclencher et l’appareil s’occupe seul de faire les changements qu’il faut. Il faut trois vues au minimum, j’en conseille sept, ce qui permet d’avoir le top en dynamique.

La conception du HDR:

De retour à la maison, on va décharger les images de son appareil. Ensuite nous allons ouvrir photomatix.

Vous allez alors cliquer sur Créer image HDR. Une boite de dialogue va s’ouvrir, cliquez sur Explorer, puis sélectionnez les images qui vont composer votre HDR. Vous pouvez directement les importer dans leur format RAW d’origine. Puis finalement, appuyez sur OK.

Une autre boite de dialogue va alors s’ouvrir:

Je vous conseille les mêmes réglages que moi. (En bleu).

Le programme va alors travailler un petit moment (selon la puissance de votre ordinateur). Puis vous ouvrir une image proprement HORRIBLE!

Ne vous faites pas de souci, c’est normal!

Enregistrez cette image, elle vous permettra de procéder à plusieurs développements possibles sans refaire à chaque fois le travail d’importation des photos.

Cliquez alors sur l’icône ”Tone Mapping”.

C’est à partir de là que le vrai travail commence.

Votre image va alors s’ouvrir, elle sera mieux que la première fois. Il va donc falloir maintenant jouer des curseurs pour arriver à un réglage optimal de notre photo.

A partir de là, le rendu ne tient qu’à vous.

Pas de recette miracle, selon ce que vous aimer, selon votre envie vous pourrez obtenir à peu près tout ce qui vous passe par la tête.

Mais je vais commencer par vous détailler la boite de dialogue bloc par bloc.

En haut nous avons ça:

Le HDR-Compresseur est une autre façon de créer son HDR, mais il offre moins de possibilités, je vais donc passer par-dessus.

Nous allons donc nous concentrer sur le HDR Révélateur.

Regardons les trois premiers curseurs :

• Intensité: Il va permettre de régler la valeur du tone mapping appliqué à l’image. En d’autres termes, plus on va le pousser loin sur la droite, plus l’effet sera fort et la dynamique étendue. Et plus on va le pousser vers la gauche, et moins l’effet sera fort.
• Saturation des couleurs: Comme son nom l’indique, ce curseur permet de plus ou moins saturer les couleurs. Je conseillerais d’utiliser ce curseur en tout dernier!
• Lissage du contraste: Il permet de doser plus ou moins fort l’effet d’intensité. Je dirais que pour régler le rendu de l’image il faut jouer de pair avec intensité et lissage des contrastes. Plus le lissage sera bas plus l’effet sera marqué. Ce qui va aussi provoquer ces forts effets de halo. Plus il sera haut, moins il sera marqué. Le contraste étant moins important, le dégrader entre chaque zone sera plus doux.
• Luminosité: Pour régler la luminosité. Je vous déconseille de le toucher, car on verra un peu plus bas, qu’un curseur permet de faire ça bien mieux.

Passons à la suite de la boite de dialogue:

Onglet Ton:

• Le curseur point blanc va donner plus ou moins de force aux tons clairs.
• Le curseur point noir va donner plus ou moins de force aux tons foncés.
• Le curseur gamma va lui jouer sur le gamma, autrement dit, sur la luminosité de l’ensemble de l’image.

Onglet Couleur:

• Le curseur température va jouer sur le rendu de l’image. Poussé sur la droite il va donner une atmosphère plus chaude. Poussez à gauche, plus froide.
• Le curseur saturation des hautes lumières va, comme son nom l’indique, plus ou moins saturer les hautes lumières.
• Le curseur saturation des ombres, va plus ou moins saturé les basses lumières.

Onglet Micro:

• Le curseur Micro-contraste va augmenter l’accentuation de l’image
• Le curseur Micro-Lissage va diminuer le bruit numérique (notamment dans les ombres)

C’est deux réglages qu’il vaut mieux effectuer sur un programme de retouche spécialisé si vous en avez un. Car leur performance ici est plutôt limitée.

Onglet O/L:

• Le curseur Lissage des hautes lumières permet de diminuer le bruit chromatique dans les hautes lumières, fait perdre aussi en contraste.
• Le curseur Lissage des ombres permet de diminuer le bruit chromatique dans les parties plus denses, fait perdre aussi en contraste.
• Le curseur Coupure des ombres permet une transition entre les basses et hautes lumières plus en douceur.

Finalement:

Je dirais qu’il n’y a pas de recette miracle. On peut obtenir un peu tout ce que l’on veut, il suffit de tester, d’essayer de bouger les curseurs et regarder ce qu’il se passe.

On peut obtenir des rendus diamétralement opposés avec les mêmes images.

Premier exemple, un rendu bien connut. Celui qui signe le HDR. Très contrasté qui ressemble à un dessin. Avec une photo qui aurait plus de couleur, l’effet serait encore plus surprenant.

A l’opposé, une image bien plus naturelle. Difficile ici de savoir sans indication qu’il s’agit d’un HDR. La dynamique est certes étendue, mais elle n’est pas choquante. Cette image reste très réaliste.

Quand on compare ces deux images à celle de base, que l’on préfère un rendu saturé ou naturel, on voit tout de suite l’avantage que peut amener le HDR dans nos prises de vue.

Dès que l’on est en présence d’une forte dynamique, le HDR est un outil redoutable!

Le HDR est une histoire de gout.

Personnellement, je suis plus fan des HDR de nuit discrets (comme l’image de lustration de ce billet) que des HDR clinquants plein de couleurs et très saturé qui sont très proches des dessins.

Attention, je parle bien de les faires, et non pas de les admirer.

Car si j’aime faire des HDR tout en douceur, j’aime beaucoup admirer les ouvres de certains photographes qui poussent très loin le rendu.

Je vous conseille de bien vous amuser, de faire un maximum d’essais. Car, comme pour toute chose, c’est l’expérience qui vous permettra d’obtenir le meilleur.

Bon courage et bonne photo.

PS: Pour faire un HDR avec différent calque sur Photoshop, cliquer ICI

Quand on utilise un compact, ou un grand angle, on ne peut pas vraiment jouer avec les flous d’arrière-plan.

Pour autant, il est des situations où il nous serait bien utile d’en avoir un… de flou.

Alors, voici un petit tutoriel histoire de vous monter comment obtenir, avec photoshop, très simplement un flou d’arrière-plan, très réaliste et sans effet de bord.

Pour les besoins de ce tutoriel, ma soeur m’a fourni une photo de mon grand frère faite avec son compact.

Première chose à faire, ouvrir la photo sur laquelle on doit travailler et en détourer soigneusement la zone qui doit rester nette.

Pour moi, il s’agit de mon grand frère. (si vous ne savez pas détourer, allez voir ICI)

Quand c’est fait, allez dans ”calque” puis ”nouveau” et ”calque” ici choisir sans couleur.

Quand c’est fait, sélectionnez ce claque dans la boite de dialogue des calques et remplissez la sélection de blanc. Puis prenez un outil de sélection au hasard (la baguette magique par exemple) clique droit sur l’image et ”intervertir” remplissez alors cette nouvelle sélection de noir, ce qui devrait vous donner cela:

Maintenant que c’est fait, allez dans la boite de dialogue des calques, choisissez ”couche” et cliquez sur l’onglet pour créer une nouvelle couche Alpha1 (flèche rouge)

Quand c’est fait, retournez sur votre image (celle de la silhouette noir et blanc) sélectionner tout, copiez et collez dans la couche alpha1.

Ensuite, toujours dans la boite de dialogue des calques, cocher ”RVB” vous pouvez maintenant supprimer le calque de la silhouette noir et blanc pour ne garder que le calque d’origine.

Allez dans ”filtre” ”atténuation” ”flou de l’objectif”

Quand la boite de dialogue apparait, allez dans ”source” et choisir ”Alpha1” cochez ”inverser”. Pour l’ajout du flou, faites à votre idée.

Il ne vous reste plus qu’à appuyer sur ok. Puis enregistrer votre travail!

Bon courage et bonne photo!

Le problème, c’est que lorsqu’on est sur un programme de retouche et qu’on ”force” la netteté, l’image se détériore. Le bruit augmente… etc

Comment faire alors, pour obtenir un gain de netteté sans détériorer l’image ?

Je vais vous donner un petit truc aujourd’hui. Je ne l’ai pas mis dans les tutoriels dans mon site, car c’est plus une astuce qu’un vrai tuto, mais vous verrez, il est fort utile!

Primo, on n’augmente la netteté d’une image qu’à la fin de toute retouche. Si vous préférez, juste avant d’enregistrer notre travail. C’est réellement la chose que l’on fait en dernier, c’est une règle d’or de la retouche.

Maintenant que l’on sait ça, on peut commencer.

Après avoir fait ce que vous aviez à faire avec votre image, enregistrer la une première fois par sécurité. Car nous allons changer de mode de couleur et pour cela, il faut que tous les calques soient fusionnés.

Une fois fait l’enregistrement, il faut aller dans ”image” ”mode” ”couleurs lab”

Puis, il faut aller dans la boite de dialogue des calques, cliquer sur ”couche” (flèche rouge) et choisir ”Luminosité”.

Ensuite, il faut aller dans ”filtres” ”renforcement” ”netteté optimisée”.

Une boite de dialogue va alors s’ouvrir. Il faut mettre les réglages qui correspondent au mieux à votre image.

Appuyez sur OK pour confirmer vos réglages. Retournez sur la boite de dialogue des calques et cliquez sur ”lab” pour retrouver toutes les couches.

Retournez dans ”image” ”mode” et cette fois choisicez ”RVB” pour revenir au mode de couleur d’origine.

Voilà, en quelque cliques, vous avez amélioré la netteté de votre image sans trop endommager votre fichier.

Bonne photo et bon courage

Exceptionnellement, l’image présentée n’est pas de moi, donc un grand merci à Laurent Van Hoornick pour sa superbe photo qui ma servi d’exemple pour créer mon tuto.

Pourquoi vous montrer cette très belle voiture dans cette atmosphère lourde ?

Car, aujourd’hui, je vous propose d’apprendre à recréer ce style de traitement très apprécié par le photographe Scott Chu… mais avant, regardons à quoi ressemblait cette image à l’origine.

Voici donc l’image avant :

Impressionnant non ?

Maintenant, si vous voulez connaitre les secrets de cette transformation, ils se trouvent dans la partie tuto de mon site www.darth.ch il suffit donc de cliquer ICI et vous pourrez apprendre comme on fait ce traitement, qui est très facile.

Je vous laisse vous amuser avec ce tuto.

J’espère qu’il vous aura été utile.